Il cantante e griot senegalese Badara Seck porta sul palco un viaggio musicale che unisce radici africane e sensibilità contemporanea. Accompagnato da kora, chitarra, basso e percussioni, intreccia suoni e parole in una performance intensa e coinvolgente.

Attraverso la tradizione orale dei griot – poeti, cantastorie e custodi della memoria – Seck racconta identità, culture e speranze. La sua musica si fa strumento di dialogo tra i popoli, con un messaggio profondo: la pace si costruisce anche attraverso l’ascolto, la parola e il suono condiviso.

Ingresso fino ad esaurimento posti disponibili

Super Bad è un progetto di musica funk, fondato a Firenze nel 2018 dal sassofonista Marco Caponi (già musicista dei Dirotta su Cuba, Drusilla Foer, Alessandro Cattelan & Street Clerks, Funkoff, Paolo Ruffini, Lorenzo Baglioni).
La formazione trae ispirazione dai padri fondatori del genere ma volge uno sguardo al futuro con un personalissimo crossover di funk, rock, jazz ed elettronica.
I Super Bad hanno collezionato numerosi concerti e partecipazioni a festival e rassegne jazz, tra cui Grey Cat Jazz Festival, Andora Jazz, Giotto Jazz, Arno Vivo e JAZZMI. 

Il primo disco è stato registrato presso l’House Of Glass di Gianni Bini, editato al LEP Studio di Cento da Luca Leprotti, mixato e masterizzato al Green Brain Studio da Stefano Bechini. Gli ospiti sono stati registrati al GRS Studio da Emanuele Braca.

Composizioni, arrangiamenti e produzione artistica sono interamente della band.

Tra gli ospiti spiccano Dario Cecchini (Funkoff) al sax baritono e flauto traverso, Riccardo Onori (Jovanotti) alla chitarra, Franco Santarnecchi (Jovanotti) alle tastiere e Fabrizio Ganugi al Saz.

Ingresso 12 € / € 10 ridotto

Migliaia di ore di performance collettiva hanno portato Steve Coleman e i suoi Five Elements a creare questa musica fluida e libera, in cui figure e composizioni spontanee si intrecciano in tempo reale. La collaborazione è democratica, con ogni strumento che apporta un contributo ritmico e tonale contemporaneamente. L’interazione è facilitata dalla disposizione del palco a semicerchio, che – simile a un cerchio di tamburi – consente il contatto visivo e altri segnali impliciti che possono indirizzare immediatamente la musica in una direzione completamente diversa. Questi rapidi giri di frase sono particolarmente caratteristici dei Five Elements, così come le lunghe linee staccate. Ancora una volta, si viene a mente un suono di tamburi accordati e si rafforza l’impressione che questa sia chiaramente musica della diaspora africana. (PI Recordings)

Ingresso € 18/16 (riduzione) + d.p. – punto vendita presso Pro Loco San Giovanni Valdarno Piazza Cavour – tel 055 9126268

Polistrumentista, compositore, cantante e poeta, Eric Mingus dà vita a un concerto unico che intreccia soul, blues, rhythm & blues e rock in un omaggio alla musica e alle voci che lo hanno ispirato nel corso degli anni. 

Figlio del leggendario Charles Mingus, è immerso nella tradizione del jazz fin dalla nascita e trasforma quelle radici in un linguaggio personale originale che attraversa generi e confini.
Fin da bambino ha studiato con lui violoncello e teoria musicale, ha preso lezioni di batteria da Dannie Richmond per poi passare al contrabbasso. Dopo aver studiato canto e basso con alcune figure di spicco del mondo jazz ha partecipato come cantante alle tournée di Carla Bley, Bobby McFerrin e Karen Mantler.

Nel maggio 2023, Eric Mingus ha presentato con Yo-Yo Ma la prima parte di un’opera dedicata alla storia della sua famiglia al Mingus Mill in North Carolina, nel luogo di sepoltura dei suoi antenati schiavizzati. Tra i suoi progetti recenti figurano composizioni e performance per il Berlin Jazz Festival, l’iniziativa Our Common Nature di Yo-Yo Ma e il Centre Culturel Irlandais di Parigi. Ha collaborato con artisti come Howard Johnson e David Amram. Ha lavorato con la musica del padre, cantando nell’album della Mingus Dynasty “Blues and Politics” e più recentemente scrivendo i testi per la sua performance vocale in “Work Song” con la Mingus Big Band in The Charles Mingus Centennial Sessions. Attivo come educatore e performer, tiene regolarmente workshop, masterclass e conferenze in istituzioni e festival internazionali.

In collaborazione con Toscana Produzione Musica

Ingresso gratuito fino ad esaurimento posti

Con 10 Grammy Awards, 10 Dove Awards, 2 NAACP Image Awards, un Soul Train Award e molti altri riconoscimenti, i Take 6 continuano a incantare il pubblico di tutto il mondo con le loro straordinarie doti vocali. Nell’aprile 2018 hanno pubblicato il loro sedicesimo album, intitolato appropriatamente ICONIC, e hanno debuttato con uno speciale PBS, The Summit, insieme ai Manhattan Transfer.

Per l’occasione i Take 6 saranno accompagnati dalla Medit Orchestra diretta da Angelo Valori.

In apertura i Vocal Blue Trains, coro poliedrico che sposa l’impronta corale del gospel e della polifonia tradizionale con le moderne sonorità della musica elettronica e dell’ambient house, diretto da Alessandro Gerini.

Biglietti

Settore unico  € 28/ 26 rid. + d.p.

Con l’uscita di Caribe, la compositrice, violoncellista e cantante cubana Ana Carla Maza si riconnette in piena libertà alla musica della sua formazione all’Avana e alle radici latino-americane. L’album, autoprodotto e registrato in sestetto, è un ritorno alle descargas (jam) cubane degli anni Cinquanta con abbondanti e gioiose deviazioni verso le rumbas dei Caraibi, il tango dell’Argentina e flirt con la samba e il jazz bossa nova del Brasile.

Con Caribe, Ana Carla porta gli ascoltatori in un vivace viaggio musicale, passando senza sforzo dalle rumbas vivaci dei Caraibi, ai tanghi emozionali dell’Argentina,ai ritmi  morbidi del bossa-jazz della samba brasiliana.

Radicato nella sua eredità cubana, questo album è stato celebrato dalla stampa internazionale e ha vinto prestigiosi premi, come il Transglobal World Music Chart per il Miglior Album dell’America del Nord e Centrale e dei Caraibi.

Ph Oreana Nuñez

Biglietti

I settore € 30/28 rid. + d.p.

II settore € 25/ 23 rid. + d.p.

Sergio Cammariere, noto per la sua eleganza artistica e il suo carisma al pianoforte, celebra trent’anni di carriera con un progetto unico e intimo: Piano Solo e Voce. Questo concerto nasce dal desiderio dei fan di ascoltare il maestro in una veste pura, in cui si esibisce solo con il suo strumento e la sua voce. Ad arricchire l’esperienza musicale, Cammariere sarà affiancato in alcune composizioni dagli ospiti speciali Giovanna Famulari al violoncello e Daniele Tittarelli al sax soprano. 

Le sue melodie, spoglie di ogni artificio, catturano l’essenza della sua arte, unendo musica, cinema, teatro e letteratura in un’esperienza unica, dando vita a un concerto che fonde jazz, ritmi latini e sudamericani attraverso la sua intensa e raffinata espressività. Una performance pensata per esaltare l’armonia tra le diverse forme d’arte e per avvicinare il grande pubblico.

Ogni composizione esplora vari generi musicali, dal minimalismo sperimentale al blues, dalla canzone d’autore al jazz. Il pianismo raffinato di Cammariere ci trasporta in un mondo ricco di colori, accogliente e profondamente emozionante. La performance includerà i classici di Sergio e brani tratti dal suo ultimo lavoro discografico, “Una Sola Giornata”. Questo album, ricco di ispirazione, contiene tracce inedite frutto della collaborazione tra il pianoforte di Cammariere e i testi di Roberto Kunstler. Le canzoni conducono l’ascoltatore in un viaggio senza confini, dove musica e poesia si fondono armoniosamente. L’affinità tra i tre musicisti si manifesta nella loro collaborazione artistica. Sergio Cammariere, Giovanna Famulari e Daniele Tittarelli condividono una passione profonda per la musica e un desiderio comune di esplorare nuovi orizzonti sonori. La loro sintonia musicale è evidente nelle performance, dove ogni nota è eseguita con precisione e sensibilità. Questo progetto non rappresenta solo un punto culminante nella carriera di Cammariere, ma anche un momento di connessione artistica tra tre talenti straordinari.

Ingresso € 25 / € 23 ridotto under 25

Con oltre 18 anni di esperienza nell’industria musicale, Hilder Brando Osorno, alias KillabeaterMaker, è un produttore musicale colombiano che combina

Ritmi colombiani con Afrobeats, Amapiano e Cumbia. La sua conoscenza della musica tradizionale indigena sudamericana gli ha permesso di produrre e stampare musica elettronica e da club globale per un vasto pubblico. Ha condiviso una nomination ai Latin Grammy nel 2014 come tecnico del suono con un progetto che ha vinto anche un premio del canale televisivo Nickelodeon Don Tetto.

KILLABEATMAKER non è solo un DJ affermato, ma ha anche creato una vivace band dal vivo che si esibisce in tutto il mondo, davanti a migliaia di persone in Europa e nelle Americhe. Il suo spettacolo offre una combinazione di groove e misticismo, attraverso un’esibizione energica con strumenti unici provenienti dalla madrepatria. A coronamento di tutto ciò, l’etichetta discografica e lo studio di registrazione di KILLABEATMAKER, RADIOCALIENTE Music, sono cresciuti costantemente e sono stati persino invitati a partecipare al SWSX e all’evento dance di Amsterdam.

Ingresso gratuito

Cos’è la musica siciliana? Quali sono le radici profonde? Questo è il tormento, la ricerca, quasi la vocazione di Alessio Bondì che ha riversato, con tutto il suo fragore artistico, in “Runnegghiè”, il suo quarto lavoro in studio.

Un disco che nasce da uno sguardo critico sulla musica popolare, dalla visione sulla tradizione come materia da studiare e rifondare di volta in volta, aperta alle diverse influenze, linguaggi, mode. Il popolare non è solo un insieme di note o di timbri ma uno spirito con cui si comunica: è una questione di appartenenza.

Da tempo, infatti, Alessio Bondì ha iniziato a cercare e ricercare, fino a quando non si è imbattuto negli archivi etnomusicologici e nei documenti sonori registrati nel secondo dopoguerra in quella Sicilia rurale che usava ancora la musica come verso animale, rito, preghiera e che da lì a poco sarebbe stata stroncata dalla contemporaneità.

Il “corpo a corpo” con questa materia ha scosso profondamente Bondì, che ha iniziato a impararne le modalità di canto, le scale e a trasformare la sua scrittura, il modo di arrangiare, lo sguardo sulla Sicilia, su sé stesso.

Ingresso fino ad esaurimento posti disponibili

LORENZA BAUDO “Cafè Tango”

Lorenza Baudo voce / Rita di Tizio fisarmonica

Con Café Tango – pasiòn porteña si propone non solo una reinterpretazione dei brani più significativi della storia del tango, ma anche la lettura di alcune poesie e di testimonianze che faranno conoscere più da vicino gli artisti di questo genere coinvolgente e ricco di sfaccettature. Si soffermerà in particolare su Astor Piazzolla, autore della rivoluzione musicale del nuevo tango: lo spirito con cui verrà suonato sarà proprio quello con cui questo grande musicista, ovvero quello libero e contaminato che  assorbì dal jazz.  

ORCHESTRA DELLA SCUOLA DI MUSICA DI FOLLONICA

Il gruppo di insieme della Scuola Comunale di Musica di Follonica è un progetto che decolla proprio in occasione del Festival; vi partecipano 20 allievi ed insegnanti della Scuola, diretti da Stefano Cantini, con un repertorio che ricorda la storia delle grandi orchestre di jazz, da Jobim a Count Basie.  

Ingresso € 5 + d.p.

GABRIELE MILANI “Sound of Today”

Gabriele Milani tromba / Emanuele Ferrone piano /Alessandro Chiavoni batteria / Luca Tonini basso

Il quartetto “Sounds of today” presenta un repertorio composto da brani originali e cover molto ricercate, proponendo pezzi di musicisti come Esperanza Spalding, Roy Hargrove, Fabrizio Bosso, Wayne Shorter, Micheal Brecker e Luca Mannutza. 

DIXIE SWING CHIC BAND

Andrea Lagi tromba / Davide Salvestroni susafono / Gianni Cerone batteria / Caterina Costanti voce / Alessandro Riccucci sax

Un’eclettica e rodata formazione che si propone con un ampio repertorio jazz in chiave dixie, spaziando da composizioni originali a musiche da film e brani della tradizione, divertendosi a rileggere in chiave swing brani della tradizione musicale leggera italiana.

Ingresso € 5 + d.p.

PAOLO MACCIANTI Affrico Blue 4tet

Paolo Maccianti batteria / Filippo Lepri tromba / Marco Morandi piano / Stefano Lepri contrabbasso

Jazz contemporaneo da grandi autori e originals. Un sound riflessivo ma pulsante, nato e affinato tra le rive dell’Affrico, torrente fiorentino cantato da Boccaccio e D’Annunzio, e le colline toscane. Il quartetto presenta il progetto “Leaving”, suonato con passione ed entusiasmo.

MINT JAM 4TET

Riccardo Butelli batteria / Nino Pistolesi pianoforte / Yuri Nocerino sax / Daniele Nannini basso

Nasce dalla voglia e dall’esigenza dei musicisti che lo compongono di suonare e approfondire le varie sfaccettature  e le espressioni che la musica Jazz moderna ha sollecitato nel corso degli anni. Il risultato è una “JAM” di stili e di autori che hanno modificato il concetto più “swing”associato alla musica Jazz. Fusion ,Trap Jazz ,Funk,Nu Jazz fanno parte di un universo di creatività,improvvisazione, ricerca sonora, groove, elettronica che si consolidano nell’espressione del Jazz moderno 

Ingresso € 5 + d.p.

“Gospel Experience” è un progetto musicale diretto dal compositore e arrangiatore italiano Vincenzo Genovese. Il progetto, nato nel 2022, si inserisce all’interno del genere gospel contemporaneo, mescolando le tradizionali sonorità del gospel afroamericano con influenze jazz, soul e musica classica, e si distingue per la sua capacità di creare un’esperienza emotiva intensa, attraverso l’uso di potenti armonie corali e la partecipazione di solisti carismatici. Ogni brano dell’opera esplora tematiche di spiritualità, speranza e redenzione, che sono al cuore della tradizione gospel.

Biglietti intero € 20 / ridotto 18 € under 25 e soci ARCI + d.p.

Dimensione poetica, energia, creatività, sono l’origine del recente sodalizio tra Fabrizio Bosso e Bebo Ferra. Il comune denominatore è certamente il jazz, inteso come pensiero e linguaggio in continua trasformazione e perenne ricerca di nuove sintesi. Brani originali, standard, ma anche altro, fino al Brasile, altra passione comune.

L’amore per la melodia unita alla profonda conoscenza della tradizione jazzistica, l’interazione e lo scambio dei ruoli fra i due strumenti, supportati dalla tensione creativa e dall’empatia ritmica tra i due artisti, danno vita a una musica dinamica, ricca di sfumature e al tempo stesso di grande impatto.

Ingresso fino ad esaurimento posti disponibili

Un trio storico della musica jazz italiana e non solo si rincontra rinnovando la loro capacità creativa: il trio Roberto Gatto, Ares Tavolazzi e Francesco Maccianti propone sul palco un concerto straordinario.

Di formazione classica, Maccianti vanta una carriera di forte valore artistico, dalle collaborazioni con alcuni dei più importanti musicisti italiani (Pietro Tonolo, Paolo Fresu, Enrico Rava, Luca Flores, Marco Tamburini, Roberto Rossi, ) e stranieri (Eddie Lockjaw Davis, Harry Sweets Edison, Sal Nistico, Richie Cole, Joe Chambers, Airto Moreira, Flora Purim), all’impegno nell’insegnamento presso il Centro Attività Musicali, di cui è co-fondatore.

Rinomato batterista italiano all’estero, esecutore dalla tecnica perfetta, la produzione di Roberto Gatto è caratterizzata da una ricerca timbrica raffinata, che dà i suoi frutti migliori in esecuzioni caratterizzate dal calore tipico della cultura Mediterranea.

Dalle collaborazioni con artisti di musica leggera (Paolo Conte, Francesco Guccini, Mina, Eugenio Finardi, Lucio Battisti) all’ingresso nello storico gruppo degli AREA, Ares Tavolazzi non è solo un contrabbassista di talento, ma anche un grande compositore per il teatro.

Ingresso gratuito

L’arte e la magia di Peppe Barra tornano a incantare il pubblico: il grande maestro della tradizione musicale partenopea ripropone i suoi più grandi successi in uno spettacolo che attraversa la sua straordinaria carriera.

Con la sua voce inconfondibile e la sua inimitabile capacità di fondere teatro, musica e poesia, Peppe Barra porta in scena un viaggio emozionante tra le radici della cultura napoletana, reinterpretate con il suo stile unico. Un’esperienza intensa e coinvolgente, dove tradizione e innovazione si incontrano in un racconto carico di passione, ironia e suggestione.

Lo spettacolo celebra la grande arte di Peppe Barra, con un repertorio che abbraccia la canzone classica napoletana, brani originali e interpretazioni che hanno lasciato il segno nella sua carriera. Un appuntamento imperdibile per chi ama la musica d’autore e il teatro che emoziona.

Ingresso primi posti € 28/ € 26 rid. + d.p. secondo posti € 22/ € 20 rid. + d.p.

Avishai Cohen è riconosciuto a livello globale come un musicista dal suono inconfondibile e dallo spirito esplorativo, un artista sempre creativo che, in qualità di compositore ed esecutore, si apre a molteplici influenze del jazz, attivo sia come leader, co-leader e sideman. Oltre al lavoro acclamato con il suo quartetto negli ultimi anni e, in precedenza, con il trio sotto il nome di Triveni, il trombettista ha registrato e girato il mondo come parte del Mark Turner Quartet, del SFJAZZ Collective, di Jazz100, di Zakir Hussain e del 3 Cohens Sextet, insieme alla sorella, la clarinettista e sassofonista Anat, e al fratello, il sassofonista Yuval.

Nel 2024, Cohen ha pubblicato il suo nuovo album, Ashes to Gold, un’esplorazione profondamente introspettiva e ricca di sfumature sui passaggi della vita e il rinnovamento. L’album mette in luce la capacità di Cohen di fondere bellezza lirica e brillantezza tecnica, consolidando ulteriormente la sua reputazione di innovatore nel jazz contemporaneo.

Nominato Direttore Artistico dell’International Jerusalem Festival, Cohen è stato anche votato per tre volte consecutive come Rising Star nel DownBeat Critics Poll.

“Cohen è un musicista jazz multiculturale, tra i cui antenati figura Miles Davis. Come Davis, riesce a trasformare la tromba in un veicolo capace di esprimere i più toccanti lamenti umani.”
(JazzTimes)

“…sul palco, il trombettista trasmette tutte le sfumature e l’ispirazione del momento.”
(Télérama)

“Avishai Cohen è diventato, quasi in sordina, uno dei trombettisti più creativi del jazz.”
(JazzTimes)

Ingresso € 20/18 rid. + d.p.

Il concerto di Matt Elliott è un’esperienza intima e profondamente suggestiva, un percorso musicale che guida il pubblico attraverso paesaggi sonori carichi di emozione. Con la sua voce profonda e intensa e una chitarra acustica suonata con sensibilità quasi rituale, Elliott costruisce universi musicali sospesi tra delicatezza e inquietudine. Il suo stile si muove tra folk oscuro, minimalismo, sperimentazione elettronica e suggestioni post-rock, creando un linguaggio espressivo unico nel panorama musicale contemporaneo.

Le sue composizioni si sviluppano lentamente, avvolgendo l’ascoltatore in atmosfere ipnotiche, dove le melodie si intrecciano con riverberi elettronici, droni sottili e armonie malinconiche. I suoi live sono momenti di ascolto profondo, quasi meditativi, capaci di toccare corde emotive sottili e universali.

Biografia

Originario di Bristol (UK), Matt Elliott ha iniziato la sua carriera negli anni ’90 con il progetto elettronico The Third Eye Foundation, divenuto rapidamente un nome di culto nel mondo dell’elettronica sperimentale grazie a un suono cupo, frastagliato e carico di tensione emotiva.

A partire dagli anni 2000, Elliott ha intrapreso un nuovo percorso artistico con album a suo nome, spostandosi verso un cantautorato folk venato di influenze dell’Europa dell’Est, dove convivono elementi della musica tradizionale, della chanson francese e di certa avanguardia colta. Opere come Drinking Songs, Failing Songs e The Calm Before lo hanno consacrato come una delle voci più originali e intense della scena indipendente europea.

Nel corso degli anni ha collaborato con artisti di ambiti diversi, mantenendo sempre una coerenza stilistica e un forte senso poetico. Ogni suo concerto è una confessione sussurrata, una narrazione sonora che unisce fragilità e bellezza, lasciando un segno profondo in chi ascolta.

Ingresso € 10 / € 8

Katyna Ranieri 100 è il progetto di Valentina Toni dedicato alla grande interprete di origine follonichese Katyna Ranieri, con la partecipazione straordinaria di Stefano Cocco Cantini.

Katyna Ranieri, cantante e attrice dalla voce delicata e duttile e sensuale acclamata non solo Italia ma anche all’estero: inizia la sua carriera a Sanremo con Canzone da due soldi, anticipando il passaggio dalla canzone tradizionale italiana a uno stile più libero.

Valentina Toni è una cantante e attrice dalla voce intensa e versatile, capace di spaziare tra jazz, musica d’autore e sperimentazione. Con una solida formazione teatrale e musicale, ha collaborato con importanti artisti della scena italiana, distinguendosi per l’eleganza interpretativa, la sensibilità artistica e la capacità di fondere parole e melodie in modo unico.

Ingresso € 15/13 rid. + d.p

I Newen Afrobeat sono una band cilena che porta l’energia e il messaggio politico dell’afrobeat nel mondo. Ispirati da Fela Kuti, mescolano ritmi africani, fiati incalzanti e sonorità latinoamericane, creando un sound potente e coinvolgente. Le loro performance dal vivo sono esplosive, cariche di groove e di un forte impegno sociale. Con tournée internazionali e collaborazioni prestigiose, hanno conquistato pubblico e critica. La loro musica è un invito alla danza e alla riflessione, un ponte tra culture e continenti.

Ingresso gratuito

Tre artiste, cantanti e polistrumentiste, unite dal desiderio di sperimentare mescolanze di suoni e colori di mondi diversi, partendo dalla storia musicale di ognuna, esplorano un repertorio che spazia dalla tradizione popolare di Brasile e non solo a brani originali rivisitati o composti a sei mani. 

Barbara Casini, cantante, chitarrista e cantautrice, da  anni si dedica allo studio e alla diffusione della musica popolare brasiliana. Ha soggiornato a lungo in Brasile conquistandosi la stima degli artisti brasiliani che la considerano una vera e propria ambasciatrice della loro musica nel mondo. Ha collaborato con importanti personaggi della scena jazz e brasiliana italiana e internazionale, come Enrico Rava, Stefano Bollani, Fabrizio Bosso, Phil Woods, Lee Konitz, Toninho Horta, Guinga; ha guidato varie formazioni con le quali ha inciso una ventina di cd che comprendono sia brani di sua composizione sia riletture monografiche  grandi autori, e sia proponendo interessanti commistioni di generi, come il disco Vento (2000), inciso insieme a Enrico Rava con un’orchestra da camera (Accademia Filarmonica della Scala), e Agora Tá (2012) con una big band (Orchestra Jazz della Sardegna), entrambi con gli arrangiamenti di Paolo Silvestri.  Ha scritto un libro di interviste con grandi compositori Brasiliani, “Se tutto è musica” uscito nel 2012 per Angelica Editore. Per l’etichetta italiana Encore Music  ha pubblicato nel 2020  Viva Eu, registrato a Rio  de Janeiro con Toninho Horta e con ospiti del calibro di Chico Buarque, Edu Lobo, Joyce Moreno e molti altri.

Anaïs Drago è considerata tra i più talentuosi violinisti del panorama italiano. La sua musica spazia tra diverse sonorità, inclusa l’improvvisazione libera, la musica elettroacustica, il jazz, la world music e il pop. Come band leader può vantare la partecipazione ai principali festival jazz italiani, tra cui Umbria Jazz, Time in Jazz, Torino Jazz Festival, Bergamo Jazz Festival, nonché la collaborazione in duo con il grande Enrico Rava. Nel gennaio del 2022, è stata eletta miglior nuovo talento del panorama italiano dalla rivista Musica Jazz, confermando così il suo valore e il suo contributo alla scena musicale nazionale. Anaïs Drago è un’artista eclettica che si distingue per la sua versatilità e per la sua capacità di spaziare tra diverse sonorità musicali.

Barbara Piperno, flauto, voce, partita da una formazione classica, ben presto ha iniziato a sperimentare altri generi musicali, esibendosi in Italia e all’estero e partecipando alla registrazione di diversi dischi. I suoi interessi musicali l’hanno spinta nel 2011 ad approfondire la musica popolare brasiliana e in particolare il genere Choro, attraverso un viaggio di ricerca e studio che l’ha portata in Brasile nel 2012. Tornata in Italia, ha registrato il primo album del progetto Choro de Rua, “Chorando na Toscana”, insieme al chitarrista e mandolinista brasiliano Marco Ruviaro e al fisarmonicista Paolo Papalini. Nel 2013 ha inciso il primo disco col quintetto “Circolo Odeòn” nel quale, oltre alla letteratura dello Choro, affronta la rilettura di alcuni brani d’autore del liscio romagnolo e della filuzzi bolognese.

Ingresso gratuito fino ad esaurimento posti

Dopo Pianocorde e StrayHorns dedicati rispettivamente agli archi ed agli ottoni, Alessandro Fabbri torna con un lavoro dedicato alla famiglia dei legni. L’organico si avvale di una peculiare versione del quintetto di fiati in cui la tradizionale presenza del flauto, del corno, del fagotto e dell’oboe, sono affiancati dai saxes e dall’”ewi”, uno strumento digitale, in varie combinazioni che fanno di Five Winds un’ampia tavolozza cromatica.

Il repertorio, quanto mai variegato, comprende composizioni originali di Fabbri appositamente pensate per la formazione, oltre ad elaborazioni di brani di autori del jazz contemporaneo come Four Winds di Dave Holland, Silent Brother di Luca Flores od ancora No Baby di Steve Lacy, anche questi arrangiati e curati dal batterista. Una essenziale sezione ritmica completa l’organico.

Five Winds si avvale della partecipazione di un solista prestigioso: Pietro Tonolo, uno dei maggiori sassofonisti che il jazz contemporaneo, non solo europeo, ci invidia.

Ingresso € 12/ € 10 rid. + d.p.

Il noto cantautore genovese Francesco Baccini, il jazzista di fama internazionale Mauro Ottolini e l’Orchestra Ottovolante, si uniranno in un inedito connubio musicale.

Durante la serata avremo il piacere di ascoltare un tributo alla grande musica italiana, dai successi di Francesco Baccini, tra i quali ricordiamo Sotto questo sole, brano con il quale vince il Festivalbar nel 1990 in coppia con Paolo Belli e i Ladri di Biciclette, Le donne di Modena, ai grandi classici del cantautorato reinterpretati con arrangiamenti originali dal sapore latino da Mauro Ottolini e l’Orchestra Ottovolante, tra questi Fred Buscaglione, Renato Carosone, Domenico Modugno, Gorni Kramer, Trio Lescano, Natalino Otto, Fatima Robin’s e molti altri.

Ingresso Gratuito

Maurizio Geri, chitarrista e cantante toscano, esplora nuove traiettorie musicali con il progetto La Strada, insieme al fisarmonicista Giacomo Tosti. Il duo fonde sonorità manouche, echi mediterranei e suggestioni cinematografiche in un viaggio sonoro intenso e poetico. Le composizioni evocano paesaggi interiori e visioni in movimento, tra tradizione e sperimentazione. Un incontro raffinato tra corde e mantice, nel segno dell’emozione e della narrazione.

Ingresso € 12/10 rid. + d.p.

Rosario Bonaccorso, il noto contrabbassista e compositore ligure di origini siciliane, presenta il nuovo progetto “Senza far Rumore”.   Al suo fianco troviamo quattro straordinari artisti, l´acclamata pianista  tedesca Olivia Trummer (piano e voce), il virtuoso trombettista Fulvio Sigurtà, il celebrato chitarrista brasiliano Roberto Taufic e il sorprendente Fausto Beccalossi, uno dei piú apprezzati fisarmonicisti italiani.

Con questo nuovo album dal titolo “Senza far Rumore” Rosario Bonaccorso ci  racconta una nuova e bella storia in musica. Nelle 14 tracce dell´album, ballad riflessive si alternano a momenti energetici e ricchi di improvvisazione e di divertimento musicale; cosí come interessanti arrangiamenti evidenziano l’amore del contrabbassista per un certa essenzialitá sonora e per la musica brasiliana. 

Rosario Bonaccorso qui ci propone anche alcuni testi scritti di suo pugno. La sua penna ha tracciato con  sguardo introspettivo delicati pensieri su importanti temi della vita.. melodie che a volte canta con un filo di voce, come se narrasse poesie,  a volte con gioiosa verve, come per riscoprire la vita.  

Affidare le sue nuove composizioni al tocco magistrale di fuoriclasse come Olivia Trummer, Fulvio Sigurtá, Roberto Taufic e Fausto Beccalossi, artisti stimati a livello internazionale, non poteva essere scelta migliore.  In questo lavoro discografico il loro insieme sonoro diventa un caleidoscopio di colori, di emozioni e di dinamiche; e tutto il suono interiore di questi cinque artisti e le loro affinità musicali, diventano una voce unica nella poetica compositiva di Bonaccorso. 

Ingresso € 15/13 rid. + d.p.

Tre artiste, cantanti e polistrumentiste, unite dal desiderio di sperimentare mescolanze di suoni e colori di mondi diversi, partendo dalla storia musicale di ognuna, esplorano un repertorio che spazia dalla tradizione popolare di Brasile e non solo a brani originali rivisitati o composti a sei mani.

Barbara Casini

Artista fiorentina, cantante, cantautrice, chitarrista è considerata oggi la più grande interprete di musica brasiliana in Italia. Conosciuta soprattutto come interprete, in particolare del repertorio brasiliano d’autore, in questo concerto ripercorre le tappe del suo lavoro di compositrice. 

Anaïs Drago

Violinista e performer italiana, vincitrice del Top jazz 2022 (referendum indetto dalla rivista Musica Jazz) nella sezione nuove proposte, si muove tra le sonorità dell’improvvisazione libera, della musica elettroacustica, del jazz e della canzone.

Barbara Piperno

Flautista e musicista versatile, è apprezzata per la sua capacità di spaziare tra generi diversi, dal jazz alla world music. Si distingue per un suono raffinato e una sensibilità interpretativa che arricchiscono ogni sua esibizione. Collabora con numerosi artisti e progetti, portando la sua passione per la musica in contesti sia nazionali che internazionali.

Ingresso € 12/10 rid. + d.p.

Il duo formato da Stefano “Cocco” Cantini e Alessandro Galati rappresenta una delle collaborazioni più raffinate e coinvolgenti nel panorama del jazz italiano contemporaneo. Entrambi toscani, Cantini e Galati condividono una profonda sensibilità musicale e una ricerca espressiva che si riflette nei loro progetti comuni.

Stefano “Cocco” Cantini: lirismo e versatilità

Nato a Follonica, Cantini è un sassofonista e compositore di grande esperienza, noto per il suo lirismo e la capacità di fondere jazz, musica classica e improvvisazione. Ha collaborato con artisti del calibro di Ray Charles, Kenny Wheeler e Michel Petrucciani, e ha inciso numerosi album, tra cui Errante, Living Coltrane,Niccolina al mare

Alessandro Galati: eleganza e innovazione

Alessandro Galati è un pianista e compositore che ha collaborato con figure di spicco come Steve Lacy, Lee Konitz e David Murray. La sua musica spazia dal jazz alla musica contemporanea, sempre caratterizzata da un linguaggio raffinato e originale. Ha partecipato a progetti come G Plays G, un omaggio a Gershwin, e ha suonato in contesti internazionali di rilievo

Un incontro di anime musicali

Il loro incontro ha dato vita al disco “NOTTURNO” un dialogo musicale profondo e suggestivo. Cantini e Galati condividono una visione artistica che valorizza l’ascolto reciproco e l’improvvisazione, creando un’atmosfera intima e coinvolgente. Questa sinergia si riflette nei loro concerti, dove ogni esibizione diventa un’esperienza unica e irripetibile

prima del concerto:

incontro e visita guidata a cura del FAI di Grosseto

dopo il concerto: la serata prosegue con aperitivo e musica live

in collaborazione con Bio Distretto Colline della Pia

Ingresso € 15/13 rid. + d.p.

Il Danish Trio unisce al pianista Stefano Bollani due musicisti di punta della scena scandinava: Jesper Bodilsen al contrabbasso e Morten Lund alla batteria. I tre artisti si incontrano nel 2002 su iniziativa di Enrico Rava, che li chiama a collaborare in occasione della sua vittoria al Jazzpar, prestigioso premio jazz assegnato a Copenaghen. Da questo incontro parte una collaborazione che culmina con la pubblicazione dei dischi Mi ritorni in mente e Gleda, entrambi usciti per l’etichetta danese Stunt Records, e Stone in the Water, pubblicato dall’etichetta tedesca ECM. A questi album vanno aggiunti Joy in Spite of Everything (ECM), inciso a New York con il supporto del chitarrista Bill Frisell e del sassofonista Mark Turner, e Close to You (Stunt), disco in cui Bollani, Bodilsen e Lund affiancano la cantante danese Katrine Madsen. 

“Nel Danish Trio l’ascolto è un elemento centrale” sintetizza Bollani “e ciascuno di noi è, in ogni istante, attento a ciò che gli altri stanno suonando, concentrato sul suono nella sua totalità. Esattamente il mio ideale di gruppo jazz.” Nei live Bollani, Bodilsen e Lund si uniscono per interpretare, improvvisare e creare momenti unici, in grado di trasmettere agli ascoltatori la felicità di vivere la musica senza pregiudizi. E senza una scaletta preordinata. Alla base di tutto c’è sempre la gioia di vivere: quella “Gleda” – come la chiamano i norvegesi – che dà il titolo a uno dei più fortunati album del trio.

Attenzione: il concerto inizerà alle ore 20:30

Ingresso 

Primi posti € 42/ € 40  rid. 

Secondi posti € 36/ € 34 rid.

Terzi posti € 30/ € 28 rid. + d.p.

Napoli, insieme alla gente che la abita, è stimolo per le composizioni e la creatività di Marco Zurzolo. L’energia che trasmette la città, nel bene e nel male, è immensa e Zurzolo ruba giorno dopo giorno ogni emozione, la sua poesia, la sua eleganza e la sua immensa tradizione, trasformando il tutto in musica, così da non poter essere mai confusi con nessun altro musicista di un’altra terra.

Questo progetto nasce con uno scopo ben preciso, quello di rappresentare la città di Napoli rispettando i suoni, i colori e la sua immensa tradizione. In questo progetto si propone una nuova visione della musica, basata sulla fusione di suoni e linguaggi diversi, dal Jazz alla Canzone tradizionale di Napoli e del Mediterraneo. Riprendendo il concetto di “song”, si intende creare un viaggio sonoro che rievochi ricordi e sensazioni tra le armonie ed il suono delle suggestive parole di Elvio Porta.

prima del concerto:

ore 17:30, Teatro del Ciliegio, incontro con gli artisti

in collaborazione con la Scuola Comunale di Musica di Follonica: info 347 4338919 sg6556@gamil.com

Ingresso gratuito

“Il Cielo è Pieno di Stelle” è l’omaggio di Fabrizio Bosso e di Julian Oliver Mazzariello alla musica di Pino Daniele.

Una delle più grandi coppie del jazz italiano di oggi, quella formata da Fabrizio Bosso alla tromba e Julian Oliver Mazzariello al pianoforte, con la loro originale interpretazione di brani del grande repertorio del cantautore napoletano. Il “tandem” dei due musicisti ripercorre le diverse traiettorie musicali di Pino Daniele, cercando di restituire un suo ritratto inedito, puntato soprattutto sulla musica. L’intenzione non è una semplice rilettura ma vestire una musica già grande ma con colori nuovi e autentici, facendo risuonare melodie straordinarie con la timbrica e la poesia di due eccezionali protagonisti del jazz contemporaneo. Il repertorio abbraccia un’ampia rosa di brani, dall’immancabile “Napule è” (77’) alla trascinante “Je so’ pazzo” (’79), la magia di “Anna Verrà” (‘89); ma anche le più recenti “Quando” (1992), Anima (1995) e le due perle del 1993 “Allora sì” e “Sicily”, quest’ultima registrata all’epoca con il jazzista americano Chick Corea, autore della musica alla quale Pino Daniele aggiunse un testo da brividi. La musica e la poetica di Pino Daniele – afferma Fabrizio Bosso – hanno influenzato generazioni di musicisti, me compreso. Nelle sue melodie non c’è mai una nota fuori posto e non c’è solo il blues, il rock o il funky ma anche tantissimo jazz. Tutti abbiamo cantato Pino Daniele nella nostra vita.

Ingresso € 20/18 rid. + d.p.

Il nuovo disco del quintetto di Furio di Castri presenta un percorso attraverso alcune atmosfere “diversamente” domenicali” in cui un po’ del materialismo dialettico di Mao Tse Tung si confronta con l’iconografia classica dell’estremo Oriente (Shades of China) e con varie riflessioni sentimentali e ironiche (Oh No), romantiche (Calling Miss Daisy), hardcore (What Love) e freudiane (The bass and His double). Tutto intriso di pensieri maggiori e minori e dominato dallo spirito di Charles Mingus e Frank Zappa. Furio Di Castri, contrabbassista e compositore nato a Milano nel 1955, ha collaborato a lungo con Michel Petrucciani, Enrico Rava, Paolo Fresu, Chet Baker, Paul Bley, Richard Galliano, John Taylor, Joe Henderson, Peppe Servillo. Ha suonato in tutto il mondo, registrando più di duecento dischi di cui 20 come leader. Ha composto musiche per orchestra e laboratori sperimentali, teatro, danza, arte contemporanea e sonorizzazione di film muti. 

prima del concerto: 

ore 20:30 apertura straordinaria del Museo Civico Archeologica “Isidoro Falchi” e visita guidata

Ingresso gratuito

Il Nico Gori Swing 10tet è un progetto esplosivo che rappresenta una delle formazioni più raffinate della scena jazz italiana, guidato dal clarinettista e sassofonista Nico Gori. Nel 2025, il gruppo festeggia i 10 anni dalla sua fondazione, una pietra miliare che segna un decennio di successi, esibizioni memorabili e collaborazioni prestigiose.

La nascita del Nico Gori Swing 10tet ha radici profonde nel cuore della solidarietà e della musica: il gruppo si è formato per la prima volta nel 2015 in occasione della prima edizione de Il Jazz Italiano per L’Aquila, un evento voluto per sostenere la città colpita dal terremoto. Successivamente è diventata resident band dell’Exwide, con concerti a cadenza mensile che ancora oggi continuano ad infiammare il nostro jazz club.

Il progetto, sin dal suo esordio, è stato infatti una produzione originale di Pisa Jazz, una collaborazione che ha contribuito a dare vita a uno dei gruppi più dinamici e apprezzati della italiana. Da allora, il Nico Gori Swing 10tet ha pubblicato quattro album di grande successo: il live “Dancing Swing Party” (2016), il brillante “Swingin’ Hips” (2018), il natalizio “The Tentet is Coming to Town” (2018) e l’elegante “Swing Classics” (2021) che omaggia i grandi classici del genere..

Nel 2025, il Nico Gori Swing 10tet celebrerà i suoi primi dieci anni di carriera, con una serie di concerti e un nuovo album all’orizzonte, continuando a portare la magia dello swing e del jazz alle orecchie di un pubblico sempre più vasto e appassionato.

Ingresso € 12/10 rid. + d.p.

Un’esortazione al cammino, alla fuga, alla scoperta.

Sono questi i protagonisti del concerto di Flo e Enrico Zanisi: cantautrice e attrice lei, jazzista raffinatissimo lui. Un viaggio profondo e pieno di leggerezza, dove il jazz s’intreccia alla musica migrante del sud del mondo e alla canzone d’autore di esuli e camminanti.

Un concerto in cui musica e parole raccontano storie di viaggi affascinanti: quella dell’illustre immigrato Carlos Gardel, padre del tango argentino, quella del Lusitania, il transatlantico più grande e veloce del mondo, affondato in soli otto minuti alla sua prima traversata. Momenti evocativi come il canto sefardita dei popoli erranti,  si affiancano a vivaci incursioni nel repertorio moderno, sotto il segno dell’incontro e  della contaminazione di stili e linguaggi.

A completare questo elogio alla fuga – a tratti fisica e a tratti metaforica – non mancano i brani originali di Flo, considerata dalla critica una delle penne più originali della sua generazione. Un percorso elegante e funambolico in cui le doti istrioniche della chansonnier napoletana, che canta, recita e racconta, si fondono con le imprevedibili trame jazzistiche del sorprendente Enrico Zanisi, affiancato da Joe Rehmer al contrabbasso e da Alessandro Paternesi alla batteria.

Un concerto che fa navigare il cuore e la fantasia attraverso rotte a tratti familiari e a tratti inesplorate; che si rivolge all’orecchio dei jazzofili, ma non solo, perché Flo, col suo modo di decantare, intimo e teatrale al tempo stesso, riesce a portare per mano chiunque abbia voglia di lasciarsi andare alle emozioni di un viaggio ricco di meraviglia.

@ 20.00 visita guidata alla cantina con apericena e degustazione

@ 21.30 concerto

Ingresso € 12/10 rid. + d.p.

concerto, visita e degustazione € 25 € (su prenotazione)

Conversazione con Alessia Innocenti (attrice e regista), Neri Pollastri (filosofo e critico musicale), 

conduce Alessandra Cafiero

In questo libro la pronipote di Nica, Hannah Rothschild, scava nel suo album di famiglia per raccontare una figura piena di fascino, una donna che ha saputo vivere la vita che desiderava fino all’ultimo dei suoi giorni, senza mai rinunciare a indipendenza e libertà.

La donna che ha volato sui bombardieri Lancaster durante la guerra. La proprietaria dell’appartamento in cui è morto Charlie Parker. La padrona di trecentosei gatti. La protagonista di venti canzoni (anzi no, ventiquattro). La sfidante di Miles Davis in una gara automobilistica sulla Fifth Avenue. L’amante di un pianista nero, Thelonious Monk, per il quale è persino andata in prigione. La Baronessa del Jazz. Molte cose è stata Pannonica de Koenigswarter, detta Nica, la protagonista di questo libro, e molti sono i modi in cui è stata definita, anche se non tutti veritieri. Nica, née Rothschild, è bella, romantica, vivace, detentrice di un cospicuo patrimonio: in sole cinque generazioni i Rothschild sono passati dal ghetto di Francoforte ai palazzi nobiliari inglesi, come quello nel cui parco Nica impara a camminare tra canguri, tartarughe giganti, emu e zebre, lei che ha il nome di una farfalla. Dopo il matrimonio col barone de Koenigswarter, si stabilisce in un castello in Francia e diventa madre di cinque figli, ma quando scoppia la Seconda guerra mondiale parte subito alla ricerca del marito, arruolato nell’esercito della Francia Libera in Africa, e nemmeno lì Nica si risparmia: guida ambulanze, decodifica codici, organizza rifornimenti. Eppure è la passione di sempre per il jazz a cambiare tutto. È il 1948 quando Nica si infiamma ascoltando per la prima volta ’Round Midnight, di Thelonious Monk: un coup de foudre, in tutti i sensi. Abbandona marito e figli, si trasferisce nella città dove tutto accade, New York. È nata la Baronessa.

Ingresso libero

Serravalle Jazz rinnova la collaborazione con la storica BargaJazz Orchestra, quest’anno in concerto con un ospite speciale: direttamente da New York il trombettista americano Eddie Henderson.  La BargaJazz Orchestra, con quasi 40 anni alle spalle, è considerata una vera e propria fucina di nuovi talenti: nelle sue fila hanno militato musicisti oggi tra i più apprezzati. E’ diretta attualmente da Mario Raja.

La BargaJazz Orchestra nasce nel 1986 in occasione della prima edizione del concorso di arrangiamento e composizione per orchestra jazz. Diretta attualmente da Mario Raja, l’orchestra è formata da 18 musicisti che riescono ad unire le capacità di solisti improvvisatori a quelle di ottimi orchestrali. Ogni anno l’orchestra si riunisce a Barga per mettere a punto in pochi giorni un programma del tutto inedito basato sulle composizioni e gli arrangiamenti selezionati per il concorso. Il concorso di arrangiamento e composizione, primo esperienza del genere a livello europeo, è nato da un’idea di Bruno Tommaso e Giancarlo Rizzardi, e da Barga sono passati, negli anni, moltissimi professionisti della scrittura jazzistica a livello internazionale. L’orchestra può a buon diritto definirsi una fucina di nuovi talenti, nelle sue fila hanno militato musicisti oggi tra i più apprezzati.

Eddie Henderson è un trombettista versatile e innovativo che ha saputo unire una tecnica straordinaria e una sensibilità artistica in perfetto equilibrio. Henderson si distingue per il suo suono lirico e sofisticato, capace di spaziare tra stili differenti. Si ispira a Louis Armstrong e Freddie Webster ed incoraggiato a cercare di sviluppare uno stile personale, inizia a frequentare il mondo del jazz nel periodo del jazz elettrico e della fusion, per ritornare poi a esplorare i suoni del jazz acustico ispirandosi all’hard bop. Oggi, grazie anche a questo pedigree, è considerato uno dei musicisti newyorkesi più influenti. 

Ingresso € 5 / abbonamento € 12

Incontro a cura di Lorenzo Becciani

Esattamente cinquant’anni fa, il primo febbraio 1975, Miles Davis a Osaka tenne due concerti, uno pomeridiano e uno serale: Agharta e Pangaea, che segnano la chiusura di un’era nel jazz. Un preludio a un lungo silenzio, ma anche un riflesso della sua personalità complessa e visionaria, che ha segnato profondamente la storia della musica. Il critico Lorenzo Becciani ripercorre quella che è una considerata una delle migliori performances di Miles.

Ingresso libero fino ad esaurimento posti 

Qual è il filo rosso che unisce Ryūichi Sakamoto a Danilo Rea? Il loro amato pianoforte lo è, ma solo in parte. L’altro legame, ancor più profondo, è l’Amore per la Melodia, il “Canto”.

Entrambi hanno esplorato, studiato e suonato molti stili e generi musicali, unendoli tra loro oltre le comuni regole, quell’ oltre le “note permesse” che appartiene ad un sentire profondo, scavando e creando una “essenza” che giunge intatta fino all’ascoltatore, immergendolo in una dimensione puramente emozionale, che parla all’IO di ognuno, trasformandosi in colonna sonora di tanti singoli vissuti. La Musica è un viaggio e, come il canto delle sirene, seduce ed ammalia l’anima.

Il progetto in Piano Solo in collaborazione di Martux_m. Rea e Sakamoto hanno entrambi esplorato le strade della sperimentazione, il primo con Martux_m nel progetto “Reminiscence” (2014) e Sakamoto con una lunga collaborazione con Alva Noto. Produzioni esteticamente differenti ma accomunate dalla continua ricerca di nuovi orizzonti.

In apertura il duo Iacopo Teolis e  Edoardo Ferri – in collaborazione con l’Associazione I-Jazz

Continua l’impegno di Serravalle Jazz per presentare su un prestigioso palcoscenico artisti giovani che si stanno affermando come talenti emergenti. In collaborazione con l’Associazione I-Jazz ed il suo concorso internazionale “Nuova Generazione Jazz”, il focus si sposta, per il 2025 su questa interessante formazione.

Il duo formato dal chitarrista Edoardo Ferri e dal trombettista Iacopo Teolis nasce dall’incontro di due giovani musicisti legati da una visione condivisa del jazz come spazio di esplorazione, ascolto e libertà espressiva. Attraverso un repertorio originale e riletture di standard, il duo sviluppa un dialogo intimo e dinamico, dove la chitarra e la tromba si intrecciano in un equilibrio costante tra scrittura e improvvisazione. La formazione essenziale permette ai due musicisti di muoversi con fluidità tra lirismo, interplay e ricerca timbrica, dando vita a un suono personale e in continua evoluzione.

Ingresso € 5 / abbonamento € 12

Incontro con Francesco Martinelli

Il critico, giornalista e scrittore Francesco Martinelli affronta la carriera e l’opera di colui che è considerato l’inventore dell’organo Hammond, Jimmy Smith. Francesco Martinelli è noto per i suoi contributi alla ricerca e alla divulgazione della musica improvvisata, contribuendo alla diffusione della cultura jazzistica in Italia e all’estero.

Ingresso libero fino ad esaurimento posti

Nella cornice suggestiva della Torre del Barbarossa, Daniele Di Bonaventura, considerato uno dei più originali e creativi bandoneonisti al mondo, offrirà una performance che spazia dalla musica classica a quella contemporanea, dal jazz al tango, dalla musica etnica alla world music.

Ingresso libero fino ad esaurimento posti

La via del ferro è il progetto italo-inglese capitanato dal contrabbassista Michelangelo Scandroglio con alcuni tra i più importanti musicisti della scena musicale londinese: Maria Chiara Argirò al pianoforte, Alex Hitchcock al sassofono e Myele Manzanza alla batteria. Nato dall’incontro tra musicisti provenienti da diverse realtà ma con una comune visione nell’esplorare nuovi orizzonti musicali, il cuore di questo quartetto è il dialogo tra tradizione e innovazione, improvvisazione libera ed elettronica. Un’esperienza musicale che oltrepassa i confini del jazz senza dimenticarne le radici.

Ingresso € 5 / abbonamento € 12

ELASTICA è un progetto di residenza musicale che si svolgerà dal 24 al 26 agosto 2025 all’interno di Serravalle Jazz Festival. Nato dall’incontro di cinque musicisti attivi nella scena contemporanea e sperimentale – – il progetto propone una ricerca collettiva incentrata sul tema dell’elasticità come principio musicale, fisico e simbolico.

La residenza si articolerà in tre giornate di prove, esplorazione e composizione condivisa, con un concerto finale il 26 agosto. Il lavoro sarà guidato da alcune suggestioni fondamentali: l’elasticità del tempo (ritmi che si dilatano e si contraggono, come un cuore o un respiro), l’elasticità del suono (glissandi, trasformazioni timbriche graduali), quella della forma (strutture mobili e modulabili), e soprattutto l’elasticità dell’interazione tra i musicisti e tra strumenti acustici ed elettronici.

Il suono sarà trattato come materia viva e flessibile, capace di deformarsi, tendersi e ritornare, come un corpo in movimento o una corda sull’orlo della rottura. Gli strumenti si alterneranno nel ruolo di protagonisti, per poi fondersi in una massa sonora fluida e condivisa, simile a un organismo in costante espansione e contrazione. Attraverso il lavoro comune, ELASTICA vuole riflettere sulla possibilità di creare un linguaggio musicale collettivo, non lineare, non rigido, in cui ogni suono nasce da una relazione e ogni gesto ha un’eco nel gruppo.

Ingresso € 5

Un incontro inedito e sorprendente tra due mondi sonori: il sassofono lirico e profondo di Stefano “Cocco” Cantini si fonde con le pulsazioni elettroniche e vintage di Alexander Robotnick, pioniere dell’electro italiano.

Nel live set ispirato alla traccia Robocok, i due artisti esplorano territori ibridi dove l’improvvisazione jazz dialoga con groove sintetici, beat analogici e atmosfere cinematiche. Il risultato è un concerto coinvolgente, in equilibrio tra sperimentazione e sensualità, spirito club e libertà espressiva.

Biografie

Stefano “Cocco” Cantini è uno dei più affermati sassofonisti italiani, apprezzato per il suo stile lirico, ricco di sfumature meditative e mediterranee. Ha collaborato con artisti del calibro di Michel Petrucciani, Enrico Rava, Billy Cobham, Rita Marcotulli e molti altri. Autore di progetti trasversali tra jazz, world music e poesia, unisce profondità melodica e ricerca sonora.

Alexander Robotnick è una figura cult della musica elettronica internazionale. Con il brano Problèmes d’amour (1983), ha segnato la storia dell’italo-disco e dell’electro mondiale. Instancabile sperimentatore, il suo stile fonde elettronica anni ’80, house, techno e contaminazioni globali, con un approccio ironico e sempre originale.

Ingresso fino ad esaurimento posti disponibili