Abbiamo accettato la sfida che ci ha lanciato l’Espresso, grazie all’intermediazione di Midj, partendo dal presupposto che dovessimo cercare in Hendrix le caratteristiche insite nel suo modo di intendere la musica, provare ad assimilarle e tradurle, usando i nostri linguaggi. Abbiamo deciso di utilizzare un organico il più possibile lontano da quello che era solito usare per i suoi gruppi: una voce femminile e un violoncello (Naomi Berrill), un fender Rhodes, un synth e un pianoforte (Simone Graziano e Alessandro Lanzoni), una batteria (Stefano Tamborrino) e un sax tenore (Michele Tino). Niente chitarra, né basso. Ne è uscito un lavoro autentico e originale, che fa  della ricerca melodica ed evocativa il suo punto di forza.” Con queste parole Simone Graziano descrive il recente lavoro su Jimi Hendrix nato per la collana “Jazz Italiano” di La Repubblica – L’Espresso. Un “esperimento” talmente ben riuscito che non si è esaurito nella pubblicazione di un CD, ma ha continuato a dare nuovi spunti creativi, che non hanno smesso di evolversi attraverso le personalità di alcuni dei musicisti più talentuosi e apprezzati degli ultimi anni in Italia. Musicisti con background a volte anche molto diversi, che hanno trovato nel jazz (per quella infinità di significati che questa parola ha sempre avuto, e oggi più che mai) un trait d’union in cui far convergere suggestioni e idee.

E’ così che i componenti del gruppo pensano a questo grande artista che, in oltre mezzo secolo di attività ha percorso sentieri capaci di creare nuove relazioni e connessioni tra culture ed etnie in tutto il pianeta, alla ricerca della dimensione universale e ritualistica della musica. Dal quartetto di Ornette Coleman alle avanguardie Europee con Han Bennink e Johnny Dyani passando da Africa, India e le sperimentazioni psichedeliche e minimaliste nord europee di Terrje Rypdal, Don Cherry non ha mai smesso di cercare linguaggi che gli permettessero di esprimere la sua natura più profonda e magica attraverso il suono.

Il concerto costruisce un percorso che “visita” alcuni dei momenti più interessanti della sua carriera, lasciandoci attraversare, piuttosto che possedere, dalla musica. Cristiano Calcagnile, dopo aver studiato percussioni in ambito classico, ha allargato i suoi orizzonti dedicandosi anche alla batteria jazz. Con il suo Multikulti, un ampio organico dalla inusuale strumentazione, esplora con passione il magico e variegato mondo musicale di una delle icone più eccentriche del jazz: Don Cherry.

Geniale compositore e polistrumentista, fra le anime del multiforme e storico Art Ensemble of Chicago, Roscoe Mitchell non è solo un protagonista delle più creative avanguardie musicali africano-americane, ma un conoscitore profondo delle tradizioni della propria cultura, che affonda le radici nel jazz e nella sua storia. Mitchell, in occasione del cinquantenario della morte di John Coltrane, affronta alcune fra le più significative pagine coltraniane, rivivificandone lo spirito, cogliendone l’essenza e il più profondo significato, esaltandone la perenne modernità.

Roscoe Mitchel Nato a Chicago cominciò a suonare clarinetto e sax durante gli studi superiori esibendosi nella band della scuola prima, poi nell’orchestra dell’esercito in Germania durante il servizio militare. Tornato a Chicago nel 1961 fondò un sestetto insieme a Henry Threadgill e Joseph Jarman con i quali suonò musica sperimentale, sino al suo ingresso nella Experimental Band of Chicago di Muhal Richard Abrams, un cruogiolo di musica d’avanguardia al quale si sarebbe ispirato il free jazz di Chicago. Nel 1965 fu un socio fondatore dell’ AACM e nel 1967 fondò la Roscoe Mitchell Art Ensemble, 1971 a chicago Mitchell seppur ormai musicalmente maturato ha continuato a sviluppare una straordinaria gamma di progetti, compresi recital come solista, duetti e dal 1990 escursioni nella musica classica, suonando con la rifondata Art Ensemble of Chicago anche dopo la morte di Lester Bowie. Le sue doti compositive, l’intelligenza nella improvvisazione degli assolo unite alla sua rara capacità di sviluppare la musica in direzioni diverse e sempre nuove, ne hanno fatto uno dei musicisti principali del free Jazz della sua generazione.

Aeham Ahmad – Le sue immagini, al pianoforte tra le macerie nel suo quartiere alle porte di Damasco, hanno commosso il mondo intero. E’ stato il giorno in cui l’Isis gli ha bruciato il piano che Aeham ha deciso di fuggire e venire in Europa. Il giorno del suo compleanno arrivano i miliziani dell’ISIS e bruciano il suo pianoforte, in quanto non “haram”. A quel punto Aeham decide che è giunta l’ora di partire e percorre le migliaia di chilometri che separano Damasco da Berlino a piedi, su bagnarole di fortuna, autobus devastati, solo con uno zaino in spalla e la miseria a tracolla. In Germania trova rifugio in un vecchio motel abbandonato, dove c’è un pianoforte. Ricomincia a fare ciò che faceva a Yarmuk, suona e canta per i bambini sballottati dall’esilio. Riprende a suonare, inizia a fare concerti e riceve un premio per il suo impegno a favore dei diritti umani. Realizza anche un disco (che uscirà a breve), incontra Angela Merkel, Martha Argerich, conquista il premio Beethoven. I giornali internazionali fanno a gara per intervistarlo.

Ad ascoltare On a sunny day, il nuovo lavoro di Alessandro Galati, c’è qualcosa di suggestivo che è possibile spiegare solo così: le melodie si percepiscono con una inaspettata pienezza armonica, i disegni armonici si dipanano come se fossero melodie. Questo avviene però con una semplicità che si imprime da subito nella memoria, perché il risultato di tale singolare commistione non è certo una nebulosa confusione ma un suono di certo ricco, ma puro e ben definito. Accadrà così che ascolterete On a sunny day, o Balloon, o Crazy winter in town, o In Bejing percependoli come fossero canzoni, li potrete cantare persino, ma…proverete il bisogno di ascoltarli ancora una volta, e poi una volta ancora, ed ancora. Perché in realtà avvertirete forte la sensazione che ci sia ancora molto da scoprire. I temi melodici si espandono, si arricchiscono, nonostante voi continuiate a riconoscerli in modo netto: ma sono cangianti, ridisegnati, esaltati o al contrario celati dietro intrecci di accordi complessi e mai soverchianti. Le canterete, quelle melodie, al secondo ascolto, ma con la sensazione di “ripetere qualcosa di totalmente nuovo”: vi appariranno improvvisamente diverse anche per le dinamiche che tutto il trio, con un notevole interplay, riesce ad esprimere, o per il tocco che Galati decide di imprimere ai tasti del suo pianoforte. Il fascino di On a sunny day è dunque nella dualità tra semplice e complesso, tra definito e “in fieri”, tra nettezza e sfarzo, persino. È una meta ben definita raggiunta attraverso un viaggio pieno di svolte, di sorprese, di cambi di programma, e che alimenta la voglia di scoprire ciò che durante il tragitto precedente si era guardato, ma senza vedere: è per questo che, incuriositi, si sente l’esigenza di ripartire ancora.

L’inizio di questa storia vede un gruppo di giovani musicisti discutere animatamente dentro a un auto con i vetri appannati. A notte fonda si condivideva il proposito di costruire insieme un grande gruppo, mille sogni e altrettante idee sulla musica e sulla vita. In sottofondo la musica era sempre la stessa: quella di Miles.  Come succede spesso, anche in quel caso l’opera di Miles fu conosciuta secondo un percorso atipico che a partire da album come, “TUTU” e “DECOY” portò i giovani musicisti ad apprezzare e conoscere anche incisioni più datate, come “SEVEN STEPS TO HEAVEN”, “MILESTONES” fino al leggendario “KIND OF BLUE” ed altre ancora. Miles ispirava quei sogni ad occhi aperti e la sua musica ne era la colonna sonora. Più che un tributo a Miles, “VIRTUOUS CIRCLES OF MILES DAVIS” è una dichiarazione d’amore verso un periodo preciso della vita di questi musicisti, un momento storico ed intimo di cui Miles e la sua opera furono al contempo ispiratori e testimoni. Il fatto che nel quintetto di Malvisi non vi sia un trombettista la dice lunga sull’onestà genuina di questo affetto artistico.

Alessandro Lanzoni, Vincitore a soli 14 anni del prestigioso “Premio Massimo Urbani” e  nel 2010 “Best Young Soloist” al Concorso “Martial Solal” di Parigi, ha cominciato a calcare le scene dei maggiori Festivals Italiani estendendo presto la sua attività anche all’esterosia come leader che come collaboratore di prestigiosi musicisti quali L.Konitz, K.Rosenwinkel, E.Rava, R.Gatto e moltissimi altri. Collabora stabilmente con l’etichetta discografica CamJazz, che ha pubblicato i suoi ultimi tre Album, “Dark Flavour” in trio, “Seldom” in quartetto e “Diversions” in Piano Solo.

Daniele Tittarelli è fra i più importanti e originali interpreti italiani del sassofono jazz.

Dopo il prestigioso premio come “Miglior solista” al Concorso “Jazz Tremplin” di Avignone comincia una importante carriera che lo vede protagonista di varie formazioni a fianco di tutti i più grandi nomi del Jazz italiano, Enrico Rava, Roberto Gatto, Rita Marcotulli, Stefano Bollani, Antonello Salis e moltissimi altri.

Vanta una numerosa discografia ed è molto apprezzato anche per la sua attività di compositore.

Dal 2015 è docente di sassofono jazz al Conservatorio di Latina e fa parte della Gazebo Band

Joe Sanders è senza dubbio uno dei giovani bassisti più ricercati della sua generazione. Ha suonato, registrato, e si è esibito in tour con molti grandi musicisti, tra cui, ma non solo: Ravi Coltrane, Herbie Hancock, Jimmy Heath, Wayne Shorter, Geri Allen, Jeff “Tain” Watts, Karriem Riggins, Nicholas Payton, Roy Hargrove, Gerald Clayton (il cui album Two-Shade è stato nominato per un Grammy 2010), Geoffery Keezer, Lionel Loueke, Aaron Parks, Chris Potter e  Ambrose Akinmusire.  Attualmente è leader della band “Joe Sanders’ Infinity” con la quale suona nei jazz club in tutta New York City, inoltre è spesso in tour in Europa e negli Stati Uniti con il Gerald Clayton Trio.

Tobias Backhaus, nato a Darmstadt ha studiato sotto la guida di maestri del jazz come Keith Copeland, Ari Hoenig, Jim Black, John Hollenbeck e Jeff Ballard, laureandosi presso il Jazz-Institute di Berlino.

Il suo approccio individuale e la sua capacità di muoversi senza sforzo tra diversi mondi musicali -dal jazz tradizionale alla libera improvvisazione, alla musica classica contemporanea e oltre –  fanno di lui uno dei giovani batteristi più richiesti sulla scena jazz tedesca e europea.

Tobias ha lavorato con artisti come Kurt Rosenwinkel, Tony Lakatos, Carlos Bica, Jiggs Whigham, Gwilym Simcock, Peter Weniger e collabora tra gli altri con l’Orchestra Sinfonica di Dresda, la NDR Big Band, la Berlin Jazz Orchestra.

Soulenco Project nasce dall’incontro di due artisti accomunati dalla passione per il ritmo e per il mondo della sperimentazione. Una miscela di colori mediterranei e messicani, dove i due musicisti giocano “a tempo” scambiandosi di ruolo. Un repertorio che tocca la pugliesità e la passione per la blackmusic della Brancale e il talento e la tradizione flamenca di Varela. L’arrangiamento è il protagonista principale del progetto: ogni pezzo viene destrutturato e modificato a loro immagine. Grande ospite e valore aggiunto di questo duo è Angelo Trabucco, pianista e strumentista jazz che ha collaborato con Bob Mintzer, Peter Erskine, Fabrizio Bosso, Gianluigi Trovesi, Bruno Tommaso, Hiram Bullock, Bob Franceschini, , Alfredo Paixao, Israel Varela, Otmaro Ruiz, Stefano Cantini, Andrea Braido, Kelly Joice, Antonella Ruggiero, Amy Stewart. Così il progetto accompagna l’ascoltatore in una dimensione sonora senza confini dove la black Music cambia colore e il soul si fonde con il flamenco.

Uno spettacolo che cerca di essere un’esperienza di viaggio alla scoperta del mondo interiore ed esteriore di quella che veniva definita: “First Lady of Song”. All’interno del concerto Simona inserirà anche alcuni dei suoi brani più significativi, in modo da mostrare in che modo la musica di Ella ha contribuito al suo odierno amore per lo swing e per il jazz. Non mancheranno naturalmente nello spettacolo le canzoni che la hanno portata al successo.

Simona Molinari, astro del jazz, della bossa nova e della musica leggera al femminile. La talentuosa cantante partenopeo/abruzzese si conferma così grande voce ed interprete di un mondo musicale vasto e colto affrontato però in modo fresco e leggero. Una grande voce femminile che ha già entusiasmato le platee di tutto il mondo. “Ho inzuppato le mani in tutti i vinili più belli di Ella, mi sono imbattuta in Duke Ellington, Ghershwin, Jobim, Cole Porter e ho scelto le cose che mi hanno colpito di più e quelle che mi hanno toccato il cuore”.

Apprezza il groove afro-americano di Aretha Franklin, 2Pac e Tribe Called Ouest; in particolare, ha appreso il mestiere accanto ad altre coriste soul influenzate dall’hip hop. Si crea un universo che rassomiglia alla sua personalità, di cui questa ragazza autodidatta traccia i contorni a partire dal 2005, componendo una cinquantina di pezzi in un anno. Da questi estrae due perle. Si tratta di “Oursoul” e “Beautiful Tango”. Con un arrangiamento in stile folk americano, “Oursoul” racconta i sogni svaniti di una ragazza promessa in matrimonio. “Beautiful tango” è, invece, una ballata con accenti di eterna nostalgia, un inno all’amore, come un pensiero triste per fare vibrare le anime sensibili. “Beautiful tango” è stata accolta dal “The wire”, mensile di riferimento della musica esigente d’oltre-manica, che ha intravisto in lei la degna erede di Billie Holiday. Una quarantina di minuti, una buona dozzina di canzoni, proprio quante servono per questo primo album che produce, realizza e arrangia un po’ per volta, già con notevole maturità, lo stato d’animo di una donna sofisticata. Dallo stile al piano e dalle idee alla penna, Hindi Zahra ne cava un solco originale, una colonna sonora finemente organizzata, traballate soul-folk-jazz dove affluiscono le sue origini sud marocchine, alla frontiera con la cultura nera. Prima con il suono di un Bendir, poi con un tocco di basso ganoua, infine con un testo in berbero come “Imir Simik” (A poco a poco).  Questo titolo le si addice pienamente. A poco a poco, questo controllo di tutti gli strumenti si è costruito, senza far rumore, all’ombra di una gloria effimera ma più vicino all’autenticità.  Quella di cui parla nei suoi testi, delle storie di “amore per sempre” ma anche della vita della gente semplice.

Nel corso degli ultimi 13 anni, Idan ha collaborato con pop star americane come India.Arie, Dave Matthews e Alicia Keys, senza parlare dei tanti artisti che sono molto conosciuti nei loro paesi: la portoghese Ana Moura, il francese Patrick Bruel, Ornella Vanoni in Italia, Andreas Scholl in Germania, e il maliano Vieux Farka Touré, giusto per nominarne alcuni. Il musicista di Tel Aviv vanta anche una collaborazione importante con altri due grandi artisti del nostro Paese: dietro ad “Amami Amami”, nuovo singolo di Mina e Celentano, c’è la sua firma in qualità di compositore.

Il musicista Idan Raichel, Con l’album At the Edge of the Beginning, l’icona internazionale Idan Raichel riflette sui cicli della vita, sulle relazioni umane e sui nuovi inizi. Molto conosciuto e amato a livello internazionale, nel corso degli ultimi 12 anni, come leader del collettivo Idan Raichel Project, fa ora una scelta audace e netta presentandosi al pubblico in solo. Nei suoi concerti in solo, Idan condivide con il suo pubblico, in modo intimo e naturale, la storia del suo viaggio in questi ultimi 12 anni e anche come le sue melodie sono state scritte prima di essere prodotte per le numerose collaborazioni e i concerti in giro per il mondo. Idan Raichel è stato recentemente onorato dal Martin Luther King Institute per aver portato la voce delle minoranze e dei nuovi migranti all’attenzione della società e per il suo lavoro incessante nel mettere insieme persone di diverso contesto, credo e cultura attraverso la musica.  Durante questi concerti in solo Idan presenterà le canzoni del suo vasto repertorio, tra cui anche alcuni brani tratti dall’ultimo album “At The Edge Of The Beginning”. Il suo concerto in solo sarà un’esperienza sonora e canora esaltante.

Abbiamo accettato la sfida che ci ha lanciato l’Espresso, grazie all’intermediazione di Midj, partendo dal presupposto che dovessimo cercare in Hendrix le caratteristiche insite nel suo modo di intendere la musica, provare ad assimilarle e tradurle, usando i nostri linguaggi. Abbiamo deciso di utilizzare un organico il più possibile lontano da quello che era solito usare per i suoi gruppi: una voce femminile e un violoncello (Naomi Berrill), un fender Rhodes, un synth e un pianoforte (Simone Graziano e Alessandro Lanzoni), una batteria (Stefano Tamborrino) e un sax tenore (Michele Tino). Niente chitarra, né basso. Ne è uscito un lavoro autentico e originale, che fa  della ricerca melodica ed evocativa il suo punto di forza.” Con queste parole Simone Graziano descrive il recente lavoro su Jimi Hendrix nato per la collana “Jazz Italiano” di La Repubblica – L’Espresso. Un “esperimento” talmente ben riuscito che non si è esaurito nella pubblicazione di un CD, ma ha continuato a dare nuovi spunti creativi, che non hanno smesso di evolversi attraverso le personalità di alcuni dei musicisti più talentuosi e apprezzati degli ultimi anni in Italia. Musicisti con background a volte anche molto diversi, che hanno trovato nel jazz (per quella infinità di significati che questa parola ha sempre avuto, e oggi più che mai) un trait d’union in cui far convergere suggestioni e idee.

Leonardo Gori vive a Firenze. È autore del ciclo dei romanzi di Bruno Arcieri: prima capitano dei Carabinieri nell’Italia degli anni Trenta, poi ufficiale dei Servizi segreti nella seconda guerra mondiale e infine inquieto senior citizen negli anni Sessanta del Novecento. Il primo romanzo della serie è Nero di maggio, ambientato a Firenze nel 1938, cui sono seguiti Il passaggio, La finale, L’angelo del fango (Premio Scerbanenco 2005), Musica nera, Lo specchio nero, Il fiore d’oro (questi ultimi due scritti con Franco Cardini), Il ritorno del colonnello Arcieri (2015) e Non è tempo di morire (2016). La serie di romanzi è in corso di riedizione in TEA. È anche autore di fortunati thriller storici e co-autore di importanti saggi sul fumetto e forme espressive correlate (illustrazione, cinema, disegno animato).

Leonardo Gori vive a Firenze. È autore del ciclo dei romanzi di Bruno Arcieri: prima capitano dei Carabinieri nell’Italia degli anni Trenta, poi ufficiale dei Servizi segreti nella seconda guerra mondiale e infine inquieto senior citizen negli anni Sessanta del Novecento. Il primo romanzo della serie è Nero di maggio, ambientato a Firenze nel 1938, cui sono seguiti Il passaggio, La finale, L’angelo del fango (Premio Scerbanenco 2005), Musica nera, Lo specchio nero, Il fiore d’oro (questi ultimi due scritti con Franco Cardini), Il ritorno del colonnello Arcieri (2015) e Non è tempo di morire (2016). La serie di romanzi è in corso di riedizione in TEA. È anche autore di fortunati thriller storici e co-autore di importanti saggi sul fumetto e forme espressive correlate (illustrazione, cinema, disegno animato).

In “Io, John Coltrane. Quartetto per cinque elementi”, il Living Coltrane Quartet e l’attrice Daniela Morozzi sperimentano una commistione tra parole e note, un concerto accompagnato da scrittura drammaturgica, una “partitura musicale narrativa”. La forza e l’inventiva artistica, il suono allo stesso tempo prepotente e dolcissimo, profondo e luminoso del sassofonista che più di ogni altro ha influenzato il panorama musicale del secondo novecento, si integrano senza soluzione di continuità ad una narrazione che interpreta il vissuto umano e d’artista di Coltrane, con i suoi abissi e le sue sommità, e ne propone un’immagine non oleografica, un’immagine concreta ma non per questo meno poetica e visionaria. Anche in questo caso, si scrive per Coltrane e non soltanto su Coltrane. Ad accompagnare in questo viaggio il Living Coltrane Quartet, formazione caratterizzata da un suono di scultorea rotondità e autenticamente personale, oltreché da un interplay di grande spessore, è la voce di Daniela Morozzi, attrice già da tempo impegnata in progetti di fusione della parola con la musica e che ha già alle spalle una solida e felice collaborazione con Stefano ‘Cocco’ Cantini. Il testo porta la firma di Valerio Nardoni, scrittore e traduttore, e di Leonardo Ciardi, autore, ed è impreziosito da un contributo del poeta Fabrizio Dall’Aglio.  Gli autori, insieme a Daniela Morozzi, portano sul palco una voce che si amalgama a quelle strumentali, si fonde con loro, si propone, appunto, come il quinto elemento, che esprime gli stessi contenuti degli strumenti e lo fa con la forza della parola.“Io, John Coltrane. Quartetto per cinque elementi”: la voce di John Coltrane non potrebbe essere più viva!

Al timone del progetto, Fabrizio Puglisi, uno dei pianisti più brillanti ed esplorativi del jazz e della musica contemporanea, che vanta collaborazioni con icone della scena improvvisativa olandese come Han Bennink, Tristan Honsiger, Ernst Rejiseger, di stelle statunitensi come John Zorn, Don Byron, David Murray, Steve Lacy, Dave Liebman e italiane come Paolo Fresu, Enrico Rava, Cristina Zavalloni, Gianluca Petrella, oltre a militare nello storico collettivo Basse Sfere e in quello del El Gallo Rojo, come alcuni dei musicisti che lo accompagnano in questo suo entusiasmante progetto.

Frontal , progetto musicale di Simone Graziano, con il quale pubblica con da Auand Records l’album omonimo che è  stato subito acclamato dalla critica specializzata come ‘una tra le migliori produzioni del 2013’ . Frontal ha all’attivo numerosi concerti, compiuti nel 2013 in festivals e rassegne di primo piano. Il primo disco è stato insignito di prestigiosi riconoscimenti: Musica Jazz gli ha conferito il Bollino Blu e lo ha inserito tra i dischi consigliati del mese di Agosto 2013; Jazzit ha assegnato il suo Bollino Rosso ‘Jazzit likes it’.“Trentacinque”, il secondo lavoro discografico edito dall’etichetta pugliese Auand Records esce nel settembre 2015, fotografa la naturale evoluzione di un gruppo dall’affiatamento straordinario, che è riuscito nel corso degli anni a crearsi uno spazio sonoro proprio ed originale. Tali caratteristiche rendono Frontal una realtà musicale davvero unica nella scena del jazz europeo. Trentacinque è stato votato nel top jazz 2015 indetto da Musica Jazz tra i migliori 10 album dell’anno. Allaboutjazz ha scelto ‘Trentacinque’ come il disco italiano più rappresentativo essendo l’album più votato dai recensori della rivista.

Joe Sanders  ha fatto carriera grazie la sua versatilità, la dedizione, e l’impegno costante. Joe è senza dubbio, uno dei giovani bassisti più ricercati della sua generazione. Ha suonato, registrato, e si è esibito in tour con molti grandi musicisti, tra cui, ma non solo; Ravi Coltrane, Herbie Hancock, Jimmy Heath, Attualmente è leader della sua band la “Joe Sanders’ Infinity” con la quale suona nei jazz club in tutta New York City, inoltre è spesso in tour in Europa e negli Stati Uniti con il Gerald Clayton Trio.

Jeff Ballard, batterista jazz statunitense si afferma nella scena jazzistica americana nel 1995, anno in cui inizia a collaborare con Danilo Perez. Nel 1997 riceve da Chick Corea l’offerta di unirsi al suo gruppo nel quale suonerà per sei anni. Ha lavorato con altri grandi del jazz, come Pat Metheny, Enrico Rava, Stefano Bollani, Count Basie. Fa parte della band di Joshua Redman e collabora con Kurt Rosenwinkel, incide con entrambi diversi album. Da qualche anno fa parte del trio di Brad Meldhau.

Ben Wendel, nato in Canada e poi trasferitosi negli Stati Uniti, può già vantare un’ottima carriera : è considerato ormai tra i migliori sassofonisti newyorkesi ed è anche molto apprezzato come compositore. Conosciuto per la sua militanza nella band nominata ai Grammy Awards ”Kneebody”, può vantare  collaborazioni con musicisti del calibro di  Tigran Hamasyan, Ignacio Berroa, Antonio Sanchez, Gerald Clayton, Snoop Dogg, e Prince,

Nel 1999, dopo aver ottenuto un contratto discografico, pubblica On How Life Is. L’album ottiene un enorme successo da oltre sette milioni di copie nel mondo, anche grazie a brani come Do something e soprattutto I Try, che le fanno guadagnare un Grammy Award. Collabora con Fatboy Slim, prestando la sua voce nel brano Demons.

Nel 2001 pubblica il suo secondo album The Id, trascinato dai singoli Sexual Revolution e Sweet Baby che vanta la collaborazione con Erykah Badu. L’album è prodotto da Rick Rubin, e oltre la Badu, vanta collaborazioni nomi importanti della scena black contemporanea. Nel frattempo si guadagna la fama di artista bizzarra e imprevedibile, rilasciando dichiarazioni pubbliche spesso surreali.

Nel 2002 appare in Spider-Man, dove interpreta se stessa, e partecipa all’album Shaman di Carlos Santana. Nel 2003 pubblica The Trouble with Being Myself che contiene brani come When I See You e She Ain’t Right for You.

Nel marzo 2007 pubblica l’album Big, anticipato dal singolo Finally Made Me Happy che vede la collaborazione di Natalie Cole. L’album vanta inoltre collaborazioni con Justin Timberlake, Fergie,will.i.am e Nas.

I suoi live sono famosi per essere coinvolgenti ed emozionati.

Link:
http://macygray.com/

https://www.facebook.com/macygrayslife

Nella sua lunga parabola artistica il chitarrista John Scofield, nato a Dayton (Ohio) nel dicembre del 1951, ha avuto numerose soddisfazioni di grande spessore, dalle esperienze come sideman nei gruppi di Charles Mingus, Miles Davis, Chet Baker, George Duke, Joe Henderson, Billy Cobham ed Herbie Hancock, per citare solo i più famosi, ai numerosissimi album come leader di grande successo, a partire dal bellissimo Live del 1977 per la etichetta Enja. Eppure, anche in presenza di risultati artistici così importanti e prolungati nel tempo, un terribile evento come la morte improvvisa del figlio Evan, avvenuta a luglio del 2013, non poteva non lasciarlo in uno stato di grande prostrazione. In questi casi la musica fortunatamente ha il potere di agire come unguento miracoloso. Dapprima il bravo chitarrista ha inciso un album in quartetto con Joe Lovano, rispolverando vecchie consuetudini, con eccellenti risultati: infatti con quell’album, uscito per la Impulse! nel 2015 con il titolo Past Present, il chitarrista si è portato a casa un bel Grammy. Immancabilmente era pieno di riferimenti alla scomparsa del figlio e segnava un po’ un ritorno di Scofield agli umori dei suoi dischi più jazzistici e raccolti. Adesso, dopo non molti mesi, arriva questo ottimo Country for Old Men che molto coraggiosamente va a pescare la propria ispirazione, a livello compositivo, nella musica country.

Francesco Maccianti – di formazione classica, frequenta i corsi di Siena jazz guidati da Franco D’Andrea ed è co-fondatore del Centro Attività Musicali (C.A.M.) dove insegna pianoforte e musica d’insieme. Intensa l’attività concertistica che lo vede collaborare con alcuni dei più importanti musicisti italiani (Pietro Tonolo, Maurizio Giammarco, Paolo Fresu, Fabio Morgera, Luca Flores, Sandro Gibellini, Marco Tamburini) stranieri (Eddie Lockjaw Davis, Harry Sweets Edison, Sal Nistico, Richie Cole, Joe Chambers). Ha all’attivo, oltre a varie collaborazioni discografiche, tre dischi a proprio nome: Oasi (Splasc’h records 1998), Mosaico e Intersection.

Roberto Gatto –  sin dall’inizio della sua carriera si è trovato a suonare in tutta Europa e nel mondo con i suoi gruppi e a fianco di artisti internazionali. Oltre ad una ricerca timbrica raffinata e a una tecnica esecutiva perfetta, i gruppi a suo nome sono caratterizzati dal calore tipico della cultura Mediterranea; questo rende senza dubbio Roberto Gatto uno dei più interessanti batteristi e compositori in Europa e nel mondo. E’ sicuramente il più rinomato batterista Italiano all’estero e vanta importanti partnerships con artisti del mondo del jazz e non solo.

Ares Tavolazzi – è uno dei più importanti contrabbassisti jazz italiani. L’inizio della sua carriera è contraddistinto da importanti collaborazioni con artisti di musica leggera (Paolo Conte, Francesco Guccini, Mina, Eugenio Finardi, Lucio Battisti ed altri). Dal 1973 al 1983 fa parte dello storico gruppo d’avanguardia AREA. Nel 1982 partecipa al tour italiano dell’orchestra di Gil Evans. Per tre anni consecutivi (1984-85-86) è figurato primo in una speciale classifica dei bassisti italiani indetta dalla ricista “Guitar club”, compone per il teatro e tiene seminari e stage in tutta Italia.

In Apertura:

Manuel Magrini

Giovane pianista umbro di inaspettato talento. Diplomato al Conservatorio F. Morlacchi di Perugia, si interessa presto alla musica jazz che inizia a studiare ed approfondire seguito da Ramberto Ciammarughi, collaborando con molte formazioni e tenendo concerti sia in Italia che all’estero. Al Fara Music festival vince il premio come miglior solista e come miglior gruppo con il suo trio, mentre in ambito pop vince il concorso Rai Demo 2010 condotto da Michel Pergolani e Renato Marengo, come strumentista e co-arrangiatore nel gruppo di Tom Bangura. nel 2014  Manuel vince una borsa di studio al Fara Music Festival per studiare al Collective School of Music a New York. Nel 2016 è uscito il suo primo cd in piano solo “Unexpected” per l’etichetta Encore Jazz di Roberto Lioli.

Oz Noy –  Nasce in Israele e inizia la sua carriera come chitarrista all’età di tredici anni suonando jazz, blues, pop e rock. All’età di ventiquattro anni era già uno dei chitarristi più affermati nel suo paese natale ed è stato anche membro dell’ house band del più famoso programma della televisione nazionale israeliana. Nel 1996, quando arriva a New York, viene travolto dalla scena musicale americana e internazionale, che lascia un segno indelebile sulle successive contaminazioni e influenze musicali di Oz.

Il suo stile unico rompe tutti gli schemi e le regole delle sonorità più tradizionali, concentrandosi principalmente sul groove. Nel suo stile si riconoscono le tracce della fusion più classica, dove non manca il blues, il jazz ed un pizzico di rock, in una miscela interessante e coinvolgente.

Grande spazio a tutte le emozioni, dalla calma all’inquietudine. La ricerca sonora di Oz rende la sua tecnica compositiva quasi sussurrata in alcuni istanti ed urlata in altri, una fusione creativa e provocatoria di vari stili e generi.

Nell’ aprile del 2016 ha realizzato il suo ottavo album “Who Gives A Funk”, a cui hanno collaborato special guests quali Joe Bonamassa, Robben Ford, Dweezil Zappa, Fred Weasley, Chris Potter e John Medeski & Corey Glover.

Keith Carlock – Nasce e cresce in Missisipi e studia musica alla North Texas State University per quattro anni. Ha registrato e suonato con musicisti di fama internazionale come Sting, Steely Dan, Toto, John Mayer, James Taylor, Christopher Cross, Donald Fagen, Walter Becker, Diana Ross, Faith Hill, The Blues Brothers Band, Oz Noy e molti altri.
Keith è stato di recente premiato come primo batterista pop, primo batterista Fusion e numero uno “Best All-Around drummer” in Modern Drummer’s 2009 Readers Poll.

Jimmy Haslip – È conosciuto soprattutto per essere uno dei membri fondatori del gruppo fusion Yellowjackets e per essere stato uno dei primi bassisti ad utilizzare un basso a 5 corde. Bassista mancino, ha inoltre la particolarità di suonare il basso con le corde invertite, cioè con la corda più acuta in alto e la corda più grave in basso.

Oltre agli Yellowjackets, Haslip ha collaborato o collabora con numerosi altri artisti importanti quali Bruce Hornsby, Rita Coolidge, Gino Vannelli, Kiss, Tommy Bolin, Allan Holdsworth, Marilyn Scott, Chaka Khan, Al Jarreau e Anita Baker. Haslip ha realizzato due album da solista, Arc e Red Heat. È inoltre un membro della rock band Blackjack dal 1979 al 1980 insieme a Bruce Kulick, Sandy Gennaro e Michael Bolton.

La musica è arte. Il funk è allegria. La tradizione stimola l’innovazione. La nostra terra d’origine che condiziona, influenza ed ispira. White Orcs nasce così: un incontro fra il superlativo talento del pianista Vincenzo Genovese e l’entusiasmo di un’idea che vuole unire ed allo stesso tempo sfidare le cornici culturali dei popoli. White Orcs è un progetto di scambio fra radici culturali, che vuole sfidare le tradizioni ad amalgamarsi sullo stesso palco, invitando altri artisti ad interpretare il ritmo del Fun(k)! L’orchestra degli White Orcs dona vita ad un progetto che vuole dare l’opportunità a performers di ogni genere e provenienza di esprimersi davanti ad un pubblico diverso. La costante ricerca di interazione fra le differenze che ci caratterizzano culturalmente, muove l’orchestra in un tour di palchi internazionali. Finché l’arte ce ne darà ragione.

I Nerve si sono evoluti partendo dal leggendario evento newyorkese “Prohibited Beats”, organizzato da Jojo Mayer negli anni ’90. Inizialmente formatasi come piattaforma sperimentale in cui convogliavano DJ’s, visual artists, musicisti, nel tempo si è trasformata in un gruppo che ha rivoluzionato la musica elettronica, portandola da un format basato sulle programmazioni in una performance improvvisata dal vivo. In questa nuova veste la band ha assimilato un ampio spettro di stili elettronici, dal Jungle, Dub Step,  Glitch alla Minimal e Tech House e tutti quei generi che ancora non hanno trovato una definizione. Col passare del tempo i Nerve hanno familiarizzato con il pubblico, portando i ritmi, l’improvvisazione e l’evoluzione stilistica del jazz nell’era digitale. Lo stile dei Nerve riesce a essere un armonioso mix di sonorità diverse che passano dall’ elettronica, fondendo insieme ritmi Jungle, Break Beat e Drum & Bass.

Jojo Mayer – E’ conosciuto per le sue tecniche musicali creative e innovative, che lo hanno reso uno dei migliori batteristi al mondo. Mayer è nato a Zurigo ed è cresciuto circondato dalla musica. Suo padre, Vali Mayer, era un bassista. All’età di due anni ha il primo drum set, e la sua prima esibizione è a Hong Kong quando ha appena 3 anni.  Jojo Mayer è conosciuto per aver unito insieme jazz, drum and bass e jungle insieme ad altre influenze musicali. Jojo mayer è conosciuto anche per essere uno dei maestri della “Moeller Tecnique”, la tecnica di controllo delle bacchette che è un po’ la Sala del Trono della tecnica di mani.

Che questo sia l’unico impiego possibile di questo strumento e che il violino debba suonare proprio così. Lo si ritiene inoltre uno strumento piccolo, elitario e sensibile”. Nelle mani della Carter il violino mostra non soltanto il suo lato melodico, ma anche le sue possibilità percussionistiche. La sua bravura e la sua fama sono state consacrate anche grazie alla collaborazione con Wynton Marsalis nel tour internazionale di “Blood in the fields” (Grammy Awards e premio Pulitzer) con la “Lincoln Center Jazz Orchestra” e Cassandra Wilson per “Travelion Miles”. La sua autorevolezza musicale, mista a grazia ed eleganza, è riconosciuta dalle riviste specializzate più importanti. Regina  dimostra la sua maturità e la sua voglia ad esplorare nuove vie, conosciute e sconosciute combinazioni musicali. La leggerezza con cui la Carter riesce a cambiare genere musicale, proviene probabilmente dai molteplici influssi musicali nella sua vita.

Regina Carter a due anni inizia a suonare il pianoforte e a quattro lo cambia con il violino. Ha studiato con il metodo Suzuki, che ha come massima “Learning by doing”, come dire suonare più ad orecchio piuttosto che seguendo lo spartito, la base per un potenziale di improvvisazione: “Questo metodo ci ha liberato dai fogli, dalle note stampate” conferma lei stessa.

All’inizio la Carter aveva interesse per la musica classica. Poi con il tempo scopre il suo interesse per il rhythm & blues. “A Detroit sono accadute così tante cose a livello musicale. Ci sono stati Motown, Parliament, Funkadelic, e naturalmente l’orchestra sinfonica, insomma di tutto un po’. A scuola avevo lezione di musica indiana e storia e naturalmente anche di musica africana”. Il suo scopo dichiarato era quello di diventare solista in una delle orchestre importanti, e in giovinezza studia con la Detroit Civic Symphonikern, con la quale si esibisce anche. Il jazz non è così importante nella sua vita almeno fino al momento in cui, studentessa alla High-School, ascolta un concerto del violinista Jean Luc Ponty. “Mi sono innamorata subito di questa musica, ed ho iniziato ad avvicinarmi al jazz”. Al New England Conservatory studia sia jazz che classica, fino a che non decide di fare del jazz il suo stile. Dopo due anni al conservatorio cambia con la Oakland University del Michigan e suona regolarmente nei dintorni di Detroit con musicisti locali come per esempio il trombettista Marcus Belgrave. Nel 1987 entra a far parte del quintetto Straight Ahead, una jazz band composta soltanto da donne. Con la Straight Ahead registra due album, prima di fare il suo debutto da solista. Vivendo a New York lavora con musicisti quali Oliver Lake, Max Roach, il Uptown String e con lo String Trio di New York.

La figura di Steve Coleman è una delle più avvincenti e affascinanti del jazz contemporaneo. Cresciuto a suon di R&B, trovò un importante stimolo per la sua crescita musicale nei veterani della scena jazz di Chicago. Trasferitosi a New York, ebbe la possibilità di collaborare con le big band di Thad Jones e Mel Lewis, di Sam Rivers e di Cecil Taylor. Il suono graffiante del suo sax racconta le tensioni, gli impulsi di una musica “meticcia” alla continua ricerca di una nuova identità, pronta ad arricchirsi degli stimoli più disparati, senza mai perdere un’essenziale “black energy.  Ai suoi primi anni newyorkesi risalgono anche una serie di importanti collaborazioni come sideman: con Dizzy Gillespie, David Murray, Dave Holland, Michael Brecker, Abbey Lincoln. Ma il nome di Coleman è indissolubilmente legato al collettivo M-Base, di cui fu co-fondatore e alla cui estetica fanno riferimento le varie sue formazioni, tra le quali i Five Elements, che rappresentano la band assurta a maggiore notorietà. Con la loro combinazione di jazz, funk, soul, world music (particolarmente accentuata è la matrice ritmica africana), i Five Elements sono stati il modello per successivi organici come i Metrics e la Mystic Rhythm Society.

La figura di Steve Coleman è una delle più avvincenti e affascinanti del jazz contemporaneo. Cresciuto a suon di R&B, trovò un importante stimolo per la sua crescita musicale nei veterani della scena jazz di Chicago. Trasferitosi a New York, ebbe la possibilità di collaborare con le big band di Thad Jones e Mel Lewis, di Sam Rivers e di Cecil Taylor. Il suono graffiante del suo sax racconta le tensioni, gli impulsi di una musica “meticcia” alla continua ricerca di una nuova identità, pronta ad arricchirsi degli stimoli più disparati, senza mai perdere un’essenziale “black energy.  Ai suoi primi anni newyorkesi risalgono anche una serie di importanti collaborazioni come sideman: con Dizzy Gillespie, David Murray, Dave Holland, Michael Brecker, Abbey Lincoln. Ma il nome di Coleman è indissolubilmente legato al collettivo M-Base, di cui fu co-fondatore e alla cui estetica fanno riferimento le varie sue formazioni, tra le quali i Five Elements, che rappresentano la band assurta a maggiore notorietà. Con la loro combinazione di jazz, funk, soul, world music (particolarmente accentuata è la matrice ritmica africana), i Five Elements sono stati il modello per successivi organici come i Metrics e la Mystic Rhythm Society.

“L’Ottava nota” (Nutrimenti editore)

Due fratelli, Diego e Michele. Uno suona il piano, l’altro il sax. Uno ha avuto successo, l’altro elemosina qualche moneta dai clienti distratti nei ristoranti. Nella vita sono sempre scappati da qualcuno o qualcosa e, in fondo, sono stati più sparring partner che fratelli. Gli inizi con la banda dei bambini a Rocca di Falco, in Sicilia. I concerti nella Roma delle jam session al Music Inn, il locale mito del jazz italiano. Le orme dei grandi da seguire, imitare: gli amori di Miles Davis e le passioni di Charlie Parker, le manie di Bill Evans e i folli sogni di Dizzy Gillespie, gli scacchi di Mal Waldron e le balene di Charles Mingus, il leggendario match di boxe che incollò alla radio Bud Powell, i cinquantotto di una foto impossibile sui gradini di una palazzina di Harlem. Diego e Michele percorrono insieme la stessa strada, prima di perdersi di vista, separati da errori e menzogne. Quando si ritroveranno, dovranno guardarsi le spalle da molte cose. Un passato da cancellare, un inganno mai dimenticato, e un nuovo segreto che cambierà per sempre le loro vite.

Gianluca Monastra

Gianluca Monastra, giornalista di Repubblica, è autore di romanzi, racconti, graphic novel e testi per radio e teatro.

Per Musica Nuda A marzo, partirà dall’Italia un tour internazionale che toccherà anche Francia e Stati Uniti. Per presentare un album che parla di leggerezza, ma nel senso più calviniano del termine. Come diceva lo stesso Calvino, “Bisogna prendere la vita con leggerezza, che leggerezza non è superficialità ma planare sulle cose dall’alto, non avere macigni sul cuore”.“Leggerezza” è un sentimento che si riverbera in tutti i brani dell’album, dotati come sono di una grazia lieve e di un’eleganza che ricordano la canzone italiana d’autore degli anni Sessanta. Quella stessa grazia che rende unico il duo Musica Nuda, con quella speciale alchimia tra Ferruccio e Petra, quasi fosse una “condizione imprescindibile”, come titola un brano del loro album. Due spiriti affini che con la propria musica riescono ancora, oggi come 14 anni fa, a emozionare.

Simone Lenzi nasce a Livorno nel 1968, è un cantautore, scrittore e traduttore italiano. Nel 2012 pubblica il suo primo romanzo, La generazione. Da questo libro è stato tratto il soggetto per il film Tutti i santi giorni di Paolo Virzì; la canzone omonima dei Virginiana Miller presente nel film è vincitrice del David di Donatello come “miglior canzone originale” nel 2013. Nel 2016 il suo romanzo Mali minori vince la 60ª edizione del Premio Ceppo Pistoia.

l duo Salis – Fassi è attivo dal 1985 anche se i musicisti in questione si conoscono dal 1975 e hanno avuto degli incontri musicali fin dal 1978.Nel 1985 hanno inciso il primo disco del duo “Joining” per la Splasch Rec., hanno poi suonato in trio con Alfredo Minotti alle percussioni dal 1988 al 1990. In seguito Fassi e Salis hanno suonato in piccole formazioni con Sandro Satta, Ettore Fioravanti, Riccardo Lay, Paolino Dalla Porta e altri. 
La loro collaborazione è continuata anche all’interno della Tankio Band, sia in concerto che in studio; Salis è presente nei cd “Notte” del 1991,”Tankio Band Plays The Music Of Frank Zappa del 1995 e “Serial Killer” del 2001 dove ha dato un originalissimo contributo alle complesse trame dell’orchestra.

PROGRAMMA DELLA GIORNATA

H.17:00 @ TEATRO SANT’ANDREA

CONGA LAB

Foonterossa Day ospita il laboratorio di percussioni diretto da Simone Padovani, uno dei musicisti dell’etichetta. Gli allievi si esibiranno al fianco di Gabrio Baldacci,

Tony Cattano, Piero Gesuè e Daniele Paoletti.

H.18:00 @ TEATRO SANT’ANDREA

Presentazione del disco “BUSHIDO” – mini showcase e incontro con il pubblico

Una coproduzione Fonterossa/Setola di Maiale/Amirani records

Interverranno gli editori e i musicisti:

Marco Colonna sax baritono, Alberto Masala testi

H.19:30 @ SOTTOBOSCO LIBRI & CAFFE’ 

I MUSICISTI INCONTRANO IL PUBBLICO

Momento conviviale di incotro tra musicisti e pubblico prima dei concerti serali. Un apertivo in musica co:

QUARTETTO ESTEMPORANEO

Tony Cattano trombone, Cristiano Arcelli sax

Piero Bittolo Bon sax, Daniele Paoletti batteria

H.21:00 @ TEATRO SANT’ANDREA: CONCERTO

JU-JU SOUNDS feat. DEE ALEXANDER

Achille Succi sax contralto, clarinetto basso

Paolo Botti banjo, viola

Silvia Bolognesi contrabbasso

Andrea Melani batteria

Dee Alexander voce

H.22:00 @ TEATRO SANT’ANDREA

FONTEROSSA OPEN ORCHESTRA

Dopo aver constatato la morte del talento per mano del pop e aver decretato l’inutilità del genio utile solo per la vendita di sé, l’unica salvezza è la santità in vita. Santi subito. Con l’arrivo del Mago Santo il suono si arricchisce ancor più di richiami e la sezione “elettrica” si trova alle prese con una piccola orchestra di ottoni, legni e corde. Prosegue il tentativo di unire gesti in antitesi, il post punk, la classica, il folk, percorrendo così la via della musica (im)popolare.

Flo ha portato il suo lavoro in tour in vari paesi europei.  Si è esibita in Germania, Spagna, Francia, Portogallo e Italia. Nel 2016 ha suonato a Capo Verde, all’AtlanticMusicExpo.

Ad accompagnarla, sia dal vivo che in studio, da sempre, ci sono: il virtuoso delle percussioni Michele Maione, che alterna cassa, barbouka e tamburi a cornice con oggetti prestati alla musica (lattine di caffè, e quanto altro gli capiti a tiro); Ernesto Nobili alla chitarra acustica ed elettrica (che è anche il suo produttore Artistico, arrangiatore e autore delle musiche) il violoncellista Marco Di Palo, che funge da controcanto strumentale e supporto ritmico da bassista puro.

Flo è una talentuosa cantautrice napoletana molto apprezzata in tutta Italia. È certamente una delle personalità più eclettiche e versatili tra le nuove leve del panorama musicale italiano. Interprete raffinata e autrice originale, Flo ha saputo trasformare le sue esperienze musicali (dal musical “ C’era una volta … Scugnizzi” di Claudio Mattone, alle collaborazioni al fianco di artisti come Lino Cannavacciuolo e Daniele Sepe) in uno stile peculiare ed intenso, in cui lingue e suggestioni si mescolano continuamente. Ha recitato diretta da Davide Iodice, Mimmo Borrelli, Alfredo Arias accordando così il gesto alla vocalità viscerale ed accattivante. A fianco del chitarrista e compositore Ernesto Nobili e più tardi del percussionista Michele Maione e del violoncellista Marco Di Palo, ha inizio nel 2011 la sua carriera da solista. La sua musica è l’evocazione di un altrove, di un sud immenso ed immaginario; è la cronaca di città ed esistenze sospese nel tempo e nello spazio, in perfetto equilibrio tra pietà e disincanto. Il loro suono spregiudicato, ritmico e pulsante li ha condotti in tour in Italia e in Europa. Nel 2014 esce con Agualoca Records “D’amore e di altre cose irreversibili“: un’opera prima, successo di critica e pubblico in Italia e all’Estero. Nel 2016 esce sempre con Agualoca Records “Il mese del rosario”: un disco in cui coesistono il calore dell’indulgenza, la rassicurante memoria delle storie raccontate e il gentile libertinaggio dell’animo umano.