Pedrasamba street band:  Il gruppo di percussioni afro-brasiliane Pedrasamba nasce a Pietrasanta nel Dicembre 2010. Al momento il gruppo conta 25 elementi stabili divisi in varie sezioni di strumento secondo i principi della batucada brasiliana, un sottostile della samba dominato dalle percussioni e influenzato dalla musica e la cultura africana, eseguita da un gruppo, è considerata da alcuni come il compendio dell’insieme di percussioni ed è caratterizzata dal suo ritmo ripetitivo e rapido. Il repertorio dei Pedrasamba alterna pezzi funky con sambaraggae, musica originaria della città di Bahia che, come suggerisce il nome, deriva dalla fusione tra la samba con il reggae jamaicano, ma anche la ijexà o la samba-enredo. Pedrasamba è anche attiva sul territorio per diffondere la cultura e la musica afro-brasiliana.

The Fantomatik Orchestra nasce nel 1993 come gruppo funky, soul e rhythm’n’blues, con influenze etno, pop e dance. Nel 2001 il gruppo da palco diventa marching band, sullo stile delle street band americane. La formazione, composta da più di 14 musicisti, rinnova costantemente il proprio repertorio ricercando nuove sonorità e idee. Nel corso degli anni la Fantomatik Orchestra ha suonato per le strade e sui palchi di molte capitali, ha introdotto i concerti di grandi artisti, ha partecipato a trasmissioni, eventi teatrali e cinematografici sviluppando un’identità originale che la rende un ibrido tra la tradizionale e classica banda di paese e l’innovativa street band o marching band all’americana. La scelta del repertorio Funk, Rock, Etno, Prog, Jazz, Pop, la formazione strumentale, gli arrangiamenti, l’energia e la vitalità dei musicisti danno luogo ad uno spettacolo musicale che riesce a coinvolgere il pubblico non solo all’ascolto, ma anche alla danza e al movimento. La Fantomatik Orchestra porta la musica in casa, creando una relazione sociale capace di far condividere emozioni, sensazioni, stati d’animo. Alla guida del gruppo di musicisti, Stefano Scalzi, trombonista e arrangiatore di fama nazionale, con grande esperienza live e studio in ambito jazz, pop e funky.

Un ex bambino prodigio, addirittura protagonista di un documentario nel 1997,  “Jules at Eight” – la nascita in California, lo spostamento a New York- . Nominato all’Oscar come miglior documentario, in cui il giovane Lage, già fuoriclasse della chitarra, si confronta con  giganti del tempo quali Gary Burton, Jim Hall, David Grisman, Béla Fleck e Charles Lloyd. Ha pubblicato tre album, come band-leader, il più recente, del 2016, con il trio ‘Arclight’ La Jazzwise londinese descrive ‘Arclight’ come “…una tenue luce che risplende sui particolari, e finemente crea miniature musicali che dispiegano indicibili piaceri.” Da segnalare i suoi progetti duo con figure di rilievo come i chitarristi Nels Cline e Chris Eldridge o il pianista Fred Hersch. In continua collaborazione con artisti del calibro di John Zorn e Nels Cline, Lage è un musicista davvero unico della scena musica contemporanea ed è un vero piacere vederlo all’opera con qualsiasi sua produzione.

10 gennaio | ore 21:30
Biblioteca Le Fornaci
LA TRASFORMAZIONE DEL JAZZ/ROCK
a cura di Daniele Malvisi

16 gennaio | ore 21:30
Biblioteca Le Fornaci
CHARLIE HADEN
VOGLIO PORTARE VIA LA GENTE DALLA BRUTTEZZA E DALLA TRISTEZZA CHE CI CIRCONDA ATTRAVERSO LA BELLA, PROFONDA MUSICA
a cura di Gianmarco Scaglia

24 gennaio | ore 21:30
Biblioteca Le Fornaci
JAZZ IN BIANCO E NERO. LE TRAPPOLE DEL RAZZISMO IN MUSICA
a cura di Stefano Zenni

31 gennaio | ore 21:30
Biblioteca Le Fornaci
JAZZ PROG………DRUMS, DRUMMERS AND DRUMMING ACROSS THE SIXTIES AND SEVENTIES
a cura di Paolo Corsi

Gianni Maroccolo / N.E.A.P.

Insieme ad Andrea Chimenti, Antonio Aiazzi, Simone Filippi e Beppe Brotto, Gianni riproporrà alcuni dei brani eseguiti durante la tournee “Nulla E’ Andato Perso” e pubblicati da Contempo sul triplo Lp / doppio Cd dal titolo omonimo, eletto disco dell’anno dalla rivista Classic Rock. Con Gianni saranno sul palco anche ospiti a sorpresa che vengono a festeggiare i 40 anni della label fiorentina.

Andrea Chimenti

Durante la serata Andrea eseguirà in versione acustica accompagnato dal figlio Francesco alcuni brani dal suo vasto repertorio.

Omar Pedrini

Cantautore, chitarrista, ex leader dei Timoria. Nel 2017 pubblica l’album “Come se non ci fosse un domani”, con le collaborazioni di: Noel Gallagher (ex Oasis), Ian Anderson (dei Jethro Tull) e il poeta Lawrence Ferlinghetti.

Clock DVA

Sul palco anche Clock DVA, uno dei gruppi di punta dell’etichetta negli anni ’90.

Garbo

Il nostro amico Renato non poteva mancare a questa mega festa. Un succoso antipasto della tournee in cui riproporrà brani dai suoi classici album “A Berlino Va Bene” e “Scortati”, recentemente ristampati da Universal in Lp e Cd.

Antonio Aiazzi

Antonio proporrà alcuni brani dal suo recente esordio solista “Linea Gialla”, pubblicato da Contempo in Lp e Cd.

Miro Sassolini

Miro presenterà dal vivo alcuni brani dal suo nuovo Lp “Del Mare La Distanza”, album realizzato con la partecipazione di Cristiano Santini, Gianni Maroccolo e Justin Bennet, pubblicato da Contempo.

Jet Set Roger

Jet Set Roger presenta i brani che saranno pubblicati da Contempo su 7” cantati da Andrea Chimenti e Omar Pedrini. Un double A side imperdibile.

Paolo Favati

musicista fiorentino, ex Pankow, si esibirà insieme a sua figlia con un brano da lui composto.

Sycamore Age

Aprono la serata i Sycamore Age, gruppo di Arezzo che annovera tra le sue fila Francesco Chimenti.

Alla serata, presentata da Bruno Casini e Giacomo Aloigi, saranno presenti ospiti a sorpresa che

Ben Wendel è una delle stelle dell’attuale panorama sassofonistico e si distingue per la genialità e la grande originalità delle sue linee melodiche. E’ considerato uno dei compositori più interessanti in assoluto al momento, nonché uno dei più sbalorditivi virtuosi del proprio strumento.

Alessandro Lanzoni, pianista fiorentino venticinquenne, è una delle più importanti rivelazioni del jazz italiano, se si considera che già da una decina di anni è all’attenzione di critica e pubblico per la profondità con cui esprime la sua poetica basata su una enciclopedica cultura musicale.

I due sono affiancati da una delle migliori sessioni  ritmiche americane in circolazione quali il giovane ma già affermatissimo Joe Sanders che può vantare collaborazioni del calibro di Charles Lloyd, Gerald Clayton, Roy Hargrove; e Greg Hutchinson, colonna della batteria jazz moderna e collaboratore di Ray Brown, Hoe Henderson, Peter Bernstein, Joshua Redman e Kurt Rosenwinkel, solo per citarne alcuni.

Omar coltiva sempre un’intima connessione con le sue radici afro-cubane. “L’Africa e la Diaspora rappresentano una fonte musicale senza uguali” dice l’artista. “Ho provato a raccontare il profilo melodico del continente, e la sua grande forza ritmica. Il ritmo mette in collegamento ogni persona con lo Spirito supremo; e ogni terra ha il suo modo di chiamare lo Spirito, di unire le persone. Filosoficamente, attraverso il jazz che è forse il genere più rappresentativo della Diaspora, abbiamo cercato di mettere insieme i Caraibi, l’America Latina e l’Africa in un espressione di libertà, una celebrazione della Diaspora che sopravvive ancora oggi.

Nato a Sarajevo da madre serba e padre croato, Goran Bregović crea i suoi primi gruppi rock a sedici anni. “il rock aveva all’epoca un ruolo fondamentale nella nostra vita. Era l’unica possibilità per poter esprimere pubblicamente il nostro malcontento senza rischiare di finire in galera, o quasi”. Per far piacere ai suoi genitori, Goran si impegna a proseguire i suoi studi di filosofia e sociologia che lo avrebbero portato ad insegnare, se l’enorme successo del suo primo disco non avesse deciso altrimenti.
Seguono quindici anni con il suo gruppo White Button e tredici album venduti in 6 milioni di copie. Tour interminabili in cui Goran diventerà l’idolo della gioventù jugoslava. Alla fine degli anni 80, Bregovic si libera del suo ruolo sfibrante di “star” e si isola in un “ritiro dorato” in una piccola casa sulla costa adriatica, un vecchio sogno d’infanzia.
Qui compone le musiche del terzo film di Emir Kusturica “Il Tempo dei Gitani”. Ma ben presto i primi disordini scoppiano in Yugoslavia e i due amici sono costretti ad abbandonare tutto e trasferirsi a Parigi. Alla sua origine già mista, Goran ha aggiunto una moglie mussulmana, e i tempi non sono propizi per questa allegra e stimolante mescolanza. Pochi musicisti sono riusciti a sviluppare un’arte così varia, che combina insieme una così grande varietà di stili e tecniche senza perdere la propria identità. Un pezzo di Bregović può essere riconosciuto al primissimo ascolto e sembra sempre diretto al mondo intero, senza distinzione di razza, sesso, età e religione.

Baba Sissoko, africano del Mali, è discendente da una grande famiglia di Griot, figure erranti che detengono e tramandano il sapere, la tradizione, la tradizione, la storia e la cultura locale. Inizia la sua carriera suonando il Tamani (tamburo parlante). Nel suo stile estremamente particolare unisce melodie e ritmi propri della tradizione africana con sonorità delle musiche nere occidentali come il jazz e il blues, reinterpretandole in una chiave decisamente particolare.
Sissoko divide questo progetto con il pianista e fisarmonicista Antonello Salis, in un incontro nel quale ognuno di loro cerca di riallacciare i legami con le radici della musica afroamericana, riattivando una serie di cortocircuiti storico musicali. La presenza di Salis non è assolutamente eccentrica, dal momento che il pianista sardo ­è per molti versi il più “fisico” ed africano dei jazzisti italiani e sa muoversi con eccezionale creatività sui sentieri delle improvvisazioni più ardite.

Francesco Cusa, batterista, compositore, scrittore, ha avuto modo di collaborare con artisti provenienti da varie parti d’Italia, come Fabrizio Puglisi, Domenico Caliri e Paolo Fresu. Ha fondato il collettivo bolognese Bassesfere, assieme ad altri esponenti della musica jazz e di ricerca di quegli anni. Ha fondato assieme a Paolo Sorge il progetto artistico Improvvisatore Involontario, che diventerà una delle label più influenti nel panorama italiano del jazz di ricerca. Da sempre interessato all’interdisciplinarità artistica, è anche scrittore di racconti e ha pubblicato diversi articoli di musicologia e di critica cinematografica presso molte riviste specializzate. Ne corso della sua carriera ha realizzato numerosi lavori di creazione e sonorizzazione di musiche per film, teatrali, letterari, di danza e arti visive, collaborando con noti ballerini, poeti e visual performers. Attualmente è leader Dell’fct TRIO con Simone Graziano e Gabriele Evangelista, del Francesco Cusa & The Assassins, dell’ensemble: “The Naked Musicians” e del progetto di sonorizzazione di film d’epoca “Solomovie”.

Oggi risulta molto chiaro come la visione aperta e senza confini di Frank Zappa, il suo esplorare ambiti diversi, dal rock alla musica sperimentale, dal jazz al teatro, siano condivisi da molti, e facciano parte della sensibilità attuale. La bellezza dei temi, le soluzioni innovative, il suo essere ribelle ma anche molto costruttivo e l’ironia dei testi nei confronti dei luoghi comuni della società, ne hanno fatto una figura unica ed irripetibile, che ha formato varie generazioni di musicisti ed appassionati. E’ quindi una necessità ineludibile suonare la musica di Zappa, viverla, abitarla e consumarla a modo proprio per poter sviluppare l’ispirazione continua che essa fornisce. Le tracce che Frank ci ha lasciato sono numerose e suscettibili di ulteriori sviluppi; arrangiare la sua musica per orchestra è come scavare e cercare sempre nuovi spunti, in un processo che sembra non avere fine. Un corpus vastissimo di opere, che va in diverse direzioni, molto complesso da affrontare. Fanno da ispirazione le  composizioni che abbracciano vari periodi, a cavallo tra gli anni ’70-‘90. Questo nuovo progetto su Frank Zappa è un ulteriore passo verso una sempre più profonda simbiosi con la musica del Maestro; un traguardo raggiunto nel corso degli anni, che dimostra la dedizione ad un percorso originale ed innovativo, nella continua ricerca di materiali inediti attraverso i quali dare spazio ad originalità e profondità.

In breve tempo il gruppo si è fatto conoscere ed apprezzare in tutta Europa, tenendo concerti in oltre 25 paesi, durante i quali ha riproposto il patrimonio musicale gitano, klezmer, bosniaco, serbo, albanese, rumeno, russo e ottomano. Brani che parlano d’amore e libertà, canzoni contro la guerra, canti rivoluzionari, un repertorio ricchissimo che scavalca le frontiere, geografiche e politiche, per abbracciare l’umano, nella sua ricca e meravigliosa complessità. Più ci si immerge in questo paesaggio sonoro variopinto e più si scopre quanto questo gruppo sia la rappresentazione in piccola scala di quello che dovrebbe essere l’Europa, “l’antica penisola del tramonto”, per dirla con Vàclav Havel, che invece di farsi unita si sta scomponendo, lacerata da frontiere e filo spinato. La loro musica protegge le diversità, si incarna in esse, le fa fiorire, per restituirle a noi in forma di canto.

L’ultimo album della band spagnola, Od Ebra do Dunava (2016), ci apre le porte ad un Oriente escluso ormai dalla nostra geografia mentale e sostituito con l’est, “freddo monosillabo astronomico”.

Questi artisti visionari non solo ci regalano l’emozione di un viaggio sonoro come non se ne fanno più, ma insegnano anche ad aprirci al dialogo e riscoprire che “tutto quello che è umano non ci può essere estraneo”, parafrasando Terenzio.

La musica dei BGKO diventa così un ponte tra le civiltà, un passaggio sull’insidioso mare della paura che lambisce questo nostro tempo ed è capace di erodere radici, storia, identità, per lasciarci soli e senza memoria.

Nata a Barcellona come evoluzione della Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra, la band è composta da sette musicisti di sei paesi diversi: la voce è dell’incantevole Sandra Sangiao, viene dalla catalogna; il fisarmonicista Mattia Schirosa arriva dall’Italia; Stelios Togias, il percussionista, viene dalla Grecia; Julien Chanal, il chitarrista, é francese; Ivan Kovacevic, il contrabbassista, arriva dalla Serbia; Dani Carbonell al clarinetto, è spagnolo e Oleksandr Sora violinista dall’Ucraina.

Nel mondo dei club, delle metropoli americane, della droga nascevano e morivano i sogni di individui che cercavano sé stessi dentro un assolo, con la forza rabbiosa di chi non ha nulla da perdere. In quel mondo ha camminato Dean Benedetti, partito dallo Utah per cercare fortuna con il suo sax. Passando per il Nevada e poi approdando a Los Angeles, ha vissuto ai margini e registrato in presa diretta la nascita del bebop con Charlie Parker. È l’incontro della vita, è ossessione pura quella per Bird. Finché, per sottrarsi alla giustizia americana, il “negro bianco” è costretto ad attraversare l’enorme mare in senso contrario. Non un viaggio verso il futuro o la speranza, ma dentro l’immobilità e l’amarezza. Meta finale: Torre del Lago, il paesino di suo padre e di Giacomo Puccini, tra gli amici al bar, le partite a dama e gli aspiranti musicisti che sognano l’America sulle note di 78 giri solcati come canyon. Nei due diversi continenti, le vite di Parker e Benedetti si bruciano alla stessa velocità. A trentaquattro anni.

Lo spettacolo tratto dal romanzo è acuto, beffardo e malinconico e racconta di un piccolo grande uomo del jazz, con musiche sincopate e ritmiche che sono colonna sonora di una vicenda umana universale.
Insieme ad Alessandro Agostinelli suonano improvvisando e ripercorrendo brani della storia del be-bop, il pianista Andrea Pellegrini e il contrabbassista Nino Pellegrini.

Reijseger ha composto per il regista di “Fitzcarraldo” le colonne sonore di numerosi film. Da oltre 30 anni, Ernst Reijseger continua a suonare con moltissimi celebri musicisti e in diverse ed eccitanti combinazioni, ma riesce anche a trovare il tempo per insegnare il violoncello ai bambini ed esibirsi in concerti da solista. In occasione del suo 60° compleanno Ernst Reijseger ha registrato Crystal Palace: un album e un concerto nel quale la sua voce e il suo violoncello si uniscono all’ispirazione nata dall’incontro artistico con il pittore Jerry Zeinuk, in occasione di una sua mostra alla galleria Glaspalast di Ausburg in Germania; in questo contesto Ernst Reijseger ha composto ispirandosi al grande quadro che Zeniuk dipingeva per l’occasione, mentre il pittore ha dipinto le sue immagini, le forme e colori sotto l’influenza della musica di Reijseger.

Olandese, classe 1954, ha cominciato a suonare il violoncello quando aveva appena otto anni. Studia al conservatorio di Amsterdam finché nel 1974 uno dei suoi maestri, il famoso violoncellista Anner Bijlsma, gli consiglia di interrompere gli studi, spingendolo così a seguire la propria strada. Una strada che in realtà Ernst Reijseger aveva già imboccato; fin dai primi anni Settanta lo troviamo infatti impegnato con la musica improvvisata. Unisce ad una grande maestria un uso non convenzionale dello strumento, aggiunge una dose di humour e teatralità alla sua musica: queste sono  le caratteristiche che si colgono al meglio nelle esibizioni solistiche di Reijseger. Tuttavia, il suo rapporto aperto con la musica, con tutta la musica, gli permette di calarsi perfettamente nei contesti più differenti pur mantenendo sempre riconoscibile la propria cifra stilistica.

Un concerto di rara e raffinata bellezza, che si preannuncia indimenticabile. Dave Douglas, trombettista, compositore e docente, si è meritato nell’arco della carriera numerosi e prestigiosi riconoscimenti: una Guggenheim Fellowship, un premio Aaron Copland e due nomination ai Grammy. Douglas ha sviluppato il suo lavoro in varie formazioni di cui è leader: il suo sestetto elettrico e il quintetto Sound Prints, di cui è contitolare con Joe Lovano. Negli ultimi anni ha ampliato la sua già notevole attività come compositore, aggiungendovi anche quella di organizzatore culturale.Uri Caine inizia giovanissimo con Philly Joe Jones, Grover Washinton, Hank Mobley e più tardi, negli anni delluniversità, con Freddie Hubbard, Joe Henderson, Lester Bowie. La svolta è il trasferimento dalla natale Philadelphia a New York. Con il terzo cd, dedicato a Mahler, inaugura la felice stagione di lettura in chiave jazz di alcuni compositori classici. La commistione jazz/classica ha in Caine un approccio particolarmente originale: suo scopo non è la reinterpretazione ma una vera e propria riscrittura di grandi compositori del passato quali Bach, Wagner, Beethoven o Schumann. Con le Variazioni Goldberg di Bach il pianista americano firma il suo indiscusso e più popolare capolavoro. La continua ricerca di Caine è l’occasione per il jazz di trovare nuovi sbocchi comunicativi, in sintonia con la musica contemporanea.

Dave Douglas, trombettista, compositore e docente, si è meritato nell’arco della carriera numerosi e prestigiosi riconoscimenti: una Guggenheim Fellowship, un premio “Aaron Copland” e due nomination ai Grammy. Douglas ha sviluppato il suo lavoro in varie formazioni di cui è leader: il suo sestetto elettrico e il quintetto Sound Prints, di cui è contitolare con Joe Lovano. Negli ultimi anni ha ampliato la sua già notevole attività come compositore, aggiungendovi anche quella di organizzatore culturale.

Uri Caine, Inizia giovanissimo con Philly Joe Jones, Grover Washinton, Hank Mobley e più tardi, negli anni dell’università, con Freddie Hubbard, Joe Henderson, Lester Bowie. La svolta è il trasferimento dalla natale Philadelphia a New York. Con il terzo cd, dedicato a Mahler, inaugura la felice stagione di lettura in chiave jazz di alcuni compositori classici. La commistione jazz/classica ha in Caine un approccio particolarmente originale: suo scopo non è la reinterpretazione ma una vera e propria riscrittura di grandi compositori del passato quali Bach, Wagner, Beethoven o Schumann. Con le Variazioni Goldberg di Bach il pianista americano firma il suo indiscusso e più popolare capolavoro. La continua ricerca di Caine è l’occasione per il jazz di trovare nuovi sbocchi comunicativi, in sintonia con la musica d’oggi.

Peppe Servillo è il fondatore, cantante e autore dei testi della Piccola Orchestra Avion Travel. Da oltre vent’anni la storia di Servillo coincide in gran parte con quella del suo gruppo che, dal 1980, pubblica numerosi album e conquista molti riconoscimenti, tra i quali spicca il primo posto all’edizione 2000 del Festival di Sanremo. Nel 2001 esce il cd Cirano, prodotto da Arto Lindsay, produttore anche di David Byrne, Ryuchi Sakamoto e Caetano Veloso. Nel 2002 Beppe Servillo ha partecipato in veste di attore al film La felicità non costa niente di Mimmo Calopresti e al film Tipota scritto e diretto da Fabrizio Bentivoglio. Con quest’ultimo ha collaborato anche alla stesura dei testi. Ancora nel 2002 Peppe Servillo ha vinto, insieme al fratello Toni il premio speciale Massimo Troisi.

Javier Edgardo Girotto comincia a studiare il sax all’età di dieci anni. Dopo il diploma in Professional Music cum magna laude al Berklee College of Music, a venticinque anni si trasferisce in Italia. Proprio qui che ha inizio la sua vera attività professionale: suona in gruppi di musica commerciale e latina, dando vita parallelamente a varie formazioni jazz, intraprendendo inoltre l’attività di compositore e arrangiatore. Fonda e guida gli Aires Tango con cui incide sette cd. Parallelamente collabora con Roberto Gatto, Rita Marcotulli, Enrico Rava, Paolo Fresu, Antonello Salis, Gianluigi Trovesi, Gianni Coscia e tanti altri.

Natalio Luis Mangalavite da vent’anni vive in Europa, dove lavora nell’ambito della musica pop e jazz come arrangiatore, compositore, pianista, percussionista e vocalist. Numerose le sue collaborazioni: Ornella Vanoni, Tosca, Fabio Concato, Luca Barbarossa, Marco Siniscalco, Paolo Fresu, Antonello Salis e tanti altri. Tra i molti sodalizi artistici, quello con Michele Ascolese ha dato vita al duo Luis y Miguel e a un disco che rielabora le sonorità del tango argentino del ‘900.

Sotto l’impulso dell’Associazione Valdarno Jazz il Collettivo Valdarno Musiche nasce come progetto originale dell’Associazione Valdarno Culture (Associazione Macma/Valdarno Jazz E Le Facezie Musicali).
Il collettivo è composto da 17 musicisti che hanno alle spalle esperienze molto diverse, sia per genere che per stile, ed anche il livello di preparazione individuale risulta poco uniforme, ciò nonostante si è cercato di mettere in risalto le qualità del singolo in funzione di un fine comune: “la creazione di un repertorio interamente originale”. Anche dal punto di vista anagrafico l’esperienza del VMC ha dato vita ad una realtà di dialogo alquanto ricca e interessante, basti pensare che il range dei musicisti che ne fanno parte va dai 12 ai 70 anni. La musica che scaturisce da questo organico è una musica senza barriere, un crogiuolo di generi che vanno dal rock al minimal, dal tango al jazz fino a sconfinare nella canzone d’autore e nel rap. Quest’idea di libertà creativa totale è divenuta con il tempo l’elemento centrale intorno al quale il collettivo si sta muovendo.

Sia in quartetto che in quintetto il suo inconfondibile sound è una delle migliori espressioni attuali del world jazz.  Le sue composizioni si ispirano anche alla musica  tradizionale africana, sempre contaminate dal tradizionale drumming del continente dal quale proviene. Con alla base una forte radice armonica e una sezione ritmica composta da basso elettrico, chitarra e piano acustico, la sua improvvisazione si muove agilmente tra il jazz e i suoni urbani africani.

“Mazuze è un musicista energetico e avvincente, suona la musica della sua terra con dei riferimenti puramente jazz…e chi lo accompagna non è da meno”

Jan Granlie, Salt Peanuts – Denmark

“Mazuze ha un suo particolare riff melodico che è semplicemente irresistibile, l’espressione sofisticata della ‘joie de vivre musicale’”

Jacob Bækgaard, All About Jazz

Il suo repertorio artistico non ha mai smesso di evolversi andando a toccare le sonorità afro-cubane, le ballate tradizionali cubane e messicane, i boleri e delle opere classiche cubane. Ha da sempre sfidato le tradizionali classificazioni musicali per trasformare con la sua musica la routine quotidiana in bellezza. Downbeat ha scritto che Rubalcaba ha la capacità di rendere quello che è molto complicato, semplice.

La sua carriera solista inizia negli anni ’90 e negli ultimi vent’anni Maceo Paker ha costruito un nuovo impero funk allo stesso tempo fresco e stilisticamente diverso, passando abilmente fra il soul anni ’60 di James Brown e il funk di George Clinton degli anni ’70, esplorando allo stesso tempo il jazz e l’hip-hop.
Dal 1999 Maceo ha partecipato ad alcuni rivoluzionari tour di Prince e ha continuato a collaborare con lui come special guest. I suoi album da sideman hanno riscosso tutti grande successo. Dal 2007 è riuscito a realizzare il sogno di suonare con una Big Band collaborando con WDR Big Band di Colonia con la quale ha realizzato una serie di show tributo di Ray Charles.
Le sue collaborazioni includono i nomi di Ray Charles, Ani Difranco, James Taylor, Red Hot Chili Peppers. Un musicista da quasi cinquanta anni, sassofonista ispiratore e infaticabile, ha impresso un marchio indelebile nella storia del soul, del funk e del jazz.

In “Io, John Coltrane. Quartetto per cinque elementi”, il Living Coltrane Quartet e l’attrice Daniela Morozzi sperimentano una commistione tra parole e note, un concerto accompagnato da scrittura drammaturgica, una “partitura musicale narrativa”. La forza e l’inventiva artistica, il suono allo stesso tempo prepotente e dolcissimo, profondo e luminoso del sassofonista che più di ogni altro ha influenzato il panorama musicale del secondo novecento, si integrano senza soluzione di continuità ad una narrazione che interpreta il vissuto umano e d’artista di Coltrane, con i suoi abissi e le sue sommità, e ne propone un’immagine non oleografica, un’immagine concreta ma non per questo meno poetica e visionaria. Anche in questo caso, si scrive per Coltrane e non soltanto su Coltrane. Ad accompagnare in questo viaggio il Living Coltrane Quartet, formazione caratterizzata da un suono di scultorea rotondità e autenticamente personale, oltreché da un interplay di grande spessore, è la voce di Daniela Morozzi, attrice già da tempo impegnata in progetti di fusione della parola con la musica e che ha già alle spalle una solida e felice collaborazione con Stefano ‘Cocco’ Cantini. Il testo porta la firma di Valerio Nardoni, scrittore e traduttore, e di Leonardo Ciardi, autore, ed è impreziosito da un contributo del poeta Fabrizio Dall’Aglio.  Gli autori, insieme a Daniela Morozzi, portano sul palco una voce che si amalgama a quelle strumentali, si fonde con loro, si propone, appunto, come il quinto elemento, che esprime gli stessi contenuti degli strumenti e lo fa con la forza della parola.“Io, John Coltrane. Quartetto per cinque elementi”: la voce di John Coltrane non potrebbe essere più viva!

Ogni tassello della carriera artistica di Camille, a prima vista così diverso dal precedente, si è incastrato perfettamente nel puzzle del suo debutto: con una buona dose di follia, l’artista si è filmata durante la sua interpretazione vocale della cascata di note di Coltrane in Giant Steps, attirando quasi subito su di sé la curiosità degli appassionati di jazz su Youtube. Poco dopo, nel 2016, esce il suo primo album, En vie. François Zalacain, a capo dell’etichetta americana Sunnyside, la introduce a Michael Leonhart e Dan Tepfer. Michael, trombettista e polistrumentista avrebbe prodotto il suo nuovo album, mentre Dan l’avrebbe accompagnata al piano. Possiamo quindi affermare che Pas de géant è un album su Camille Bertault, una sorta di alfabeto delle sue acrobazie canore, della sua sensibilità musicale e della sua sfrenata libertà creativa.

Sun Ra ha chiamato la sua band Arkestra, ensemble che è risultato andare ben oltre i limiti di una band. L’Arkestra è stato il grande Gesamtkunstwerk di Sun Ra, un lavoro a 360 gradi che ha reso possibile far attraversare i confini dell’arte e della vita a Sun Ra e ai suoi musicisti. Era la piccola utopia di Sun Ra. Il nome stesso Arkestra era un’allusione all’Arca dell’Alleanza. “A covenant of Arkestra”, ha affermato Sun Ra, “è come un servizio prescelto di Dio. Selezionando qualche persona. Arkestra ha ‘ra’ all’inizio e alla fine. Ra può essere scritto sia ‘Ar’ sia ‘Ra’ e su entrambe le estremità della parola diventa un’equazione: la prima e l’ultima sono uguali…. Nel mezzo c’è ‘kest’, che è uguale a ‘kist’, come in ‘Sunkist’… ho letto che in sanscrito ‘kist’ significa ‘luce del sole’. Per questo ho chiamato la mia orchestra ‘Arkestra’”.

Marshall Belford Allen ha assunto la carica di Arkestra Music Director nel 1995, a seguito della scomparsa di Sun Ra nel 1993 e di John Gilmore nel 1995. Marshall continua ad essere impegnato in studio, nella ricerca e nello sviluppo dei precetti musicali di Sun Ra, lanciando la Sun Ra Arkestra in una dimensione oltre quella della semplice band “fantasma”, scrivendo composizioni musicali di Sun Ra, oltre a comporre nuove musiche e arrangiamenti. Lavora senza sosta per mantenere viva la tradizione della grande band.

 In “Io, John Coltrane. Quartetto per cinque elementi”, il Living Coltrane Quartet e l’attrice Daniela Morozzi sperimentano una commistione tra parole e note, un concerto accompagnato da scrittura drammaturgica, una “partitura musicale narrativa”. La forza e l’inventiva artistica, il suono allo stesso tempo prepotente e dolcissimo, profondo e luminoso del sassofonista che più di ogni altro ha influenzato il panorama musicale del secondo novecento, si integrano senza soluzione di continuità ad una narrazione che interpreta il vissuto umano e d’artista di Coltrane, con i suoi abissi e le sue sommità, e ne propone un’immagine non oleografica, un’immagine concreta ma non per questo meno poetica e visionaria. Anche in questo caso, si scrive perColtrane e non soltanto su Coltrane. Ad accompagnare in questo viaggio il Living Coltrane Quartet, formazione caratterizzata da un suono di scultorea rotondità e autenticamente personale, oltreché da un interplay di grande spessore, è la voce di Daniela Morozzi, attrice già da tempo impegnata in progetti di fusione della parola con la musica e che ha già alle spalle una solida e felice collaborazione con Stefano ‘Cocco’ Cantini. Il testo porta la firma di Valerio Nardoni, scrittore e traduttore, e di Leonardo Ciardi, autore, ed è impreziosito da un contributo del poeta Fabrizio Dall’Aglio.  Gli autori, insieme a Daniela Morozzi, portano sul palco una voce che si amalgama a quelle strumentali, si fonde con loro, si propone, appunto, come il quinto elemento, che esprime gli stessi contenuti degli strumenti e lo fa con la forza della parola.“Io, John Coltrane. Quartetto per cinque elementi”: la voce di John Coltrane non potrebbe essere più viva!

Nato a Providence, Rhode Island, nel 1954, Scott Hamilton Iniziò la sua carriera in anni musicalmente abbastanza selvaggi, con uno stile che era allora al di fuori dalle aspettative del pubblico ma che poi diventò largamente comune tra tutti i nuovi interpreti. Il suo bellissimo sound e il suo impeccabile fraseggio erano rari tra i giovani talenti. Quando firmò un contratto e cominciò ad incidere album per la Concord Records, fu oggetto di autentica sorpresa ed eccitazione tra i devoti di questo stile e nell’intero panorama musicale. Il suo primo lavoro per la Concord “Scott Hamilton is a Good Wind Who Is Blowing Us No ill” risale al 1977 e prende il suo titolo da una lusinghiera recensione di Leonard Feather. Non si tratta che il primo di una memorabile serie di circa trenta album.

A Lucca, Chet, era ospite fisso all’Hotel Universo, camera n. 15 dove, seduto sul davanzale della finestra, spesso suonava la tromba, e in Versilia i suoi fan lo seguivano alla Bussola di Focette e al vicino Bussolotto, l’afterhours dove tiravano tardi al suono di fantastiche jam session. Ma impresso nella memoria collettiva di tutti i lucchesi, è senz’altro il periodo della sua detenzione nel carcere di San Giorgio dove scontò ben sedici mesi di reclusione. Nemmeno qui, tuttavia, cessò la passione di Baker per la musica e per il suo strumento, la tromba: quotidianamente una piccola folla riunita sulle mura di fronte al carcere, poteva emozionarsi sulle note del grande Chet che si liberavano dalle finestre della prigione. Questo libro ripercorre la lunga e complessa vicenda.

All’origine di Bossarenova Trio  c’è il progetto musicale Bossarenova in collaborazione con la SWR Big Band di Stoccarda. Avviato con successo nel 2009, ebbe problemi legati ai visti in occasione di una progettata tournée negli USA: fu così che l’organico orchestrale fu ridotto a dimensioni cameristiche, dando origine all’attuale trio. Brasile ed Europa si trovano affiancate: il trio ha infatti aggiunto una selezione di Lieder della tradizione classica alle canzoni di origine carioca che inizialmente formavano l’intera scaletta musicale. Un concerto di fascino ed atmosfere uniche.

••• PROGRAMMA •••
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•• POMERIGGIO

• h.17:30 – Chiesa di Sant’Andrea Forisportam
MASSIMO FALASCONE SEVEN “Méliès”

Massimo Falascone: sassofoni, crackle box, oggetti, elettronica
Giancarlo Nino Locatelli: clarinetti, campane, oggetti
Alessandra Novaga: chitarre, oggetti
Alberto Tacchini: piano, synt, elettronica
Silvia Bolognesi: contrabbasso
Cristiano Calcagnile: batteria, percussioni
Filippo Monico: percussioni, strani oggetti, bolle di sapone

• h. 19:30 – Sottobosco LibriCafè
PLAY ELLINGTON! Feat. Rossano Emili

Rossano Emili: sax baritono
Emanuele Parrini: violino
Silvia Bolognesi: contrabbasso
Andrea Melani: batteria

__________________________________________________________

•• SERA

• h.21:30 – Chiesa di Sant’Andrea Forisportam
QUARTETTO FONTEROSSA #4 Special Edition

Emanuele Parrini: violino
Giancarlo Schiaffini: trombone
Silvia Bolognesi: contrabbasso
Tiziano Tononi: batteria

• h.22:30 – Chiesa di Sant’Andrea Forisportam
TELL NO LIES

Edoardo Marraffa: sax sopranino
Gabriele di Giulio: sax tenore
Nicola Guazzaloca: piano, composizioni
Luca Bernard: contrabbasso
Andrea Grillini: batteria

• h.23:00 – Teatro Sant’Andrea (Via del Cuore 1, Pisa)
FONTEROSSA OPEN ORCHESTRA

DIRETTORI:
Giancarlo Schiaffini, Tiziano Tononi, Massimo Falascone, Silvia Bolognesi

ASSISTENTI: Tobia Bobby Bondesan, Mauro Rolfini

MUSICISTI: Alessandro Albani: chitarra, Agnese Amico: violino, Francesco Arrighi: piano, Sigi Beare: sax alto, Sergio Bolognesi: batteria, Daniela Caroli: chitarra, Rita Cottardo: violino, Alessandro Deiana: sax tenore, Paolo Durante: trombone Giorgio Gatto: sax tenore, Alessio Landi: sax tenore, Chiara Lazzerini: trombone, Aurora Loffredo: voce Elena Maestrini: sax soprano, Yindi O’Connell: voce, Susanna Ossola: voce, Linda Palazzolo: voce, Francesco Salmaso: sax baritono, Attilio Sepe: sax alto, Eugenio Stella: chitarra, Mariangela Tandoi: tastiere, Gianni Valenti: sax tenore, Francesco Zaccanti: contrabbasso, Tobia Bondesan: sax soprano, Mauro Rolfini: sax sopranino

Ingresso libero ai concerti pomeridiani
Ingresso ai concerti serali € 12 intero, € 10 ridotto
Prevendite presso punti vendita Circuito Boxoffice Toscana e su Boxol.it

Nato nel 1998, il trio di Juan Quintero, Andrès Beeuwsaert e Mariano Cantero, ha ricevuto il consenso del pubblico argentino fin dal suo esordio. Cinque album venduti in migliaia di copie e innumerevoli tour alle spalle, Aca Seca Trio ha ricevuto il premio Knoex nel 2005, dedicato ai cento personaggi più importanti della musica popolare argentina, e il prestigioso Platinum Knoex Award come migliore gruppo della tradizione. Negli ultimi anni il loro successo si è diffuso fino a portare i tre musicisti argentini sui palchi di Cina, USA, Venezuela, Brasile, Cile, Uruguay,Ecuador, Italia, Spagna e Francia.

Da ottobre del 2017 Senese è in tour nei migliori club e teatri italiani per registrare un doppio album dal vivo che conterrà i suoi grandi successi e che uscirà nel 2018 per festeggiare i 50 anni di carriera. La formazione attuale dei Napoli Centrale vede James Senese alla voce e sax, Ernesto Vitolo alle tastiere, Gigi De Rienzo al basso e Agostino Mandragolo alla batteria. Questa è anche la band che ha registrato “nero a metà” di Pino Daniele, forse il disco più famoso dello scomparso artista napoletano.

James da sempre innamorato di John Coltrane e Miles Davis, dopo l’esperienza con gli Showmen che lo ha consacrato musicalmente, sente l’esigenza di creare qualcosa di nuovo, di sperimentare. E’ il periodo della svolta funky di Davis e della nascita dei Weather Report, band che amerà particolarmente. Nel 1975 insieme all’amico Franco Del Prete fonda i NAPOLI CENTRALE (Il nome, che gli viene suggerito da Raffaele Cascone, è la denominazione della stazione ferroviaria del capoluogo campano) Il quartetto è composto da James al sax e voce, Franco alla batteria, Mark Harris al Piano Fender e Tony Walmsley al basso. Nello stesso anno per l’etichetta Ricordi, incidono il primo disco “Napoli Centrale”, una fusione di jazz, rock e un po’ di progressive, miscelato alla perfezione con la musica popolare napoletana Sono anni quelli in cui una delle canzoni più importanti scritte da Senese, “Campagna”, entra nella Hit Parade. Tanti sono i successi del gruppo fra i quali “Zitte! Sta arrivanne ‘o mammone” del 2001, che si avvalse di importanti collaborazioni, come Enzo Gragnaniello, Lucio Dalla, Raiz. James Senese è stato inoltre uno dei componenti del supergruppo di Pino Daniele (Tullio De Piscopo, Tony Esposito, Joe Amoruso e Rino Zurzolo) con il quale ha collaborato nei dischi d’esordio; questi grandi musicisti sono recentemente tornati a suonare insieme per l’incisione dell’album di Daniele Ricomincio da 30, pubblicato nel maggio 2008.

In questo sorta di diario personale di Pino Ninfa, fotografo Jazz e viaggiatore instancabile e curioso, rivivono, incontro dopo incontro, le emozioni che hanno creato in noi la leggenda del Jazz e che da sempre seducono scrittori e fotografi desiderosi di ricreare, ognuno con i propri mezzi, l’incanto e la magia della musica e dei volti indimenticabili che la suonano. Da Sonny Rollins a Michel Petrucciani, da Caetano Veloso a Giorgio Gaslini, da Enrico Pieranunzi a Paolo Fresu, i racconti intimi e appassionati del fotografo ci aiutano a comprendere l’energia che può sprigionarsi nell’incontro tra musica Jazz e fotografia.

Una selezione di fotografie verrà proiettata durante l’incontro.

Da ottobre del 2017 Senese è in tour nei migliori club e teatri italiani per registrare un doppio album dal vivo che conterrà i suoi grandi successi e che uscirà nel 2018 per festeggiare i 50 anni di carriera. La formazione attuale dei Napoli Centrale vede James Senese alla voce e sax, Ernesto Vitolo alle tastiere, Gigi De Rienzo al basso e Agostino Mandragolo alla batteria. Questa è anche la band che ha registrato “nero a metà” di Pino Daniele, forse il disco più famoso dello scomparso artista napoletano.

James da sempre innamorato di John Coltrane e Miles Davis, dopo l’esperienza con gli Showmen che lo ha consacrato musicalmente, sente l’esigenza di creare qualcosa di nuovo, di sperimentare. E’ il periodo della svolta funky di Davis e della nascita dei Weather Report, band che amerà particolarmente. Nel 1975 insieme all’amico Franco Del Prete fonda i NAPOLI CENTRALE (Il nome, che gli viene suggerito da Raffaele Cascone, è la denominazione della stazione ferroviaria del capoluogo campano) Il quartetto è composto da James al sax e voce, Franco alla batteria, Mark Harris al Piano Fender e Tony Walmsley al basso. Nello stesso anno per l’etichetta Ricordi, incidono il primo disco “Napoli Centrale”, una fusione di jazz, rock e un po’ di progressive, miscelato alla perfezione con la musica popolare napoletana Sono anni quelli in cui una delle canzoni più importanti scritte da Senese, “Campagna”, entra nella Hit Parade. Tanti sono i successi del gruppo fra i quali “Zitte! Sta arrivanne ‘o mammone” del 2001, che si avvalse di importanti collaborazioni, come Enzo Gragnaniello, Lucio Dalla, Raiz. James Senese è stato inoltre uno dei componenti del supergruppo di Pino Daniele (Tullio De Piscopo, Tony Esposito, Joe Amoruso e Rino Zurzolo) con il quale ha collaborato nei dischi d’esordio; questi grandi musicisti sono recentemente tornati a suonare insieme per l’incisione dell’album di Daniele Ricomincio da 30, pubblicato nel maggio 2008.

MEFISTO FIRECRACKERS

Cinque giovani musicisti propongono un repertorio inedito, composto da brani originali. Il quintetto trae ispirazione da compositori contemporanei, spaziando da Kenny Wheeler e John Abercrombie, fino ad arrivare a Ambrose Akinmusire e Wolfgang Muthspiel. Scenari suggestivi si alterneranno a dinamiche più intense, dove l’ unica prerogativa è l’ ascolto reciproco.

SAND

 SAND è un progetto che nasce nel novembre 2016 per i corridoi della Siena Jazz University. Quattro voci, piano, batteria, synths e live electronics. Lo stile del gruppo fa l’occhiolino al R’n’B e soul, ma nella stesura dei brani tutte e quattro le musiciste ci mettono del loro, con gusto e idee assolutamente personali.

Nel suo album di debutto con i The Funk Apostles, Cory Henry si fa frontman dimostrando di essere anche un cantautore profondo e visionario. Il suo nuovo progetto è una miscela inebriante di blues, soul, R & B, Afrobeat. Un progetto che va oltre i generi per essere sperimentale e classico, futuristico e contemporaneo al tempo stesso.

Impegnato anche come producer, ha lavorato con artisti come Aretha Franklin, P. Diddy, Kirk Franklin, Rob Glasper, Lalah Hathway, Bruce Springsteen, The Roots solo per citarne alcuni. “First Steps” (#1 iTunes Jazz Chart) e “The Revival” sono i suoi due album solisti rilasciati rispettivamente nel 2014 e 2016, e hanno portato Cory Henry ad essere uno degli jazz artists più seguiti ed apprezzati del momento.