Con “So right” Maria Pia De Vito ripercorre con grande leggerezza il versante jazzistico di Joni Mitchell e ne propone una nuova rilettura. Pittrice di talento, oltre che vera e propria musa ispiratrice di un’intera generazione di musicisti pensanti, Joni Mitchell ha sempre accolto nel suo mondo espressivo generi e linguaggi diversi, utilizzandoli spontaneamente, facendone colori sulla sua personalissima tavolozza. Dalle sue collaborazioni con musicisti quali Charlie Mingus, Wayne Shorter, Jaco Pastorius, Herbie Hancock, sono nate pagine musicali di grandissima originalità e raffinatezza; brani che lei stessa definisce come “audio paintings”. Quadri in cui la parola e i suoi ritmi costituiscono l’ossatura dell’invenzione melodica. Il concerto è dedicato a lei.

Cantante e compositrice, Maria Pia De Vito inizia l’attività concertistica nel 1976 come cantante e polistrumentista in gruppi di ricerca su musica etnica e musica colta dell’area mediterranea, balcanica e sudamericana. Dagli anni ‘80 è attiva in campo jazzistico, collaborando con musicisti fra i quali John Taylor, Ralph Towner, Rita Marcotulli, Ernst Rejiseger, Enrico Rava, Enrico Pieranunzi e molti altri, partecipando a importanti festival internazionali. La sua ricerca sul canto e sulla voce abbraccia diversi campi d’azione: dalla personale elaborazione della lingua e la cultura napoletana attraverso la musica di improvvisazione e l’incontro con culture diverse (il più recente: il Brasile di Guinga, Chico Buarque e Ivan Lins), al free jazz ed elettronica, dalla prossimità con la musica barocca al lavoro sulla forma canzone senza limitazioni di genere. Molto attiva dal 2007 con il duo Dialektos con Huw Warren con cui ha inciso due Cd per l’etichetta Parco della musica, suonando in tutta Europa ed un tour in Estremo Oriente. E’ stata protagonista dell’opera Diario dell’assassinata, presso il Teatro San Carlo di Napoli nell’aprile 2014, sempre con Huw Warren al suo fianco. Ha varato nel 2011 il Progetto Il Pergolese, che ha inciso poi per la prestigiosa etichetta ECM, con François Couturier, Anja Lechner, Michele Rabbia, esibendosi in grandi festival e teatri europei. Nel 2016 si è esibita all’Opera di Lyon in una carte blanche di 5 progetti da lei diretti.

Con Stefano Bagnoli, (tra i vari progetti in cui svolge un ruolo prestigioso ricordiamo ​i seguenti gruppi “Paolo Fresu Devil Quartet”, “Franco Ambrosetti­Randy Brecker Quintet”, “Mazzarino­Fioravanti­Bagnoli Songs Trio”, “Dado Moroni The Cube Quintet” etc)​diventa semplice descrivere la loro musica perchè la stessa rispecchia appieno le caratteristiche umane e artistiche dei tre.

Con Stefano Bagnoli, (tra i vari progetti in cui svolge un ruolo prestigioso ricordiamo ​i seguenti gruppi “Paolo Fresu Devil Quartet”, “Franco Ambrosetti­Randy Brecker Quintet”, “Mazzarino­Fioravanti­Bagnoli Songs Trio”, “Dado Moroni The Cube Quintet” etc)​diventa semplice descrivere la loro musica perchè la stessa rispecchia appieno le caratteristiche umane e artistiche dei tre.

Dopo il già citato inizio elettrico e mosso, attraverso l’dea tutta di Fresu di un nuovo senso di musica “meticciata” o – come la definisce lui stesso, “melange” – molti si domandavano da tempo dove avrebbe potuto approdare la musica del quartetto. L’idea semplicemente “nuova” di Fresu è dunque quella, per certi versi spiazzante, di dare alle stampe un lavoro discografico decisamente diverso dai precedenti che proprio nel fatto di essere un disco completamente acustico e quindi suonato con strumenti completamente acustici (comprese le chitarre di Bebo Ferra e l’uso delle sole spazzole di Bagnoli, del quale uso è un riconosciuto vero maestro) ha il suo punto di forza. Riprendendo alcune parole del famoso articolo di Franchini, in realtà “solo di jazz si tratta, sia pur spinto avanti…”. Ecco, Franchini aveva visto avanti, sondando le potenzialità di questo incredibile combo capace di intrecciare linguaggi ed energia come davvero pochi altri.

I dialoghi di Fresu con tre autentici assi dell’Italian style (termine coniato dal giornalista e musicologo lombardo) restano dunque quelli di altissimo livello qualitativo al quale il gruppo ci aveva abituato. Solo la sostanza viene traslata in territori nuovi e allo stesso modo creativi, sia nei momenti mossi che in quelli più propriamente lirici o melodici. I termini non sono cambiati e, insieme alla consueta vera arte di un Dalla Porta in sistematico stato di grazia e all’incredibile inventiva di un Bagnoli che sembra migliorare e crescere di giorno in giorno si aggiunge la versione semplicemente perfetta del “modus” del fraseggio acustico di Bebo Ferra, alle soglie dell’olimpo chitarristico moderno. Di Fresu, infine, niente di più da dire se non far notare che sembra avere il dono della quasi infallibilità, proponendo il suo unico suono a disposizione di un lavoro che sembra essere stato creato per rispondere con i fatti alla celebre massima di Fedor Dostoevskij, per il quale solo la bellezza salverà il mondo.

Stefano Cocco Cantini, considerato uno dei più grandi interpreti mondiali del sax soprano. Ha registrato oltre trecento dischi con artisti di tutto il mondo ed ha collaborato regolarmente con alcuni tra i più grandi jazzisti internazionali.

Antonello Salis, negli anni settanta ha militato in diversi gruppi rock suonando l’organo Hammond. Dal 1978 è protagonista in piano solo e fisarmonica come ospite dei maggiori jazz festival internazionali. Il suo percorso musicale è costellato da collaborazioni eccellenti e ha ottenuto vari e prestigiosi riconoscimenti a livello internazionale.

Pochi musicisti jazz possono, come lui, essere menzionati come veri innovatori, ed ancora meno possono vantare una carriera che letteralmente ridefinisce il termine “jazz”. Benny Golson ha l’assoluta maestria dello stile jazz, ed oltre ad aver creato partecipato da protagonista alla storia della musica moderna, si è anche espresso come didatta, insegnando a studenti di tutte le eta. Ha tenuto lezioni al Lincoln Center collaborando con Wynton Marsalis, alla new York University e alla National University di San Diego.
E’ accompagnato da uno dei migliori pianisti del panorama Jazz attuale Antonio Farao’, ammirato da Herbie Hancock, ha suonato con i più prestigiosi artisti (Joe Lovano, Jack Dejohnette, Chris Potter, Marcus Miller…). Antonio Faraò è da mettere senza dubbio fra i musicisti europei che hanno raggiunto uno standard espressivo al livello degli americani. Il suo stile è inconfondibile : una brillantezza tecnica con un impetuosa carica emotiva, una notevole vena compositiva e un  travolgente senso ritmico.

Un Trio eclettico capace di spaziare dalle arcaiche voci dell’Isola alla musica tradizionale del Vietnam a una molteplicità di generi e stili dai canti dell’Egitto ai ritmi gitani, dal rock al fado, dal flamenco alla musica giapponese alle culture dell’Africa per trarre ispirazione e creare nuove e suggestive alchimie sonore. Un ensemble dalle molte anime ma dall’impronta squisitamente jazzistica per inediti ed evocativi scenari da cui affiora la memoria di popoli e civiltà del passato, trasfigurata con sensibilità contemporanea in un intrigante gioco di accostamenti e contrasti, interazioni e contaminazioni capaci dimettere in risalto il talento dei tre musicisti e le peculiarità dei singoli strumenti in performances affascinanti e coinvolgenti. La voce del sax s’intreccia alle melodie della chitarra e alle note gravi del basso, sulle metriche incalzanti e i diversi accenti e timbri delle percussioni, per disegnare insoliti paesaggi fatti di note, vibrazioni e pulsazioni tra passione e libertà di invenzione.

Il duo di Alessia Martegiani e Nicola Stilo nasce dalla reciproca passione per la canzone, nella sua forma più pura e levigata. La collaborazione fra i due musicisti è cominciata nel settembre 2014. Il titolo del concerto, “Promenade for Two”, vuole dare conto di un percorso musicale vario che ha i suoi maggiori riferimenti nella nobile forma delle canzoni cosiddette “d’autore”

L’Azienda Borgani è impegnata dagli anni ‘80 nella grande sfida di produrre saxofoni professionali di impostazione moderna, che siano però portatori dell’inconfondibile timbro di quelli costruiti fra gli anni ’50 e ’60, entrati nel mito per il suono ricco, morbido e avvolgente, utilizzati fra i più grandi musicisti del Novecento. Il costante confronto con sassofonisti che provengono da stili differenti ha condotto l’azienda all’ideazione di un’altra innovazione unica: sette leghe sonore che creano sette tipologie di timbri diversi, così da avere uno strumento perfettamente aderente al proprio stile e gusto musicale.

La band infatti si sta candidando sempre di più ad essere senza dubbio tra le migliori orchestre di black music nella scena musicale italiana, proponendo sia musica originale che un repertorio di brani internazionali rivisitati in modo del tutto coinvolgente, frutto non solo del lavoro di arrangiamento del leader Vincenzo Genovese, ma anche della versatilità della sezione ritmica e di solisti di eccezione nella sezione fiati. Gli White Orcs affidano la parte vocale al sound black di Nadyne Rush e Greta Mirall.

I

La storia di Danilo Rea nasce nella sua casa romana, dove incanto e gioco si trasformano in una passione per il pianoforte che diventerà divertimento e oggetto di studio al Conservatorio di Santa Cecilia. Appena maggiorenne esordisce con lo storico Trio di Roma con Enzo Pietropaoli e Roberto Gatto. Con questa formazione, ancora saltuariamente attiva in tempi recenti, e, successivamente, con la creazione dei Doctor 3 (con Pietropaoli e Fabrizio Sferra), Rea ha stabilito la norma del piano trio jazzistico all’italiana. La sua musica è sempre stata caratterizzata da un’unione e una commistione fra i più svariati generi musicali. Da sempre presente e ancora attuale, l’intenso rapporto con la musica classica, lo porta verso la pubblicazione nel 2003 pubblica “Lirico”, in cui miscela lirica e jazz improvvisando sui temi operistici mettendone in luce la grande attualità.  Oltre a essere il primo jazzista ad avere un concerto di piano solo alla sala Santa Cecilia dell’Auditorium Parco della Musica (nel 2003) la sua carriera è ricca di importanti collaborazioni italiane e internazionali. Il 2016 è stato l’anno nel quale, con il tour di Umbria Jazz in Cina, i suoi concerti sono arrivati in alcune fra le città più importanti del mondo. Il 3 Novembre 2016 gli viene consegnato il prestigioso Premio Vittorio De Sica per la Musica.

Stefano Cantini ha suonato con alcuni dei più grandi artisti nazionali ed internazionali come Michel Petrucciani, Chet Baker, Dave Holland, Enrico Rava e Paolo Fresu ed ha al suo attivo numerose incisioni. Ha suonato in molte colonne sonore di film come quelli di Francesco Nuti (Nastro d’argento 1986 con “Stregati”). Il suo primo CD “Niccolina va al mare” è dedicato a Petrucciani mentre con il titolo “l’amico del vento” ha realizzato, con la collaborazione di Grey Cat Festival, un secondo lavoro insieme a Rita Marcotulli, Raffaello Pareti, un quartetto d’archi e le orchestrazioni di Mauro Grossi. E’ del 2010 l’uscita di “Errante” con Fabrizio Bosso, Ramberto Ciammarughi, Michel Benita e Mahu Roche. Sempre del 2010 infine la realizzazione di “Living Coltrane”, con composizioni dedicate alla musica del grande sassofonista.

Ares Tavolazzi  è uno dei più importanti contrabbassisti italiani. L’inizio della sua carriera è contraddistinto da importanti collaborazioni con artisti di musica leggera (Paolo Conte, Francesco Guccini, Mina, Eugenio Finardi, Lucio Battisti ed altri). Dal 1973 al 1983 fa parte dello storico gruppo d’avanguardia AREA. Nel 1982 partecipa al tour italiano dell’ orchestra di Gil Evans. Per tre anni consecutivi (1984-85-86) è figurato primo in una speciale classifica dei bassisti italiani indetta dalla ricista “Guitar club”, compone  per il teatro, tiene seminari e stage in tutta Italia.

Nati nell’inverno del 1998, dopo un’intensa attività live arrivano all’attenzione di Umbria Jazz. Voluti nel 2003 come ospiti in occasione del trentennale del festival, hanno colorato e riempito le strade di Perugia, approdando poi sul palco di un entusiasta James Brown. Da allora la band è stata sempre presente in tutte le altre edizioni del celebre festival perugino. I Funk Off in questi anni hanno collaborato con Paolo Fresu, David Liebman, Horacio “El Negro” Hernandez, Stefano Bollani, Gegè Telesforo, Maurizio Giammarco, Fabrizio Bosso, Marco Tamburini, Gianluca Petrella, Antonello Salis, Bengi Benati, Crystal Whyte. Hanno inoltre suonato assieme a Zucchero sul palco dello Sugar Night 2000, hanno aperto cinque concerti del tour Il Quinto Mondo di Jovanotti. Fuori dall’Italia hanno suonato in Grecia, in Francia, in Portogallo, Turchia, negli Stati Uniti, in Australia, Spagna e Brasile. Hanno inoltre partecipato allo show di Renzo Arbore su RAI 1, Speciale per Me e sono saliti sul Palco di Sanremo con Alexia durante il 55° Festival della canzone italiana. Nel 2007 esce Jazz On, edito Blue Note. Nel 2008 sono stati band resident in due puntate di “SCALO 76” su RAI2. Nel 2010 per la My Favorite Records esce Una Banda Così album che vede la presenza di ospiti prestigiosi come Horacio “El Negro” Hernandez, Antonello Salis, Gianluca Petrella e Fabrizio Bosso. Sempre nel 2010 hanno partecipato alla trasmissione televisiva “Barbareschi Sciock” su La7 e hanno suonato al grande concerto del 1° Maggio a Roma di fronte a 500.000 persone in diretta su Rai 3 e RadioRai 2. Nel settembre 2010 è stata pubblicata, all’interno della collana Jazz Carish, la raccolta degli spartiti dei brani contenuti nel loro CD Una banda così.

Nel giugno 2011 sono stati l’unico gruppo italiano a partecipare al “BMW Jazz Festival” a San Paolo del Brasilee a settembre sono stati ospiti della trasmissione televisiva “Sostiene Bollani” su Rai3.

Mauro Grossi

Musicista con una formazione musicale fondata sia su basi accademiche che moderne, è diplomato in pianoforte presso l’Istituto Mascagni di Livorno. Noto didatta, ha avuto fra i suoi allevi numerosi musicisti jazz italiani fra cui Stefano Bollani; Ha collaborato con i migliori musicisti italiani ed internazionali. Ha realizzato importanti ricerche su manoscritti di inediti di Chet Baker, è

autore o coautore di colonne sonore fra cui la title-track del film di Roberto Faenza “Prendimi l’Anima”.

Gianluca Esposito

E’ un sassofonista e compositore abruzzese conosciuto in ambito nazionale ed internazionale. Diplomato al Conservatorio di L’Aquila, si avvicina al jazz frequentando per diversi anni i corsi del “C.P.M.” di Siena Jazz ed il Berklee College di Boston. Ha collaborato con artisti del calibro di Steve Grossman, Fabrizio Bosso, Flavio Boltro, Bob Mintzer e Jason Marsalis e ha pubblicato 5 dischi da leader: Jatzia, Little Groove, Conversation with a Big Man, Biancoscuro e The Hammer. Dal vivo si cimenta in un repertorio che spazia dallo swing, al funky, al latin, rispecchiano il suo stile eclettico.

Pianista e compositrice, Makiko Hirabayashi ha ricevuto particolari menzioni nell’ambito della scena jazz già subito dopo la pubblicazione del suo primo album per trio, nel 2006: la freschezza delle sue composizioni e il vibrante interplay all’interno hanno catturato l’attenzione di numerosi ascoltatori in tutto il mondo. È una musicista cosmopolita, il cui background multiculturale si riflette nella sua musica, fondendo elementi di jazz, classica, sonorità dell’estremo oriente e del nord Europa. Makiko Hirabayashi ha pubblicato sei album da leader, tre dei quali con il trio composto dal batterista e percussionista Marilyn Mazur e dal bassista Klavs Hovman per l’etichetta tedesca Enja. Il loro secondo album, “Hide And Seek” (2009), ha vinto due premi assegnati dalla Jazz Critique Magazine, per il suono e la composizione. Del 2016 è, invece, “Gong”, album di Makiko in duo con Bob Rockwell. Tra gli altri progetti, si trova “Binocular”, con il trombettista Flemming Agerskov e Francesco Cali alla fisarmonica, con i quali Hirabayashi ha registrato il loro album di debutto al leggendario Rainbow Studio di Oslo nel 2011.

Enrico Rava è sicuramente il jazzista italiano più conosciuto ed apprezzato a livello internazionale. Da sempre impegnato nelle esperienze più diverse e più stimolanti, è apparso sulla scena jazzistica a metà degli anni sessanta, imponendosi rapidamente come uno dei più convincenti solisti del jazz europeo. Molto nutrito è l’elenco delle sue prestigiose collaborazioni: Franco D’Andrea, Massimo Urbani, Stefano Bollani, Pat Metheny, Archie Shepp, Michel Petrucciani, solo per citarne alcuni. Di recente, oltre al suo Rava Tribe (insieme a Gianluca Petrella, Giovanni Guidi, Gabriele Evangelista e Fabrizio Sferra) ama esibirsi con il quartetto di recentissima costituzione con Francesco Diodati alla chitarra, Gabriele Evangelista al contrabbasso ed Enrico Morello alla batteria, con i quali ha inciso l’album “Wild Dance”. Enrico Rava è stato in tour in duo con Geri Allen e in quintetto con Tomasz Stanko. Inoltre, quest’anno è uscito il film documentario “Enrico Rava. Note necessarie” diretto dalla regista Monica Affatato.

Stefano Marini è un giovane chitarrista, studente presso Siena Jazz.  Dal 2015 (anno in cui inizia il conservatorio) ha avuto occasioni di esibirsi in compagnia di diversi musicisti della scena italiana. Ha partecipato alle due scorse edizioni del Grey Cat Festival, Novara Jazz, Barga Jazz, nell’inverno 2018 ha proposto, in una formazione tutta sua ma impreziosita dalla presenza di Achille Succi al sax, la sua interpretazione di classici e standard, ma anche brani originali.

Anche in questo altro appuntamento con la musica improvvisata si unisce a Michelangelo Scandroglio al contrabbasso e insieme a loro Simone Brilli alla batteria e Paolo Petrecchi alla tromba. Michelangelo Scandroglio, da diversi anni  è vincitore e finalista di numerosi concorsi e borse di studio e ha già avuto l’occasione di suonare con alcuni dei più importanti musicisti della scena nazionale e internazionale.