Le strade dell’Oltrarno risuoneranno per l’ultimo giorno del 2023! Dalle 22:00 in poi, in Oltrarno saranno presenti tre marching band dal suono travolgente: l’Orchestra Bandão, la Fantomatik Orchestra e The Sound Street Band

II repertorio dell’Orchestra Bandão offre ritmi originali, composti dal Maestro Francesco Petreni, e attinge da sonorità proprie delle tradizioni musicali italiane fondendole con suoni e ritmi caratteristici di Paesi e mondi lontani come il Brasile, Cuba, il continente africano. Il risultato è una contaminazione inedita di stili, coreografie e sonorità differenti che si avvicendano e si fondono in una performance unica nel suo genere.

La Fantomatik Orchestra è un progetto musicale che nasce in Toscana nel 1993 come gruppo funky, soul e rhythm’n’blues, con influenze etno, pop e dance. Nel 2001 la band intraprende una svolta importante: il gruppo da palco diventa marching band. La formazione, composta da 14 musicisti, riesce subito ad imporsi all’attenzione pubblica anche grazie alla scelta di rinnovare costantemente il proprio repertorio ricercando nuove sonorità e nuove idee.

The Sound Street Band, fra le prime in Italia, è attiva dal 1991 e si ispira alle marchingbands afroamericane che si esibivano all’inizio del secolo a New Orleans nelle occasioni più disparate, dalle parate, al Carnevale, feste e cerimonie. The Sound Street Band propone brani legati alla tradizione del jazz, come Hello Dolly o Basin Street Blues, appropriandosi delle forme moderne della musica afroamericana

Capodanno Fiorentino 2024 è promosso dal Comune di Firenze e coordinato da MUS.E  con il sostegno di Toscana Energia

Una serata straordinaria per raccogliere fondi da destinare interamente alle popolazioni della Toscana colpite dall’alluvione dello scorso 2 novembre.
Stefano Massini, Fiorella Mannoia e Piero Pelù condurranno quello che si preannuncia un evento davvero unico.

Stefano Massini: “Vogliamo mostrare vicinanza alle moltissime persone che stanno vivendo un’esperienza tragica. Sappiamo che il nostro gesto non potrà mai essere risolutivo ma vogliamo dare a tutti un segno di attenzione, sperando che possa servire a offrire un utile sostegno.Sul palco si alterneranno artisti importantissimi. Vogliamo che si parli di questa cosa il più possibile, affinché imprenditori ditte, aziende e chiunque voglia possa contribuire alla ricostruzione di queste zone così duramente colpite”.

Piero Pelù: “Presenteremo un cast ricchissimo che rappresenterà a 360 gradi il mondo dell’arte e della cultura. Sarà importante partecipare all’evento o anche sostenerci versando un contributo sul conto che abbiamo aperto ad hoc. Ovviamente sarà tutto trasparente e consultabile, gestito da un comitato che proseguirà a operare per mantenere viva l’attenzione anche dopo il 3 gennaio. Vogliamo dare una mano a tutti i toscani che stanno soffrendo per questa terribile alluvione”.

Posti numerati da 34,50, 46 e 69 €

Grande è l’attesa per il ritorno di Remo Anzovino al Teatro di Fiesole, giovedì 4 gennaio, per un concerto che vedrà al centro “Don’t forget to fly” e alcuni brani più amati del suo percorso artistico.
Nella prima parte del live, Remo Anzovino proporrà l’intera suite “Don’t forget to fly” e trasporterà il pubblico nella dimensione onirica del volo. Nella seconda parte, di altrettanti 40 minuti, il Maestro eseguirà tutte le hit dagli album di studio e dalle colonne sonore più importanti che lo hanno imposto tra i più originali e influenti compositori e pianisti della scena strumentale contemporanea.

“Don’t Forget to Fly” è un concept album che si contraddistingue per leggerezza e luminosità, pensato e composto nella dimensione di un sogno. Un viaggio tra le mille possibilità espressive e stilistiche del pianoforte, un’esplorazione onirica del volo e del pianeta dell’aria in cui l’ascoltatore è chiamato a vivere la seconda vita di Icaro. Una seconda occasione in cui le ali non vengono bruciate dal sole, che, sorprendentemente, ci accoglie come una Grande Madre.

Attraverso questa metafora Remo Anzovino invita l’ascoltatore a cercare nella realtà di tutti i giorni il cielo dove far vivere i propri sogni, i propri desideri, traducendo in puro suono il bisogno degli esseri umani di volare, le immagini dinamiche di un sogno che si rivela come un potente mezzo di interpretazione della realtà.

Posti numerati 16,50 e 12,50 euro

Un libro a più voci che indaga il rapporto tra Pier Vittorio Tondelli e la musica, tra la parola scritta e il ritmo musicale che la sostiene, un tema tanto caro allo scrittore emiliano.

Tanti i contributi nel libro: dai testi inediti scritti da Pier Vittorio per gli Skiantos, e qui presentati da Freak Antoni, ai ricordi di Luciano Ligabue, che abitava nello stesso palazzo a Correggio ,dalle amicizie di Giovanni Lindo Ferretti alle passeggiate fiorentine con Sandro Lombardi, e poi ancora Massimo Zamboni, Federico Fiumani, giornalisti come Alberto Piccinini, Stefano Pistolini, Luca Scarlini, PierFrancesco Pacoda, Gabriele Romagnoli, Ernesto De Pascale, Paolo De Bernardin, Giuseppe Videtti ed ancora il geniale fotografo Derno Ricci, gli scrittori Mario Fortunato, Filippo Betto, il regista Mario Martone, la dolcissima Nicoletta Magalotti e il fondamentale supporto letterario di Fulvio Panzeri che ha seguito con passione ed amore il viaggio di Tondelli per decenni e che qui scrive del rapporto tra Tondelli e la musica.

Pier Vittorio Tondelli ci ha fatto capire attraverso la sua scrittura che la Musica è stata la colonna sonora della nostra vita in ogni momento felice o difficile.

Nuova edizione rivista e ampliata In copertina un’opera di Matteo Torcinovich dedicata a Pier Vittorio Tondelli e Adriano Alecchi.

Bruno Casini si è sempre occupato di musica, scrittura, culture giovanili e clubbing. È stato il primo manager dei Litfiba negli anni ottanta. Ha diretto la mostra Independent Music Meeting per quindici anni. E’ stato tra i fondatori della rivista Westuff Magazine. Ha programmato spazi della notte come Casablanca, Manila News, Banana Moon, Tenax. Da molti ani si occupa di comunicazione. Ha scritto decine di libri tra cui “Frequenze Fiorentine” (Ed. Goodfellas) sugli anni 80 a Firenze. Ha frequento Pier Vittorio Tondelli nel periodo del “Rinascimento Rock” nel capoluogo toscano.

Ingresso libero.

Il “Miglior chitarrista acustico del mondo” per i lettori di Total Guitar Magazine e MusicRadar. Gran virtuoso del fingerstyle, Mike Dawes sarà in concerto mercoledì 21 febbraio al Teatro Il Garibaldi di Prato, a un anno esatto dai live italiani insieme a un altro asso della sei corde, sua maestà Tommy Emmanuel.

Nato e cresciuto nella terra di Albione, Mike Dawes è tra i chitarristi fingerstyle più moderni e creativi, noto per la composizione, l’arrangiamento e l’esecuzione di più parti contemporaneamente su un unico strumento.
Mike Dawes è un punto di riferimento per generazioni di chitarristi e milioni di appassionati, un artista che emoziona e incanta al primo ascolto, donando un’esperienza da vivere con occhi, orecchie e cuore spalancati.

Un successo, quello del chitarrista inglese, certificato anche dai cliccatissimi video online: la sua versione di “Somebody That I Used To Know” di Gotye conta oltre 17 milioni di visualizzazioni, per non dire di “One” dei Metallica (6,5 milioni), dei duetti con Tommy Emmanuel e dell’amatissima “Boogie Slam”, contenuta nell’album di debutto “What Just Happened?” che 10 anni addietro lo impose all’attenzione di pubblico e critica.

Il concerto pratese sarà anche l’occasione per ascoltare alcune anteprime del prossimo album, che Dawes ha appena terminato di registrare.
Mike Dawes è attivo anche sul fronte della didattica – tiene seminari di chitarra in tutto il mondo –  ed è stato editorialista di due bibbie del genere, Guitar World e Acoustic Guitar.

Posto unico 23 euro

Cosimo Boni inaugura il progetto Move On di Music Pool con la presentazione del suo primo disco “May be – Unable to return”.

Il progetto Move On è una rassegna concertistica che ha la finalità di proporre sulla scena fiorentina una nuova prospettiva sonora, rivolta ai giovani artisti attivi sia sul territorio locale che nazionale. Obiettivo del progetto è quello di coinvolgere e formare non solo appassionati e studenti di musica, ma anche persone senza particolari conoscenze in campo artistico. Ogni serata prevederà una prima parte dedicata alla formazione e al coinvolgimento degli studenti di conservatorio e non solo.

“May be – Unable to return” è il primo album da leader del trombettista Cosimo Boni, pubblicato su CD e digitale dall’etichetta spagnola Fresh Sound New Talent. Cosimo Boni è alla guida di un quintetto composto da Daniele Germani al sax alto, Isaac Wilson al pianoforte, Mats Sandahl al contrabbasso e Jongkuk Kim alla batteria e percussioni. Registrato a New York, “May be – Unable to return” è un album nato e pensato interamente a Boston, durante le innumerevoli gig al Wally’s Jazz Cafè a cui Boni ha partecipato durante gli anni di studio al Berklee College of Music. Ispirato dalle lezioni con Danilo Perez, Joe Lovano, John Patitucci e Darren Barrett, Cosimo Boni ha cominciato a chiamare ogni settimana musicisti diversi con cui suonare, cercando l’alchimia giusta fra i veri elementi. La formazione finale che è scaturita da questi incontri è quella che troviamo nel disco. Il risultato è un album dallo straordinario interplay, con un flusso sonoro continuo, dove si alternano spunti e suoni molto personali ma sempre messi al servizio della band e della composizione collettiva estemporanea. Ed è proprio Joe Lovano a indicare nelle note di copertina uno degli aspetti più significativi dell’album: “Each piece unfolds into the next with a magical organic flow that features everyone throughout in unexpected places. I was captured from start to finish”

La prima parte prevede una  conversazione aperta al pubblico sulla musica con il compositore e leader dei Funk Off Dario Cecchini alle 17:30.

Ingresso  € 12 / 10 rid. + d.p.

Bobo Rondelli torna sul palco accompagnato dai chitarristi Luca Giacomelli e Luca Pirozzi, due pilastri della pluripremiata band Musica da Ripostiglio.

Roberto Rondelli, cantautore, poeta, attore e performer, nasce il 18 marzo 1963 a Livorno, città che ispira da sempre la sua carriera artistica. Fin dagli inizi si cimenta nelle cover band dando vita al trio Les Bijoux, per poi formare gli Ottavo Padiglione, band che riscuote un discreto successo anche al di fuori della Toscana soprattutto grazie ai testi di Rondelli, introspettivi ed ironici, specchio di una cultura, quella toscana, che racchiude un modo di essere, cinico e spassionato. La vita artistica degli Ottavo Padiglione prosegue con una serie di dischi pubblicati da major fino al 1999-2000, quando la band si scioglie e Bobo inizia la sua carriera solista. 

Vincitore del Premio Ciampi, a cui ha dedicato un intero album “Ciampi ve lo faccio vedere io”, Bobo Rondelli oggi è considerato uno dei cantautori toscani più importanti della sua generazione: il suo spirito libero si ritrova nella sua musica e nelle sue canzoni. Interprete beffardo, malinconico e racconta amori difficili, sentimenti struggenti e drammi esistenziali, unendo da insospettabile performer, comicità e sottile provocazione, suggestioni poetiche e ballate che sanno toccare l’anima. Nel 2021 esce il suo ultimo lavoro discografico di brani inediti, “Cuore libero”.

Ad aprile 2024 uscirà con un nuovo disco per The Cage Rec. con tutte le sue canzoni più ironiche, scanzonate e drammatiche: dalla storica “Mantenuto” alla recente “Bella Chiappona” passando da “Gigolò a Rotterdam” a “Domani mi sparo” fino ai “Dolori del giovane Walter”, un viaggio alla riscoperta del lato più giocoso e scanzonato di Bobo.

Ingresso  € 16 / 14  rid. + d.p.

Abbonamento 5 concerti € 55 + d.p. / riduzione € 50 + d.p. primi 10 giorni

La storia del jazz che continua: due generazioni a confronto, un gigante del jazz italiano come Enrico Rava incontra la formazione del pianista Alessandro Lanzoni con Daniele Germani al sax, Gabriele Evangelista al contrabbasso ed Enrico Morello alla batteria per costruire un dialogo creativo che possa proiettare il jazz italiano nel futuro della musica.

Enrico Rava, grazie alla sua poetica immediatamente riconoscibile, la sua sonorità lirica e struggente sempre sorretta da una stupefacente freschezza d’ispirazione, è sicuramente il jazzista italiano più conosciuto ed apprezzato a livello internazionale. Da sempre impegnato nelle esperienze più diverse e più stimolanti, è apparso sulla scena jazzistica a metà degli anni sessanta, imponendosi rapidamente come uno dei più convincenti solisti del jazz europeo. La sua schiettezza umana ed artistica lo pone al di fuori di ogni schema e ne fa un musicista rigoroso ma incurante delle convenzioni.

L’assegnazione del “Top Jazz 2013” come miglior nuovo talento dell’anno, attribuito dai più qualificati giornalisti italiani per la rivista Musica Jazz , colloca ormai a pieno titolo Alessandro Lanzoni fra gli artisti di maggiore personalità del jazz italiano: può già vantare una significativa esperienza internazionale in Europa, America Latina, Israele e Stati Uniti.

Enrico Morello conduce da anni un’intensa attività professionale che gli ha consentito di guadagnare un posto di rilievo fra i più richiesti ed interessanti musicisti di jazz in Italia. Dal 2014 è un elemento fondante del quartetto di Enrico Rava con il quale porta avanti una lunga e proficua attività concertistica internazionale.

Gabriele Evangelista dal 2010 è il contrabbassista di Enrico Rava nel quintetto “Tribe”, con il quale ha realizzato l’omonimo disco per la prestigiosa etichetta ECM; è inoltre componente da tre anni del nuovo quartetto di Enrico Rava con Francesco Diodati ed Enrico Morello col quale ha registrato “Wild Dance” sempre per ECM. Dal 2010, suona nel trio di Roberto Gatto insieme ad Alessandro Lanzoni. Ha alle spalle molte partecipazioni televisive e concerti internazionali.

La partecipazione straordinaria della cantante Karima, per la prima volta ospite di questa formazione musicale, impreziosisce il contenuto della serata con le sue interpretazioni vocali. Karima nasce a Livorno, città marittima, colorata e frizzante da cui eredita la permeabilità alle contaminazioni come la sua voce poliedrica dove convivono e si esprimono i colori del jazz, blues e gospel come nel suo ultimo lavoro discografico “No Filter”.

Primo settore: € 25 / 23 rid + d.p.

Secondo settore: € 20 / 18  rid + d.p.

Nella storia della musica brasiliana e non solo, Toninho Horta con i suoi 55 anni di attività, merita un posto di grande rilievo avendo sviluppato i dettami della grande scuola del Minhas Gerais, sua regione natale, e influenzato i grandi musicisti di fine secolo anche oltre i confini sudamericani. Le sue struggenti melodie sono state cantate e arrangiate perfino dagli Heart, Wind and Fire a dimostrazione di una caratura melodica che sconfina oltre la musica colta.

In tale ambito, ha collaborato con il Gotha della musica americana della seconda metà dello scorso secolo suonando con Herbie Hancock, Wayne Shorter, Keith Jarrett, Tom  Jobim, Joyce, Milton Nascimento, i Manhattan Transfer, Gil Evans, Flora Putin, Astrud Gilberto solo per fare qualche nome, e formando un Duo di lunga durata  con Pat Metheny che è stato particolarmente influenzato sia dal  suo visionario approccio compositivo e chitarristico, sia dalle sue complesse e sofisticate soluzioni armoniche.

In questo progetto troviamo al suo fianco oltre ad  Alfredo Paixao, uno dei migliori bassisti elettrici brasiliani residenti in Europa fortemente ispirato dal grande Luisao, il grande sassofonista veneziano Pietro Tonolo, nell’Olimpo dei musicisti italiani di jazz riconosciuti a livello internazionale, e il batterista e vibrafonista Jorge Rossy che deve la sua originaria popolarità alla sua decennale permanenza nel primo Trio di Brad Mehldau,contribuendo vivamente alle fortune del gruppo,  e la cui versatilità e sensibilità, che gli hanno consentito collaborazioni con Wayne Shorter, Dave Holland, Kurt Rosenwinkel, Charlie Haden, con il tempo lo hanno posto ai vertici mondiali del suo strumento.

Ingresso 15 € / ridotto 13 €

Domenica 3 marzo chiuderà la rassegna un recentissimo progetto del contrabbassista Francesco Ponticelli,  compositore e contrabbassista jazz tra più attivi della scena italiana.

Megapascal è il nome del  suo ultimo lavoro discografico, una fusione di voce, parole e musica, che esprime un sentimento di urgenza legato ai problemi ambientali e globali. Un’esperienza musicale complessa e articolata, che invita a ricercare un proprio immaginario sull’universale. Dialogheranno con Francesco Ponticelli, sempre sul palco del Teatro della Limonaia, tre giovani artisti di grande caratura, la voce di Samuele Cyma, Enrico Zanisi al pianoforte e Giovanni Jacovella alla batteria.

Biglietti 334 6894229 | 346 0384884 | info@scuoladimusicasesto.it

Fondato da Erika Boschi e Agustin Cornejo nel 2016, il progetto Sinedades si ispira alla musica popolare brasiliana degli anni ’70, ma viaggia libero tra scrittura, lingue e tradizioni, definendo uno stile che nel tempo è diventato proprio. A seguito di tre anni di produzione multimediale, la band è in attesa della pubblicazione del prossimo disco, prevista per aprile 2024. Nel frattempo, dopo più di 600 concerti nel territorio italiano, il duo apre le porte al format Sinedades Experimental, una nuova formazione che invita ad un ballo aperto dove ritmi afro-latini incontrano sperimentazioni elettroniche.

In apertura: Samba Boutique – A Tropical DJ Set
Una selezione calda e tropicale.
Erika Boschi esplora gemme nascoste fra Samba, Salsa, Funk Brasiliano Vintage, Afrobeat, Cumbia e Electro Pop Latino.

Ingresso € 10 / 8 rid. + d.p.

Un concerto speciale in favore del progetto #ilpensierononsiferma per la ricostruzione del Teatro e della Biblioteca di Campi Bisenzio con i Funk Off feat. Nadyne Rush e The Pilgrims Gospel Choir.

Funk Off

I Funk Off hanno letteralmente dato un senso nuovo alla parola Marchin’ Band in Italia: hanno infatti legato a quest’accezione un tipo di musica che unisce il groove della black music ad arrangiamenti di tipo jazzistico, ad uno stile e ad una melodia italiana, a movimenti e coreografie di grande impatto visivo ed emotivo. Sulla loro scia decine e decine di gruppi simili sono nati in Italia, ma la loro energia, la loro grinta, il loro affiatamento e l’originalità della loro musica, scritta e arrangiata da Dario Cecchini, fondatore e leader della band, sono uniche ed inimitabili!

Nadyne Rush

Nadyne Rush è una cantante dalle origini italo-haitiane che vede i suoi esordi nell’ ambiente soul jazz. Fino all’autunno 2018 è stata la corista del gruppo funky italiano Dirotta Su Cuba Insieme al gruppo si è potuta esibire in importanti contesti jazz tra cui Milano Experience a fianco di Mario Biondi e Fabrizio Bosso nel concerto di apertura alla band Incognito.

The Pilgrims Choir

Nato nel 1997 su iniziativa del Maestro Gianni Mini dal quale è tuttora diretto, il Coro è composto da circa 40 tra cantanti e musicisti provenienti da esperienze formative di vario genere (classica, jazz, pop) con repertorio di prevalente ispirazione spiritual e gospel e brani anche di musica pop.

Nel corso della propria attività, ha partecipato a varie manifestazioni e festival nazionali e internazionali come il Torrita Blues, il Gospel night di Bologna, il Radioliberafestival a Santa Croce sull’Arno, il Narni Jazz Festival, il Festival Gospel di Lucca, il Festival Gospel di Legnago (Vr), il Festival nazionale del cinema, teatro e televisione di Villa Basilica, il Chianti Festival, il Festival Gospel di Varese, l’Estate Fiesolana e a importanti manifestazioni benefiche quali Telethon. 

Ingresso € 10

Biglietteria@teatrodante.it // tel 0558940864 // 346 3038170

La cantante e autrice Romina Capitani porta con sé un timbro personale e riconoscibile, una grande attitudine allo swing e vanta numerose e prestigiose collaborazioni, in Italia e all’estero. Tra le voci più interessanti e accreditate della sua generazione, presenta un progetto musicale inedito, affiancata da un trio di musicisti di grande esperienza. La lunga collaborazione con Manrico Seghi, pianista e hammondista tra i migliori in Italia, con Giacomo Rossi, contrabbassista e poliedrico strumentista e con Dario Rossi, giovane promessa del jazz drumming, propone per l’occasione un repertorio selezionato con cura e attenzione ai dettagli, composto da jazz standards e brani originali, incursioni nel linguaggio afro americano e improvvisativo che fanno da Fil Rouge a sonorità che omaggiano alcune delle grandi vocalist e improvvisatrici della storia del jazz, come Carmen McRae, Betty Carter, Anita O’Day, Sheila Jordan, Ella Fitzgerald, Billie Holiday.

Un quartetto in cui emerge la comune passione per il jazz, un vivace interplay ed una comprovata affinità stilistica di grande raffinatezza, emotiva e coinvolgente.

Ingresso € 12 – ridotto € 10

Torna a Firenze il Saint Patrick’S Day con Eirini, uno dei gruppi dei più conosciuti e la performance di ballo dell’Associazione Iris.

Eirini sono una band romana nata dal genio e dalla passione di Marco Fabbri presente sulla scena musicale di tradizione orale da oltre 35 anni. Ha vissuto per lunghi periodi di tempo in Irlanda, Scozia e Bretagna e questo gli ha permesso di apprendere non solo la storia e lo stile della musica in sé, ma come sentirla dentro, attraverso la conoscenza di quella quotidianità della quale la musica è un’espressione.

Il gruppo presenta un repertorio strumentale vario di danze e canzoni della tradizione Irlandese, in un’interpretazione moderna ma rispettosa del linguaggio stilistico, che ne caratterizza il suono trascinante ed emotivo.

Ingresso € 10 / 8 rid. + € d.p.

Il Danish Trio unisce al pianista Stefano Bollani due musicisti di punta della scena scandinava: Jesper Bodilsen al contrabbasso e Morten Lund alla batteria. I tre artisti si incontrano nel 2002 su iniziativa di Enrico Rava, che li chiama a collaborare in occasione della sua vittoria al Jazzpar, prestigioso premio jazz assegnato a Copenaghen. Da questo incontro parte una collaborazione che culmina con la pubblicazione dei dischi Mi ritorni in mente e Gleda, entrambi usciti per l’etichetta danese Stunt Records, e Stone in the Water, pubblicato dall’etichetta tedesca ECM. A questi album vanno aggiunti Joy in Spite of Everything (ECM), inciso a New York con il supporto del chitarrista Bill Frisell e del sassofonista Mark Turner, e Close to You (Stunt), disco in cui Bollani, Bodilsen e Lund affiancano la cantante danese Katrine Madsen. 

“Nel Danish Trio l’ascolto è un elemento centrale” sintetizza Bollani “e ciascuno di noi è, in ogni istante, attento a ciò che gli altri stanno suonando, concentrato sul suono nella sua totalità. Esattamente il mio ideale di gruppo jazz.” Nei live Bollani, Bodilsen e Lund si uniscono per interpretare, improvvisare e creare momenti unici, in grado di trasmettere agli ascoltatori la felicità di vivere la musica senza pregiudizi. E senza una scaletta preordinata. Alla base di tutto c’è sempre la gioia di vivere: quella “Gleda” – come la chiamano i norvegesi – che dà il titolo a uno dei più fortunati album del trio.

L’evento è realizzato in collaborazione con Pisa Jazz.

Posti numerati

Primo settore  € 45

Secondo settore: € 35 – ridotto soci Arci, soci Exwide, studenti € 33 

Terzo settore € 28 – ridotto studenti € 20

Il trombettista Cosimo Boni ed il chitarrista Francesco Zampini, dopo molteplici collaborazioni in formazioni più ampie, si ritrovano e si riscoprono a vicenda in duo esplorando modi più intimi ma non meno avventurosi di interpretare famose songs americane e composizioni dei grandi maestri del jazz. Il lirismo la fa da padrone ma senza tralasciare il groove che accomuna e contraddistingue lo stile di entrambi i musicisti.

Doppio set – ore 19:00 / ore 20:15

Prenotazioni al 055 849 7006 – La Bottega di Sghio

Benché si conoscano e si stimino vicendevolmente da moltissimo tempo e che abbiano spesso incrociato i propri strumenti in diversi progetti, Rita e Paolo non avevano ancora pensato ad un incontro in duo che ha tutte le carte in regola per affascinare e conquistare. Ovvio che si giochi “in casa”. Ovvio che si giochi sul famoso tocco mediterraneo che i due conoscono alla perfezione. Sensibilità, nuance e poesia da ricercare nell’intimo di due grandi interpreti della musica contemporanea. Ciò che li accomuna è sicuramente la ricerca del “bello” dell’arte musicale, talvolta in maniera semplice, diretta, acustica. Talvolta invece filtrato da un pizzico di elettronica che fa sconfinare il progetto nell’immensa tavolozza dei colori della musica contemporanea. Con bene in testa la capacità di improvvisare e conquistare territori impensati. Con bene in testa il jazz che li ha fatti crescere ma specialmente tutto ciò che è buona musica. Un incontro fatto di grazia, sensibilità ed emozioni. Architettato con sapienza e proposto con stile ed eleganza. Non servono altre parole. Questo è un concerto di quelli che servono alla testa ma da lasciare scendere nel cuore.

Biglietti: Platea e prima galleria € 25 / ridotto € 24 – seconda galleria € 23 / ridotto € 22

Un concerto all’insegna dello swing-manouche per questo trio di sole corde che spazia dagli standard di Django alle composizioni originali. Il Jazz-Manouche è una miscela che lega le melodie tradizionali dei nomadi centroeuropei, i Manouche appunto, con lo swing americano e la mousette francese. Un mix in cui rivivono sapori e colori di una Francia di inizio Novecento, elaborato allora, dal quintetto Hot Club De France formato da gitani e non, con a capo Django che portò alla notorietà il loro gipsy-jazz e lo rese famoso in tutto il mondo.

Doppio set – ore 19:00 / ore 20:15

Prenotazioni al 055 849 7006 –  La Bottega di Sghio

Il trio Servillo – Girotto – Mangalavite reintepreta i brani di Lucio Dalla in “L’anno che verrà”.

Il cantautore bolognese è riuscito sempre a tradurre il sentire comune in forma poetica e popolare, e le sue grandi doti di musicista e interprete hanno segnato delle pagine importanti della storia della musica italiana,  facendo sognare generazioni intere di ascoltatori e avendo un’enorme influenza sui cantautori. Il trio Servillo – Girotto – Mangalavite, affiatato da anni di collaborazione, rileggono i grandi classici di Lucio Dalla in una chiave nuova, attraverso la loro grande creatività compositiva, per rinnovare  la sua musica e trasportarla al pubblico di domani e ritrovare nella sua scrittura la capacità di fare della canzone un segnale imprescindibile del cercare la vita e del fare poesia.

Peppe Servillo è il fondatore, cantante e autore dei testi della Piccola Orchestra Avion Travel. Da oltre vent’anni la storia di Servillo coincide in gran parte con quella del suo gruppo che, dal 1980, pubblica numerosi album e conquista molti riconoscimenti, tra i quali spicca il primo posto all’edizione 2000 del Festival di Sanremo. Nel 2001 esce il cd Cirano, prodotto da Arto Lindsay, produttore anche di David Byrne, Ryuchi Sakamoto e Caetano Veloso. Nel 2002 Beppe Servillo ha partecipato in veste di attore al film La felicità non costa niente di Mimmo Calopresti e al film Tipota scritto e diretto da Fabrizio Bentivoglio. Con quest’ultimo ha collaborato anche alla stesura dei testi. Ancora nel 2002 Peppe Servillo ha vinto, insieme al fratello Toni il premio speciale Massimo Troisi.

Javier Edgardo Girotto comincia a studiare il sax all’età di dieci anni. Dopo il diploma in Professional Music cum magna laude al Berklee College of Music, a venticinque anni si trasferisce in Italia. Proprio qui che ha inizio la sua vera attività professionale: suona in gruppi di musica commerciale e latina, dando vita parallelamente a varie formazioni jazz, intraprendendo inoltre l’attività di compositore e arrangiatore. Fonda e guida gli Aires Tango con cui incide sette cd. Parallelamente collabora con Roberto Gatto, Rita Marcotulli, Enrico Rava, Paolo Fresu, Antonello Salis, Gianluigi Trovesi, Gianni Coscia e tanti altri.

Natalio Luis Mangalavite da vent’anni vive in Europa, dove lavora nell’ambito della musica pop e jazz come arrangiatore, compositore, pianista, percussionista e vocalist. Numerose le sue collaborazioni: Ornella Vanoni, Tosca, Fabio Concato, Luca Barbarossa, Marco Siniscalco, Paolo Fresu, Antonello Salis e tanti altri. Tra i molti sodalizi artistici, quello con Michele Ascolese ha dato vita al duo Luis y Miguel e a un disco che rielabora le sonorità del tango argentino del ‘900.

Biglietti:

Intero platea e prima galleria € 15 – seconda galleria € 13

È il progetto musicale del trombonista polistrumentista fiorentino Francesco Cangi, accompagnato in un power trio completato da Antonio Amabile e Daniele Cianferoni. L’album d’esordio “What if the Universe..?” in uscita nel 2024 per l’etichetta Blue Hole Music Club raccoglie dieci brani che spaziano dal new jazz strumentale al funk elettronico contaminato da imponenti sonorità anni ’80.

Prenotazioni al 320 695 1893 – Osteria O’ per Bacco 

Kinga Głyk è la migliore bassista polacca della nuova generazione e una stella nascente della scena musicale jazz e blues. Nonostante la sua giovane età, ha già tenuto numerosi concerti non solo in Polonia ma anche in paesi come Indonesia, Austria, Germania, Svizzera, Italia, Portogallo, Slovacchia, Repubblica Ceca e Ucraina. Delicata e penetrante, ma con un groove deciso e intenso, Kinga ha conquistato il pubblico di tutto il mondo, grazie alla sua capacità di condividere le emozioni evocate dalle sue vicende personali e il suo coraggio di sperimentare, di provare sempre qualcosa di nuovo, di confrontarsi spavaldamente con le regole e di cambiare le forme. Nella sua carriera finora, Kinga si è esibita con: Tim Garland, Nitai Hershkovits, Greg Hutchinson, Jnr Robinson, Bernard Maseli, Ruth Waldron, Natalia Niemen, Apostolis Anthimos, Leszek Winder, Paweł Tomaszewski, Grzegorz Kapołka, Joachim Mencel, Arek Skolik, Mateusz Otremba (Mate.O), Marek Dykta e Piotr Wyleżoł. Nell’ottobre 2017, Kinga ha pubblicato l’album in studio Dream. L’album presenta esibizioni di alcuni dei musicisti più famosi del mondo, come Greg Hutchinson (batteria), Tim Garland (sassofono) e Nitai Hershkovits (pianoforte a coda). L’album è stato pubblicato dalla WARNER MUSIC GROUP COMPANY. Il suo ultimo album in studio della Warner si intitola Feelings ed è stato pubblicato nel 2019.

Ingresso

Intero platea e prima galleria € 17 / ridotto € 16 – seconda galleria € 15/ ridotto € 14 + d.p.

Il compositore e leader dei Funk Off Dario Cecchini questa volta presenta un progetto con un organico particolare, dalle dimensioni ridotte ma come sempre basato su una musica originale e di altissimo spessore. In questa nuova versione di Soul Check, Dario si presenta con Valentina Bartoli all’organo Hammond e tastiere, suo figlio Matteo Cecchini alla batteria e un ospite speciale del gruppo che sta diventando sempre più presenza fissa, Valerio Perla alle percussioni. Tutte composizioni originali sempre a cavallo tra jazz, soul, funk, pop. Cecchini, che in alcuni casi canta alternandosi a Valentina Bartoli, continua a comporre musica diversa da quella dei Funk Off, ma senza perdere quella vena di energia, poesia ed umorismo che da anni lo contraddistinguono. Le percussioni di Valerio Perla, professionista dalle molteplici esperienze, arricchiscono la band di colori e sfumature creando continue variazioni di spazi e ritmi.

Doppio set – ore 13:00 / ore 16:00 – Osteria O’ per Bacco

La chitarrista di fama internazionale Ana Popovic ha costruito la sua carriera definendo e descrivendo, secondo i suoi termini, l’essenza della musica americana, spingendo contemporaneamente i limiti, piegando i generi e reinventando se stessa e la sua musica con ogni nuovo disco. Non sorprende che possa vantare un gran numero di importanti riconoscimenti e risultati dai più alti livelli dell’industria musicale. Ha dimostrato il suo impegno nel celebrare il suo stile musicale eclettico e guidato dalla chitarra attraverso tour, premi e riconoscimenti costanti negli ultimi 25 anni. Nel processo, è emersa come una delle artiste più riflessive, dinamiche e impegnate nel campo della scrittura e della chitarra moderne. Il nuovo album di Ana, Power, uscito il 5 maggio 2023 su ArtisteXclusive Records, porta queste dinamiche in primo piano e, nel processo, trasforma questa serie di canzoni in un racconto potente e personale di sopravvivenza attraverso la fede, la determinazione e la determinazione. tenacia. Sono nati da una serie di circostanze decisamente difficili che hanno messo alla prova la devozione di Ana nel fare musica e la sua perseveranza. Il “potere” simboleggia l’unità. Copertina dell’album: due che si tengono per mano, in bianco e nero, è ciò di cui questo mondo ha bisogno. È il potere, ed è la forza che farà avanzare questo mondo. Senza quel potere, oggi non ci sarebbero state tanta musica, idee e riforme così straordinarie. E in effetti, non questo disco. Questa storia parla dell’amicizia e dell’abbracciare te stesso con tutto ciò che la vita ti offre.

Ingresso

Intero platea e prima galleria € 17 / ridotto € 16 – seconda galleria € 15 / ridotto € 14 + d.p.

Steve Wynn in concerto con Chris Cacavas all’insegna del cantautorato rock.

Steve Wynn è un’autentica icona della scena indie rock americana. Nato a Santa Monica, California, nel 1960, sin dalla tenera età viene attratto dal suono del punk e dalla sua anima ribelle. Comincia a suonare la chitarra e partecipa a vari progetti, fino a che raggiunge il successo con i rivoluzionari Dream Syndicate, una band che, insieme ai REM e ai Sostituziones, ha praticamente inventato la scena indie rock americana degli anni ’80: un successo planetario, che li porta in giro per il mondo fino alla data di scioglimento del gruppo nel 1988. Wynn continua la sua carriera da solista, con uno stile più maturo e contaminato da altri generi, la sua musica viene acclamata dai fan e dalla critica: nel 2001 vince il Best Alternative Rock Album per il suo album “Here Come the Miracles”, dimostrandosi come uno dei compositori e cantautori più eclettici, maturi ed emozionanti delle ultime due decadi.

In 25 anni, Wynn ha pubblicato almeno altrettanti album e ha visto registrate oltre 300 delle sue canzoni. Ha suonato oltre 2000 spettacoli in più di 25 paesi. Le sue canzoni sono state registrate e/o eseguite da REM, Luna, Concrete Blonde, The Black Crowes, Yo La Tengo e Eleventh Dream Day, tra gli altri; il suo “That’s Why I Wear Black” divenne il singolo numero 1 del 1993 in Norvegia come traccia principale dell’album di debutto di Somebody’s Darling. È apparso in primo piano su Rolling Stone, Mojo, Uncut, Entertainment Weekly, People, The Los Angeles Times, New York Times e innumerevoli altre pubblicazioni in tutto il mondo.

Chris Cacavas, dei ex Green on Red, è  tastierista, chitarrista e cantautore statunitense noto per la sua voce sofferta e per i brani acid rock tinti di folk e country: grazie al suo stile, è spesso paragonato a Neil Young.

Ingresso € 12 / 10 rid under 25 e soci Arci + d.p.

Prefazione di Claudio Sessa, introduzione di Marcello Lorrai, con una nota di Roberto Ottaviano, nota discografica di Stefano Zenni e traduzione di Giuseppe Lucchesini.

Sarà presente il musicista Roberto Ottaviano.

L’incontro è a cura di Alessandra Cafiero.

SIDNEY BECHET

Sidney Bechet (1897-1959) è stato certamente uno dei grandi protagonisti della prima era del jazz. Un vero e proprio punto di riferimento per tutte le generazioni successive, e per la musica del Novecento, al pari di Jelly Roll Morton e di Louis Armstrong. Di formazione clarinettista, fu colui che introdusse il sax soprano nel mondo della musica afroamericana. Portò la sua arte in Europa, suonò ovunque, e soggiornò a lungo a Parigi, dove accompagnò Joséphine Baker all’epoca della Revue nègre. Trascorse anche l’ultimo decennio della sua vita in Francia: qui si stabilì di nuovo dopo il grande successo dei suoi concerti alla Salle Pleyel di Parigi. La sua tomba si trova nel cimitero di Garches, la città in cui morì nel maggio del 1959. Aveva appena finito di dettare la sua autobiografia, pubblicata nel 1960 con il titolo Treat It Gentle, che qui presentiamo per la prima volta al pubblico italiano.

Ingresso gratuito.

Il pianista e compositore Francesco Maccianti presenta il nuovo progetto Songbook con un ensemble di musicisti straordinario in cui presenta la sua musica in una chiave completamente nuova.

Dopo un lungo lavoro creativo, Maccianti ha deciso di comporre dei testi su alcuni suoni brani originali e condividere la creazione di essi con quattro voci femminili dalla spiccata creatività e dallo stile deciso, tra cui Barbara Casini, cantante, chitarrista e cantautrice, da più di trent’anni dedita allo studio e alla diffusione della musica popolare brasiliana; Claudia Tellini, interprete di molti diversi stili musicali; Sara Battaglini, cantante studiosa e appassionata di musica contemporanea e Jole Canelli, giovane ma già esperta vocalist dal timbro vocale molto personale e coinvolgente.

Il risultato di questo lungo e articolato lavoro, fondato proprio sulla vocalità, è questa registrazione, in cui un vero e proprio caleidoscopio di emozioni, di parole e di musica personalizza e caratterizza brani scritti per altri contesti musicali, prettamente strumentali e non vocali.

Un’operazione originale, che porta con sé la firma di grandi musicisti della scena jazz e cantautoriale italiana: grazie al contribuito dei sassofoni di Stefano “Cocco” Cantini, Francesco Ponticelli al contrabbasso, Bernardo Guerra alla batteria e Leonardo Marcucci alle chitarre i brani di Francesco Maccianti hanno preso vita.

Di formazione classica, Maccianti vanta una carriera di forte valore artistico, dalle collaborazioni con alcuni dei più importanti musicisti italiani e stranieri), all’impegno nell’insegnamento presso il Centro Attività Musicali, di cui è co-fondatore.

Ingresso platea € 16/14 rid. + d.p. 

Galleria € 14/12 rid. + d.p. 

Unkle Kook è una surf rock psychedelic band, incarnando in pieno lo spirito pulp. Attirati dalla storia del rock’n’roll, dal sole, dai fiumi della California e dall’incapacità di surfare, gli Unkle Kook si tuffano nell’oceano della surf music per liberare l’energia tempestosa a suon di chitarre in sedicesimi e rullate: l’onda d’urto di chitarre distorte e reverberate crea uno tsunami di puro Rock & Roll, mentre un sax grida per farsi sentire, cavalcando una spumosa sezione ritmica. Il loro nuovo disco Coming in bunches è uscito nel 2023.

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Ingresso € 10 / 8 rid. + € d.p.

Zap the Lap nasce dalla collaborazione che ha avuto origine all’interno della funky-band Dirotta su Cuba. Dopo l’esperienza in tour e in studio, i quattro Zap the Lap si rendono conto che potrebbe essere interessante creare un progetto strumentale con un sound personale che unisca il funk, suonato per anni sui prestigiosi palchi italiani, al jazz, di cui da sempre sono appassionati. ll gruppo inizia dunque la ricerca del proprio suono partendo dalle radici della loro musica preferita: da Pat Metheny a Stevie Wonder, da James Brown a Miles Davis, contaminandola anche con tendenze più moderne e ricercate come Snarky Puppy, Kurt Rosenwinkel, Robert Glasper. Ne viene fuori un suono elettrico, vibrante e ritmato, che fonde la scuola del jazz elettrico degli anni 70 con le influenze del nuovo jazz ibrido americano carico di soul, funk e tradizione. Il primo album, “The First Lap”, è per il gruppo l’occasione perfetta per misurarsi in una registrazione live in studio con un ospite d’eccezione: Fabrizio Bosso. Le tessiture melodiche e armoniche della sua tromba regalano alle composizioni ancora più profondità ed emotività. Si tratta anche di una buona opportunità per sperimentare in fase di registrazione. La ripresa audio viene effettuata suonando tutti insieme, come da tradizione, ma in alta risoluzione, con moderne tecnologie di conversione del segnale e di mixing. Il suono ottenuto risulta volutamente più naturale possibile, molto libero nella dinamica, poco artefatto e post prodotto. Il risultato finale è un album che vive di tradizione, influenzato dal presente ma comunque personale, autoriale e sorprendente, sia nelle composizioni che nel suono.

Ingresso € 16 / 14 rid. + d.p.

Abbonamento 5 concerti € 55 + d.p. / riduzione € 50 + d.p. primi 10 giorni

Presentazione del libro di Federico Linossi. Saranno presenti l’autore, Bruno Casini, Francesco Magnelli, Antonio Aiazzi, Daniele Trambusti, Giacomo Aloigi and others.

Il rock italiano (cantato in italiano) non è una contradizione in termini, ma un movimento vivido, complesso ed eterogeneo che, all’inizio degli anni Ottanta, ha timidamente approcciato la scena musicale nostrana riuscendo, successivamente, a incarnarne lo spirito più istintivo, ri­cercato e battagliero. Il percorso, benché tortuoso e irto di ostacoli, è stato teatro di un’espressività intensa e peculiare inscenata fondendo linguaggi sonori di respiro internazionale all’innata propensione italica per il lirismo e la fantasia. Del rock italiano, questo libro fornisce un’interpre­tazione originale: una descrizione del periodo dal 1993 al 2022 raccontata riprendendo il vissuto di appassionati, addetti ai lavori e musicisti. A fare da fil rouge, le esperienze e i gusti dell’autore: la prima, parte – STORIE – sintetizza avvenimenti e intreccia la musica al contesto sociale; la secon­da – CRONACHE – sfocia in una selezione di artisti giudicati rappresentativi e iconici. A completare l’opera le testimonianze dirette dei protagonisti, un ampio apparato iconografico, approfondimenti di carattere collezionistico e disgressioni varie.

FEDERICO LINOSSI

Folgorato dal rock italiano nel 1993, ne è rimasto nei decenni fedele, vivendo la sua passione con trasporto e intensità. L’inclinazione all’approfondimento lo por­ta a essere un insaziabile collezionista, il gusto per la condivisione a collaborare con riviste quali «Rockit», «Musikbox» e «Raro!». Nel 2021 ha pubblicato il libro Litfiba. Guida completa alla discografia e ai live (Arcana).

Ingresso libero.

Massimo Zamboni presenta il suo concerto Con Voce di Popolo in trio.

Massimo Zamboni nasce nel 1957 a Reggio Emilia. Agli inizi degli anni ’80, dopo un periodo nella Berlino del Muro e delle case occupate, tornato a Reggio fonda assieme a Giovanni Lindo Ferretti il gruppo CCCP-Fedeli alla Linea. I titoli degli album sono veri e propri programmi politici: “Ortodossia”, “Compagni cittadini fratelli partigiani”, “Affinità e divergenze tra il compagno Togliatti e noi”, “Socialismo e barbarie”. Canzoni che ancora oggi esercitano un fortissimo richiamo per il pubblico italiano. L’esperienza CCCP termina nel 1989, alla caduta del Muro di Berlino.

Il decennio successivo vede la nascita di un nuovo gruppo: CSI, Consorzio Suonatori Indipendenti. La popolarità del gruppo è immediata, tanto da portarli ai vertici della classifica discografica, pure con canzoni impegnative. Attorno al gruppo si coagula un vero e proprio movimento musicale, Consorzio Produttori indipendenti, con decine di album prodotti, che portano alla ribalta nazionale numerosi gruppi.

Terminata l’esperienza CSI, dal 2000 comincia un lungo periodo di sperimentazione e ricerca, che porta Zamboni a comporre album come solista, incentrandoli su tematiche che analizzano la condizione umana nei suoi aspetti più intimi e drammatici, e assieme collettivi: la sconfitta, l’inermità, l’estinzione. Nel frattempo comincia le collaborazioni con numerosi altri artisti, in particolare Nada, Angela Baraldi, Cisco. Realizza diverse colonne sonore per il cinema, lungometraggi, documentari e corti sperimentali. Pubblica sei libri: In Mongolia in Retromarcia, Emilia Parabolica, Il mio Primo Dopoguerra, Prove Tecniche di Resurrezione, L’eco di uno sparo, Anime galleggianti (con Vasco Brondi)

Tratto dal libro La trionferà e dall’album La mia patria attuale, Con voce di popolo si propone come un innesco per un ragionamento collettivo sull’idea di Patria. La patria piccola, quella dei paesi e delle province di appartenenza, la patria grande, quella che assume il contorno geografico della penisola. Dialoghi e canzoni per uscire dalla solitudine in un momento in cui prevale – giustificata – la mancanza di fiducia e di affezione, e il sentimento della speranza non è mai stato così flebile nella coscienza dei cittadini. Un quadro sconfortante verso il quale nessuna prognosi parrebbe fausta. Eppure il mestiere privilegiato del musicista o dello scrittore consente di avvicinare quotidianamente un’Italia che sogna, lavora, si offre, studia, sorprende, ci prova. Soprattutto, che non ascolta l’urlo generale. Grazie a volontà come queste si va avanti, si vive; bene e male, ma si vive. Per la grazia degli inconsapevoli, che non vedono il quadro generale, o se lo vedono lo trascurano fermamente, perché non c’è spazio per le lamentazioni. Con voce di popolo si situa sommessamente all’incrocio tra la rabbia e la disillusione, l’incanto e lo sforzo. Oltre ai passi estratti dai testi opera dell’autore, viene rivolto un approfondita lettura agli scritti e ai racconti di resistenza di Beppe Fenoglio.

 Ingresso € 16 / 14 rid. + d.p.

Abbonamento 5 concerti € 55 + d.p. / riduzione € 50 + d.p. primi 10 giorni

Secondo incontro per il progetto Move On di Music Pool con la presentazione del lavoro discografico Opus Mixtum vol.1.

Il progetto Move On è una rassegna concertistica che ha la finalità di proporre sulla scena fiorentina una nuova prospettiva sonora, rivolta ai giovani artisti attivi sia sul territorio locale che nazionale. Obiettivo del progetto è quello di coinvolgere e formare non solo appassionati e studenti di musica, ma anche persone senza particolari conoscenze in campo artistico. Ogni serata prevederà una prima parte dedicata alla formazione e al coinvolgimento degli studenti di conservatorio e non solo.

Opus Mixtum vol.1 è il risultato di una residenza artistica durata una settimana a giugno 2021, momento in cui alcuni dei più fulgidi talenti del panorama jazz italiano si sono riuniti per dare vita ad un nuovo organico. L’uso dell’elettronica è al centro del progetto, che spazia tra molte sonorità e che il pianista Alessandro Lanzoni ha definito “la pubblicazione discografica più accattivante dell’anno”. Continua Lanzoni: “tra questi musicisti esiste una sinergia speciale che rende ognuno di loro capace di esprimersi al meglio. Vengono continuamente attraversati nuovi mondi sonori. Per l’ascoltatore è impossibile deconcentrarsi”.

La prima parte prevede un talk on Live Electronics Performance by GAL alle ore 17:30.

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Ingresso € 12 / 10 rid. + d.p.

La prima toscana del film-concerto sui 35 anni del festival ideato da Paolo Fresu, realizzato attingendo da più di 1.500 ore di materiali d’archivio, in gran parte inediti

 Alla proiezione saranno presenti i registi Michele Mellara e Alessandro Rossi  insieme alla cantante e musicista Petra Magoni

Sabato 4 maggio, alle 18.00, al Cinema Astra di Firenze, la Fondazione Stensen, insieme a Associazione Music Pool e Acsit, presentano Berchidda Live. Un viaggio nell’archivio Time in Jazz, il film concerto scritto e diretto da Gianfranco Cabiddu, Michele Mellara e Alessandro Rossi che consegna al pubblico trentacinque anni di storia del festival musicale creato e diretto da Paolo Fresu nel suo paese natale. Più di 1500 ore di materiali d’archivio, per la maggior parte inediti che creano un’esperienza cinematografica e musicale unica, un lascito prezioso, con il meglio della musica jazz e fusion italiana e internazionale degli ultimi decenni.

Berchidda Live. Un viaggio nell’archivio Time in Jazz è il ritratto di un festival vivo e pulsante, in continua evoluzione ma che mantiene intatto il suo fascino a dispetto del tempo; un appuntamento che si rinnova ogni estate dal 1988, in cui è transitato il meglio della musica, non solo jazz, nazionale e internazionale e dove sono cresciute generazioni di pubblico e di appassionati convenuti nel paese ai piedi del monte Limbara, ieri come oggi, per vivere un’esperienza unica, fatta di musica, cultura e natura. Innumerevoli sono gli artisti d’indubbio valore transitati nel corso degli anni a Time in Jazz e presenti nel film: Ornette Coleman, Stefano Bollani, Omar Sosa, Uri Caine, Art Ensemble of Chicago, Erri De Luca, Lella Costa, Daniele di Bonaventura, Bill Frisell, Enzo Avitabile, Ezio Bosso, Carla Bley, Enrico Rava, Gianluca Petrella, Ernst Reijseger, Ludovico Einaudi, Alessandro Haber, Petra magoni, Nils Petter Molvaer, Jaques Morelenbaum, Gianmaria Testa, Marco Baliani, Richard Galliano solo per citarne alcuni.

Grazie a un impressionante lavoro in fase di selezione del materiale d’archivio e poi di montaggio, Berchidda Live. Un viaggio nell’archivio Time in Jazz trasforma più di 1.500 ore di riprese girate in 25 anni da Gianfranco Cabiddu e la sua troupe nelle varie edizioni di Time in Jazz – cuore dell’Archivio fondato dallo stesso regista sardo e dall’Associazione culturale Time in Jazz, oggi digitalizzato e conservato a Bologna presso la Fondazione Home Movies – in un film concerto frutto di un lavoro a sei mani che ha visto insieme chi ha girato e chi, con occhio vergine, ha potuto rileggere e dar vita al materiale filmico, ovvero Mellara & Rossi, che nel loro percorso autoriale hanno sempre lavorato sull’interpretazione degli archivi in chiave originale.

Ingresso con biglietto, € 10 intero / 9 ridotto. Prevendite su liveticket.it/astrafirenze

Un evento Fondazione Stensen e Cinema Astra con Cineteca di Bologna, Associazione MusicPool e il supporto di Acsit.

Info: www.stensen.org

Sarà offerta ai presenti una degustazione di prodotti tipici della gastronomia sarda in collaborazione con Acsit (Associazione Culturale Sardi in Toscana)

Co-fondatore, voce e chitarrista dei Gomez, una delle più eclettiche e rivoluzionarie formazioni britanniche, Ben Ottewell torna in Italia per un tour acustico per la celebrazione dei 25 anni di “Bring It On”, disco d’esordio della band vincitore del Mercury Music Prize e diventato album di culto assoluto. La voce profonda e fuori dal tempo di Ottewell e la sua tecnica chitarristica sono elementi unici e imprescindibili per i suoi show intimi, sempre toccanti e di altissimo livello emotivo. Ottewell è al suo quinto tour italiano, oltre alla presentazione del progetto “Three Men Apart” insieme a Rodrigo D’Erasmo (Afterhours, Diodato) e Roberto Angelini (Niccolò Fabi), avvenuto nel Dicembre 2022 con 5 date italiane di grande successo.

L’evento è organizzato in collaborazione con l’Associazione La Chute

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Ingresso 

Intero prevendita 10 €
Intero botteghino 12 €
Ridotto botteghino soci Arci, Under 25 10 €

Hugo Race, produttore, compositore, interprete e autore di livello internazionale, offre intensi paesaggi sonori che fondono folk, sperimentalismo, elettronica e rock. Nell’arco di tre decenni Hugo ha lasciato una scia mutevole di opere musicali che abbracciano le sue numerose uscite e molteplici collaborazioni internazionali attraverso album in studio, produzioni cinematografiche e teatrali, tournée e festival.

Nel 2009, dopo due decenni e 12 album con il suo ipnotico psiche-blues berlinese True Spirit, Hugo Race (ex Bad Seeds, The Wreckery) ha registrato il suo primo album da solista in modalità “cantautore classico”. Intrecciando canzoni folk, desert blues e le radici italiane della band, l’album si chiamava “Fatalists” e la band che lo creò da allora in poi prese il nome di Fatalists. Lavorando a stretto contatto con il chitarrista/produttore italiano Antonio Gramentieri (alias Don Antonio), i Fatalists includevano anche il partner chiave Diego Sapignoli alla batteria e alle percussioni,la violinista arizona Vicki Brown (Calexico) e il bassista Erik Van Loos (Willard Grant Conspiracy). L’album di debutto dei Fatalists è stato registrato dal produttore italiano Franco Naddei nel suo studio Cosabeat in Romagna, Italia, e pubblicato con grande successo di critica nel 2010 da Interbang Records in Europa e Other Tongues Records in Australia.

Con sede in Italia e con l’aggiunta del bassista Francesco Giampaoli, gli Hugo Race Fatalists hanno effettuato numerosi tour in Europa e Australia e hanno pubblicato gli album ‘We Never Had Control’ (Interbang/Gusstaff Records 2012), ‘Orphans’ (Gusstaff 2014) e ‘24 Hours To Nowhere’ (Glitterhouse Records 2016). Antonio Gramentieri ha lasciato il gruppo nel 2017 per intraprendere la carriera da solista come Don Antonio. Il mago della chitarra Giovanni Ferrario, con cui Hugo aveva lavorato in The True Spirit e Sepiatone, lo sostituì rapidamente e la band registrò “Taken By The Dream” (Glitterhouse 2019) e ora il lavoro definitivo del progetto – “Once Upon A Time In Italy” (Santeria Records 2022).

Il nuovo album di Hugo Race Once Upon A Time In Italy è un tour de force musicale e lirico. Registrato con le guest star australiane Georgia Knight e TJ Howden, l’album contiene 10 nuove canzoni fortemente emotive e una cover: Hurdy Gurdy Man di Donovan. Questo album speciale è stato realizzato durante gli anni di isolamento del 2020-22.

Ingresso € 16 / 14 rid. + d.p.

Abbonamento 5 concerti € 55 + d.p. / riduzione € 50 + d.p. primi 10 giorni (fino al 31 gennaio)

L’astro nascente del jazz americano Emmet Cohen sbarca all’Officina Grey Cat accompagnato per un’occasione speciale con Nico Gori.

Classe 1990, Emmet Cohen perfeziona lo studio del pianoforte sin dalla tenera età: vincitore di numerosi premi  nel corso della sua carriera, ha suonato con i più grandi jazzisti del circuito americano. Pianista poliedrico e compositore jazz, Emmet Cohen è considerato uno dei migliori artisti della sua generazione. Per Cohen suonare il jazz significa “comunicare i livelli più profondi dell’umanità e dell’individualità: si tratta essenzialmente di connessioni”, sia tra musicisti che con il pubblico. Cohen inoltre è impegnato nel passaggio generazionale con i grandi maestri del jazz, tra cui Jimmy Cobb, Ron Carter, Benny Golson, Tootie Heath e George Coleman con i quali ha pubblicato “Masters Legacy Series”. Nel 2019 la sua bravura al piano viene suggellata dal premio American Pianist Awards. Durante la pandemia sono state celebri le “Live from Emmet’s Place”, dove, dalla sua abitazione, trasmetteva ogni settimana esibizioni con altri musicisti, collezionando milioni di visualizzazioni e permettendo così a Emmet Cohen di consacrare la sua figura come protagonista assoluto del jazz “classico” nella contemporaneità. Dirige il suo ensemble omonimo, l’”Emmet Cohen Trio”: con una possente una tecnica fluida, una tavolozza tonale innovativa e un vasto repertorio, Cohen gioca con il comando e passione di un artista completamente dedito al suo mezzo.

Nico Gori, classe 1975, è considerato uno dei maggiori esponenti del clarinetto nella scena italiana e non solo. Nella sua carriera tiene numerosi concerti sia come solista che in big bands, orchestre sinfoniche e formazioni jazz in qualità di leader o side-man, spaziando dalla musica classica al jazz, dal funky all’acid jazz, esibendosi in teatri, clubs, festivals , trasmissioni radio e televisive in tutto il mondo. Numerose le produzioni come compositore, che lo vede protagonista da oltre trent’anni della scena musicale contemporanea.

Ingresso 12/10 € + d.p.

Il batterista Roberto Gatto omaggia il grande Tony Williams con il progetto “Time and Life, la musica di Tony Williams” con un gruppo straordinario di musicisti.

Roberto Gatto è considerato uno dei più interessanti batteristi e compositori in Europa e nel mondo grazie alla sua una ricerca timbrica raffinata e a una tecnica esecutiva perfetta: è sicuramente il più rinomato batterista Italiano all’estero e vanta importanti partnerships con artisti del mondo del jazz e non solo, come Chet Baker, John Scofield e tanti altri. Inoltre Roberto Gatto vanta una carriera da leader che lo vede artefice di numerosi album e colonne sonore per il cinema.

Il suo ultimo progetto è un omaggio al grande Tony Williams, storico batterista che ha debuttato all’età di 17 anni con Miles Davis. 

“Un’ altra sfida appassionante, sono molto felice di lavorare a questo progetto su uno dei miei punti di riferimento, un innovatore, ma sopratutto un grande band leader e compositore. Tony Williams rappresenta quanto di più completo ci possa essere stato nella scena del jazz a partire dagli anni ’60. Onorato di poterlo omaggiare insieme ad un gruppo di straordinari musicisti ed amici, Alfonso Santimone, Umberto Fiorentino, Marcello Alulli e Pierpaolo Ranieri”

Tony Williams non è stato solo uno dei più originali e influenti batteristi della storia del jazz, ma un raffinato compositore ed un visionario leader. La sua figura multiforme e la sua capacità di percorrere territori inesplorati e di concepire la musica in modo totalmente aperto lo ha reso di fatto un punto di riferimento per le nuove generazioni di musicisti.

Ad inaugurare la seconda serata il concerto aperitivo del duo Jole Canelli & Leonardo Marcucci presso il Sunny Hill Bar.

ingresso 12/10 € + d.p.

Un’occasione unica per poter conoscere il mondo di John Coltrane: lezione-concerto con Francesco Martinelli e Stefano Cantini.

Da Giant Steps ad A Love Supreme fino ad Ascension, le opere di Coltrane sono pietre miliari della storia del jazz. Stefano “Cocco” Cantini ha approfondito forse come nessun altro in Italia l’universo coltreaneiano e ci accompagnerà nella sua esplorazione. Francesco Martinelli è una vera istituzione internazionale nell’ambito della storia del jazz: è infatti impegnato fino dagli anni Settanta nella diffusione della cultura jazzistica in Italia come organizzatore di concerti, giornalista, saggista e traduttore, insegnante e conferenziere

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Ingresso 2€

Due miti assoluti della musica italiana ed europea come Ares Tavolazzi e Roberto Gatto daranno vita ad un workshop con jam session finale: un’occasione unica e rara per poter suonare e condiviere il palco con due leggende della scena musicale.

Workshop – ingresso gratuito con prenotazione

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Jam session alle ore 18:00 – ingresso € 5

Francesco Cangi & The Lonely Rockets è il primo progetto da leader del trombonista e polistrumentista fiorentino Francesco Cangi, alla guida di un power trio composto da Antonio Amabile alle tastiere e synth e Daniele Cianferoni alla batteria.
L’album d’esordio “What if the Universe..?” in uscita nel 2024 racchiude brani interamente composti, ideati e suonati da Francesco Cangi: un progetto che nasce dall’esigenza di raccontare la propria identità musicale in un contesto pieno di influenze, nella fusione tra alta formazione jazzistica e radicato background pop rock, alla ricerca di una sonorità particolare, caratteristica ed orecchiabile. Con la partecipazione di grandi ospiti come Riccardo Onori, Dario Cecchini e Sabina Sciubba e con la collaborazione artistica del fratello Samuele Cangi “What if the Universe..?”, raccoglie brani che spaziano dal new jazz strumentale al funk elettronico, contaminati dall’uso massiccio di sintetizzatori, melodie imponenti, robuste brass section, e tanto groove: sempre e tutto rigorosamente al servizio della musica.

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BIGLIETTI
Intero prevendita 8 €
Intero botteghino 10 €
Ridotto botteghino soci Arci, Under 25 8 €

More Morricone nasce da una proposta del produttore discografico Pierre Darmon dell’etichetta francese Bonsaï Music, con la quale Giovanni Ceccarelli e Ferruccio Spinetti collaborano da molti anni. Questo lavoro discografico, registrato nell’autunno del 2019, rende omaggio all’arte del grande compositore Ennio Morricone – recentemente scomparso – focalizzando sulla sua opera musicale dedicata al cinema. Giovanni e Ferruccio hanno per l’occasione selezionato musiche molto conosciute al grande pubblico – come quelle composte per i film “Nuovo Cinema Paradiso”, “C’era Una Volta In America” e per la serie televisiva “La Piovra” – e brani tratti da opere cinematografiche meno note – tra le altre “La Tarantola Dal Ventre Nero”, “Metello” e “Gli Avvoltoi Hanno Fame”. L’attento lavoro di arrangiamento operato sulla musica di Morricone mira a presentare le sue composizioni nella loro forma più essenziale, attraverso esecuzioni in solo, duo – anche avvalendosi di sovra-incisioni – e con il prezioso contributo della cantante belga Chrystel Wautier o della vocalist Cristina Renzetti. More Morricone è stato pubblicato nel 2020, riscuotendo consensi entusiastici da parte della critica, dalla rivista Télérama, “Top Mezzo” da Mezzo TV, “Must TSF Jazz” dall’emissione radiofonica francese, “Sélection FNAC”. Ferruccio e Giovanni stanno presentando More Morricone attraverso numerosi concerti in Italia ed in Francia.

Ingresso € 12 / 10 rid. + d.p.

Sabina Sciubba è una cantante, attrice e polistrumentista italiana. Ha il suo primo grande successo con il suo gruppo di musica elettronica, le Brazilian Girls, con cui va  in tournée in tutto il mondo, registrando 4 album con Verve Records (Universal), ricevendo anche una nomination per un Grammy Award. Il gruppo si separa nel 2018. Dal 2016 al 2019 Sabina avvia la sua carriera da attrice, recitando nella serie tv americana “Baskets”, al fianco di Zack Galifianakis. Sabina ha registrato 3 album da solista, incluso il più recente, Sleeping Dragon, pubblicato nel 2023, con protagonisti nomi di rilievo  come Dhani Harrison, Albin de la Simone e Jason Lindner. La sua voce da contralto, che si estende su più di 3 ottave, l’originalità delle un composizioni poliglotte, la sua sofisticata strumentazione e i suoi spettacoli teatrali fanno di Sabina Sciubba una delle artiste più enigmatiche del momento. Capace di comporre e cantare in 6 lingue, grazie al suo timbro è stata soprannominata“La Dietrich dei nostri giorni” (Rebecca Ostriker, Boston Globe)

In apertura alle 18:30 inaugurazione della mostra di Elide Canestri dal titolo “Riflessi dell’anima” e di R N Z

Ingresso € 10 / 8 rid. + d.p.

Francesco Diodati, chitarrista e compositore, presenterà il lavoro Connecting Sounds, un concerto frutto del lavoro di giovani musicisti da lui diretti durante i giorni di Connetto. Il laboratorio si svolgerà tra il 23 e il 24 maggio e si occuperà di esplorare  i principali elementi della musica (ritmo, melodia, armonia, timbro) attraverso l’uso della voce e del corpo o di piccoli strumenti percussivi, oltre che degli strumenti dei singoli partecipanti. L’attenzione primaria sarà dedicata al rapporto fra improvvisazione e composizione attraverso l’approfondimento di tecniche di scrittura aperta.

Francesco Diodati, chitarrista e compositore, è ideatore e co-ideatore dei gruppi tellKujira, weave4, nimituare, Oliphantre, e MAT. Dal 2006 inizia un percorso fatto di collaborazioni prestigiose, fra cui i gruppi di Enrico Rava, Paolo Fresu, Julien Pontevianne e Javier Moreno Sanchez. Collabora stabilmente con la compagnia Puro Teatro in qualità di autore ed esecutore di musiche originali, approfondendo il rapporto tra musica e parola con l’attrice Angela Antonini. È docente ordinario di chitarra jazz presso il conservatorio A. Casella de L’Aquila, conduce i laboratori di ricerca presso il biennio di Siena Jazz University ed è fra i docenti della prestigiosa Summer School di Siena jazz 2024.

Il corso è articolato in 12 ore  (6 ore al giorno divise in 2 tranche da 3 ore ciascuna ogni giorno) più esibizione finale ed è aperto ad ogni musicista e ogni strumento. 

Per info e iscrizioni scrivere a connettomusic@gmail.com o chiamare il 3331899901 

Numero massimo partecipanti 12 

costo iscrizione 25€

Ingresso € 5

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